El amante

El amante, The other man, 2008, Richard Eyre

 

¿De qué trata?:  Peter (Liam Neeson) y Lisa (Laura Linney) están asentados en la comodidad de su largo matrimonio. Lisa es una exitosa diseñadora de zapatos, y Peter dirige su propia compañía. Es la noche del lanzamiento de la última colección de Lisa, que durante la cena parece evasiva y, después, extraña. «¿Nunca has deseado tener la oportunidad de acostarte con otra persona?», pregunta ella. A continuación, desaparece. Peter lucha por buscar respuestas, y sigue su rastro hasta Italia. Allí se encuentra con Ralph (Antonio Banderas), un hombre astuto y encantador que es, claramente, el amante de Lisa. Pero Ralph tiene sus propios secretos.

Cuando vi que se estrenaba esta película corrí de inmeadiato al cine por que el director suele ser sinónimo de calidad, pero esta vez, se quedó corto y me descepcionó. No sé que pensaba, Richard Eyre, al dirigir esto. Es infinitamente inferior que su trabajo anterior, Notes on a Scandal. No alcanza momentos de gran intensisad como en esa anterior propuesta. Aquí se siente desdibujado, cansado y el poder de interés de la película no se palpita.

Es una lástima teniendo a 3 buenos actores sentirse incómodos y desperdiciados. Están encorsetados en papeles demasiado forzados que para nada les ayuda a demostrar su calidad interpretativa. Laura Linney es quizás la que mas se esfuerza por transmitir a la cámara, Antonio Banderas se ve falso y Liam Neeson frío y parco.Los personajes  se hacen demasiado típicos y previsibles y sus actos no deparan ninguna sorpresa. En cuanto a la historia, podría haber dado mucho de sí, por lo dramático, por lo erótico o por lo real de la situación, pero todo se queda en una historia vacía y fácilmente olvidable. Al final no logra la intriga que busca ya que todo se hace demasiado convencional y previsible.

Al grano: Drama endeble y falso. Lleno de tópicos superficiales, que ni sus propios actores pueden salvar. Eyre ha logrado mejores cosas que esto.

*  1/2 / 5

Vals con Bashir

Vals con Bashir, Vals Im Bashir, Ari Folman, 2008

¿De qué trata?: Documental animado sobre la matanza de refugiados palestinos en Sabra y Chatila (Líbano) en 1982. Una noche, en un bar, un viejo amigo cuenta al director Ari Folman que tiene una pesadilla recurrente en la que le persiguen 26 perros. Cada noche, el mismo número de animales. Los dos hombres llegan a la conclusión de que tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años ochenta. Ari se sorprende ante el hecho de que no recuerde nada de ese periodo de su vida. Intrigado, decide ver y hablar con viejos amigos y antiguos compañeros dispersados por el mundo entero. Necesita saber la verdad acerca de ese periodo y de sí mismo. Ari escarba cada vez más y sus recuerdos empiezan a reaparecer mediante imágenes surrealistas…

Lo onírico da frescura y virtualidad al realto

«Vals con Bashir» es un film comprometido, arriesgado, profundamente emocional, que lleva al espectador a su terreno de manera ejemplar. Con un portentoso acabado técnico, se nos educa sobre un hecho histórico que muchos ignorarán, como es la matanza de refugiados en Líbano sucedida en 1982. Mediante un personaje principal, vamos descubriendo su vida, su historia, fundiendo imágenes oníricas con secuencias duras por su intensidad, por su realismo y su veraz forma de mostrar las secuencias. Es un film de animación que trasciende de su «género»: consigue emocionar, es informativo y lo hace de forma neutral, sin intentar modificar la opinión del espectador. No plantea dudas, no las resuelve: sólo muestra las cosas como fueron y es el espectador quien debe decidir.

El complejo de culpa, tema judaico donde los haya, es el punto de partida de una búsqueda del personaje principal, que combatió en la guerra del Líbano allá por el 82. El hombre tiene remordimientos, y trata de comprender por qué, puesto que su memoria parece haber borrado lo acontecido en aquel conflicto. Así, vamos pasando de una dimensión puramente individual de motivaciones y fantasmas del pasado, hacia diversos testimonios de otros ex-combatientes en aquellos mismos acontecimientos. El enemigo musulmán es tratado como una fuerza invisible y amorfa. Disparan, pero apenas esbozamos algún retrato facial del contricante. Son solo una amenaza latente, de la que ignoramos causas o consecuencias.

Otro cartel promocional.

Y todas estas experiencias individuales que el protagonista va recolectando, se convierten en una tragedia colectiva, la de los masacrados palestinos tras el asesinato de Bashir. Y en todo esto, los israelíes son simplemente testigos que no toman parte. Si esto es éticamente reprobable, puesto que aparecen como unos pobres desgraciados que solo cumplen con su cometido mientras que en la realidad son el demiurgo de toda la espiral de violencia acontecida en la zona desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Si esto, como digo, es peligrosamente partidista, lo verdaderamente malo del film es comprobar que toda esa visión individual se va diluyendo en un magma colectivo que ni resuelve, ni aclara, ni cicatriza traumas, ni nada de nada.

Los recuerdos cohibidos, por muy escondidos que estén, siempre nos estarán alimentando, siempre seguirán rondando en nuestra vida, y basta un pequeño incidente, un inoportuno trampolín, para que salten de nuevo a escena y nos llenen el cuerpo de cicatrices. Y esto es lo que Ari Forman nos ha contado. De una manera conmovedora, en una de las interesantes animaciones del 2008.

Al grano: Interesante propuesta, sin embargo su talón de Aquiles es mostrarte sólo una capa de un hecho tan complejo. Sin embargo, es recomendable.

* * * 1/2   / 5

Cinco días sin Nora

Cinco días sin Nora, Mariana Chenillo, 2008

¿De qué trata?: Antes de morir, Nora elabora un plan para que José, su ex marido, tenga que hacerse cargo del velorio. Sin embargo, la única falla del plan, una misteriosa foto olvidada debajo de la cama, provocará un inesperado desenlace haciéndonos descubrir que las más grandes historias de amor se esconden en los lugares más pequeños.

“Cinco días sin Nora”, el primer largometraje de la directora Mariana Chenillo, es una comedia dramática con mucho humor negro que habla desde la relaciones afectivas hasta las discrepancias entre religiones. En esta cinta se compendian las diferencias sociales, raciales y religiosas dentro de un contexto económico neoliberal que comercia con todo y con todos y se critica por igual a todos los estamentos, incluyendo los ritos judíos y la frivolidad católica.

La directora es también la guionista de la película y su mérito consiste en haber presentado los personajes en forma tal que se produzca un caos permanente y una tensión creciente sin incurrir en situaciones trilladas y demasiado melodramáticas.
Por otro lado, uno de los puntos débiles de la cinta está en las escenas retrospectivas producto de los recuerdos de José con Nora, demasiado lacónico en sus explicaciones y poco trabajado en su estética pero el más notorio es el facilismo con que se llega al desenlace. Pero en conjunto, la película tiene tal poder de convocatoria y adhesión, que oculta sus defectos.

Al Grano: Sencilla y gran película que con pocos elementos se logra un excelente trabajo.

* * * * / 5

Paraiso travel…

Paraiso Travel, Colombia, Simon Brand, 2008

¿De qué trata?: Es la historia de un par de novios colombianos que viajan ilegalmente a Estados Unidos. Ella (Reina-Angelica Blandon-) lo hace obsesionada por vivir en Nueva York, segura de que el sueño americano existe, mientras que él (Marlon-Aldemar Correa-) la sigue más por el amor que siente por su novia que por convicción. Al llegar a la capital del mundo, una discusión y una circunstancia del destino los separa. De ahí en adelante la historia muestra la angustia y todas las peripecias que vive Marlon por volver a ver a su amada Reina…

¿Hasta dónde te lleva la ambición el amor?

Esta historia habla de la inmadurez y el proceso duro que puede ser el salto a la responsabilidad, lejos de la familia que cumple con la protección y apoyo hacia los hijos y tampoco permite su lejanía con facilidad. El móvil del desplazamiento es sin duda el sexo aunado a la inmadurez de la pareja que comete actos según la conveniencia de una de las partes y abusa de la confusión de la otra. El deseo trae como consecuencia el trayecto por tres países, difíciles de recorrer en situación de ilegales y como era de esperarse los abusos vistos en esta película tampoco fueron extraños, al contrario terriblemente se ven una y otra vez, volviendo las vejaciones una característica de la temática de las películas sobre migrantes.

Paraíso Travel tiene buen ritmo, nuevamente por el trabajo de edición que no nos permite pronóstico. También las actuaciones realmente son buenas, destacando a Margarita Rosa de Francisco con ese papel bizarrísimo de la yonqui loca y ninfómana, en la que no es común ver a actrices conservadoras de la imagen, realmente una sorpresa y una intervención memorable.

Un filme bien concebido desde su estructura narrativa, que combina muy bien la técnica de narrar oscilando entre pasado y presente para dejar en claro los mensajes discursivos sobre la concienciación de los pesares que deben pasar aquellos que se arriesgan a buscar horizontes más prósperos a pesar de la ilegalidad.

Una cinta dura y realista, subida de tono en algunos pasajes desde la liviandad sexual y la bajeza inescrupulosa por conseguir objetivos materialistas a cualquier precio, aún a expensas de lastimar los sentimientos y las sensibilidades de los demás.

Al grano: Interesante película colombiana que muestra el entendimiento de un personaje por si mismo a traves de la búsqueda de la persona amada en un lugar ajeno.

* * * * / 5

La dulce vida

La Dulce Vida, Happy-Go-Lucky, Mike Leigh, 200

¿De qué trata?: Poppy (Sally Hawkins) es una joven profesora de primaria divertida, abierta y generosa, una muchacha inmune a la amargura que viste como vive, a todo color. Es un espíritu libre que se toma la vida tal y como viene, pero siempre con actitud positiva.

Hay que reconocer el mérito de Sally Hawkins a la hora de encarnar a Poppy (de hecho ya se lo tuvieron en cuenta concediéndole el último Oso de oro de Berlín a la mejor actriz y el Globo de oro a la mejor actriz de comedia). No debe resultar nada fácil interpretar el papel de una persona que puede generar tanto agrado y asco a la  vez. Al histrionismo y la gesticulación más propios de Mr. Bean, con todo lo bueno y lo malo que eso puede implicar, Poppy le añade una verborrea agotadora capaz de sacar de las casillas al más paciente de los mortales.

Sin embargo, tras un personaje tan descaradamente feliz como el de Poppy, el director de la película, Mike Leigh, ha querido camuflar algunas reflexiones sobre nuestra sociedad occidental, cada vez más plagada de seres alicaídos y anodinos. Cuando el filme se centra en el mundo de una chica tan extravagante y tan fuera de lo común, uno termina cuestionando al resto de personas supuestamente normales. ¿Es normal evitar un saludo? ¿Ignorar a la persona que tenemos a escasos metros en la sala de espera de una consulta? ¿Someterse a la esclavitud de la vida cotidiana?

Recomendable las escenas de la clase de manejo

La hermana de Poppy, su antítesis, es la que mejor refleja esa idea de que la estabilidad equivale a rutina y equivale a sumisión. Embarazada, con un marido sometido y acobardado y una hipoteca a sus espaldas, tiene la osadía de acusar a su alegre hermana de ser una infeliz. Mientras ella se obsesiona con las plantas de su jardín y con que nadie le manche el suelo de parquet, a Poppy parece ilusionarle mucho más convertir las bolsas de papel en disfraz de pájaro para sus alumnos.

Con independencia del personaje, Happy. Un cuento sobre la felicidad’ esconde algunas perlas muy recomendables. Comenzando por una interesante reflexión entre varias profesoras sobre el papel de los padres (y de las videoconsolas) en la educación de los hijos y terminando con una fantástica clase de flamenco. Es probable que para algunos Happy no sea precisamente un cuento y les termine provocando el efecto contrario a la felicidad, pero en todo caso se trata de una arriesgada radiografía, por momentos desequilibrada, por momentos lúcida, de una extraña en su propio hogar.

Al grano: Interesante crítica al británico cuadrado (y a la sociedad en general) sobre esepragmatismo cotidiano y la privación de la felicidad.

* * * * / 5

El casamiento de Raquel

El casamiento de Raquel, Rachel Getting Married, Jonathan Demme, 2008

¿De qué trata?: Kym (Anne Hathaway), una ex-modelo que se ha pasado los últimos 10 años entrando y saliendo de centros de rehabilitación, regresa a casa durante un fin de semana para la boda de su hermana Rachel (Rosemarie DeWitt). A pesar de su juventud, Kym tiene un largo historial de crisis personales, conflictos familiares y estancias en clínicas para rehabilitarse. La boda de Rachel se presenta como la ocasión perfecta para volver a la casa familiar de los Buchman, y limar así las asperezas del pasado. Sin embargo, lo que prometía ser un fin de semana festivo junto a los parientes y amigos de los novios, se complica cuando salen a relucir viejas tensiones. Kym, con su mordacidad habitual, contribuye a ello, formando un retrato familiar algo extraño.

Que buen drama, tan sencillo, tan complejo, tan bien llevado. Yo siempre me he quejado de las películas que abusan de la cámara en mano pero esta cinta es tan necesario para adentrarnos en la mente de Kym, como se desarrolla su vida en familia. A pesar que sólo los verá en ese festejo, su llegada provoca que los rencores salgan a flote. Jonathan Demme ha demostrado muchas veces su calidad como director y vicionario, esta vez dirige de una forma artesanal. Como si construyera un pequeño regalo y descubrimos poco a poco su gran valor.

Anne Hathaway, Debra Winger y Rosemarie DeWitt, grandes actuaciones.

Puede que el metraje es excesivo, que algunas escenas son intrascendentes y se prolongan hasta la extenuación, que la música constante aburre, que la cámara subjetiva marea al espectador, tal vez que Rachel sea demasiado severa con su frágil hermana y que su historia de amor algo inverosímil; pero, la verdad es que la película mantiene siempre sus constantes vitales y tiene momentos en que te encoge el corazón y te hace lagrimar.

Al grano: Pequeña gran película que destaca el talento de Anne Hathaway en plenitud.

* * * * / 5

Frost/Nixon

El desafío: Frost contra Nixon, Frost/Nixon, Ron Howard, 2008

¿De qué trata?: Adaptación de la obra teatral de Peter Morgan sobre la serie de entrevistas del periodista David Frost al presidente Richard Nixon. En los tres años siguientes a verse obligado a dejar la Casa Blanca, Richard Nixon(Frank Langella) permaneció en silencio. Sin embargo, en el verano de 1977, el astuto y frío ex presidente aceptó conceder una única entrevista y contestar a preguntas acerca de su mandato y del escándalo Watergate que acabó con su presidencia. Nixon sorprendió a todos al escoger a David Frost (Michael Sheen) como confesor televisivo, seguro de que podría con el alegre presentador británico y se ganaría los corazones y las mentes de los estadounidenses. El equipo de Frost no estaba seguro de que el periodista fuera capaz de llevar a Nixon adonde quería. Pero en cuanto empezaron a rodar, la batalla comenzó. ¿Podría Nixon eludir las preguntas acerca de su papel en una de las mayores vergüenzas sufridas por la nación? ¿Exigiría Frost respuestas claras del hombre que llegó al poder por ser el maestro de la evasiva? Durante la entrevista, cada uno revela sus inseguridades, personalidad e inesperadas reservas de dignidad, para llegar por fin a una asombrosa exhibición de sinceridad.

La cosa no es adaptar una obra de teatro, ni hacer un drama político, ni tampoco lograr que Frank Langella entregue una de las mejores interpretaciones del año pasado.No defiendo a Ron Howard por que el trabajo suyo es bastante mediocre, pero cuando hay que reconocerle un mérito a un director, se hace y punto. Y Frost/Nixon es, como poco, digna de aplausos no sólo por su contenido sino por sus formas.

De la vida real al teatro, del teatro al cine...

Para empezar por que dura dos horas y se pasan volando. A mi la política no me interesa y aún así, me pareció más que amena y entretenida. Su fantástico montaje hace que la cosa nunca se haga pesada y la intensidad que va adquiriendo el film a medida que avanza es abrumadora, llegando en la última media hora a convertirse en una montaña rusa que se queda siempre arriba y, ni siquiera con ese final discutible para algunos, consigue bajar el nivel. Esto se debe principalmente al duelo interpretativo que se crea entre Langella, que está descomunal interpretando a Nixon, y Michael Sheen en el papel del periodista David Frost. ¿Secundarios? Nada menos que Rebecca Hall, Kevin Bacon o Sam Rockwell.

Con un formato que se mueve entre el falso documental y el reportaje de investigación, Frost/Nixon arranca con un vigor y un sentido del ritmo cuyo único objetivo es atraer y situar al espectador de forma sencilla e impactante. Una forma concisa, verosímil y directa de introducir un tema que en otro formato podría resultar tedioso.

Destaca la presencia de Rebecca Hall

Pero tal y como la barra del título indica, el desdoblamiento en los retratos de los protagonistas se configura de forma desigual, casi contrapuesta. Mientras Nixon recibe todo el cariño del director, abundando en primeros planos que marcan su personalidad mediante sus expresiones, Frost siempre es filmado desde la distancia, como una no persona más interesada en su relevancia pública que en su propio yo, y de la que sólo observamos sus rasgos mediante la descripción que de ella nos hace su entorno.

Es precisamente el punto de convergencia del film, donde debería librarse un pulso de igual a igual, cuando definitivamente se produce un decaimiento formal pasando a ser un mero ejercicio rutinario, un toma y daca que lejos de la tensión que se le debería suponer cae en el habitual recursos de un soso plano contraplano sin ninguna dimensión emocional apreciable, por más que el director intente enfatizarlo mediante las reacciones exteriores al desarrollo de la entrevista.

Por ello el desenlace de Frost/Nixon no deja de ser decepcionante en cuanto supone un nuevo giro sentimentaloide, de nula verosimilitud dramática, impregnado de una especie de lirismo impostado que destruye parcialmente toda la narración anterior. Un regreso a ese imaginario colectivo de la vieja América donde hasta los hombres malos tienen su corazón. Una forma pues, que huele a trampa con tufillo neoconservador, de cerrar uno de los trabajos más interesantes de Howard, pero que queda a años luz de la gran película que pudiera haber sido.

Al grano: Excelente traspaso de teatro a cine de una historia que estaba obligada a ser realizada con una impecable factura. Al final la historia no defrauda pero al final queda un hueco de que pudo haber tenido un descenlace menos poético.

* * * * / 5

Hagamos una porno

Hagamos una porno, Zack and Miri make a porno, Kevin Smith, 2008

¿De qué trata?: Zack (Seth Rogen)y Miri (Elizabeth Banks) son dos amigos que se conocieron en el instituto y a los que les cuesta afrontar la edad adulta pues, a sus veintimuchos años, se ven inmersos en deudas. Para hacer dinero rápido deciden montar una empresa para grabar porno amateur con sus amigos. Mientras rueden las películas, descubrirán que sentían algo más el uno hacia el otro que la platónica amistad que les había unido hasta ahora.

Debo decir que para mí Seth Rogen y Elizabeth Banks nunca se habían visto mejor interpretativamente; y esto en parte se debe a que Kevin Smith tal vez es cierto que no es un buen director técnico/visual pero lo que sí es y a nadie le queda el menor resquicio de duda, es que es un buen escritor, y que además con el tiempo ha mejorado en labores de montaje y como director de actores, a parte que siempre ha expresado un enorme fanatismo por el viejo y muy querido cine de diálogos. Smith es uno de los pocos que podría competirle a Tarantino en cuanto a quien hace más diálogos descarados. Smith nada más es más vulgar. Smith siempre hace el trabajo sucio. ¿Puede ser una comedia dulce y sucia a la vez? Todo indica que sí.

La solución de todo, hagamos una porno...

La disfruté mucho y sin verguenza. No he conocido a nadie mejor que Smith para que las conjugue de todas las formas posibles para darle un sentido a algo (de visión obligada en audio original) Además la historia tiene muchas situaciones y secuencias llenas de sinceridad. Pero también, como es normal en Smith, tiende a excederse en varias cosas. Incluso algunos ya estarán hartos de su amor por el Hockey o por la saga de «Star Wars» como ya es conocido.

Es curioso cómo una película puede ser tan contradictoria a la vez; la censura de Estados Unidos se ha encargado de perseguir la peli más inofensiva y azucarada de Kevin Smith. Porque bajo el tema del porno, los tacos, y algún que otro desnudo, se esconde el esquema típico y tópico de película romántica que hemos visto ya hasta la saciedad, de hecho el argumento es increiblemente previsible.

Vale la pena ver la película solo por algunos gags que son realmente de partirse la caja, algunos simplones y/o escatológicos pero no por eso menos efectivos. Lo de menos en la película es el argumento y la historia entre los protagonistas que no tiene ningún interés y está como metida con calzador. Lo que realmente vale la pena son las situaciones que se producen durante el rodaje de la porno, los actores friquis que escogen y el humor guarro en general.

Al grano: No por que en la silla de director diga Kevin Smith la película tiene que ser divertidísima. Sin embargo cumple a ratos a pesar de su esquema romántico y se le agradece ser mucho mejor que Jersey Girl. Pero la verdad sea dicha y no es el mismo Smith de los 90s. La salva el singular carisma de Elizabeth Banks a quien por fin se le disfruta increiblemente.

* * * / 5

Recuerdos de un tonto

Recuerdos de un tonto, Flashbacks of a fool, Baillie Walsh, 2008

¿De qué trata?: Joe Scot (Daniel Craig) es un actor británico cuya carrera en Hollywood comienza a caer en picado cuando cumple cuarenta años. Cuando un amigo de la infancia muere, regresa a casa para el funeral y comienza a rememorar su pasado.

El film empieza con Daniel Craig abandonado a los placeres hasta el punto de poner en peligro la razón que le proporciona todo ese bienestar. Una llamada, un amigo ha muerto en su Inglaterra natal, pero tampoco eso lo decide a viajar. Todo va tan mal que decide suicidarse, pero sólo es capaz de dejarse llevar por la corriente. Cuando es rescatado de sus derivas, entonces decidirá emprender un camino en el que reescribir en la medida de lo posible su rastro de indolencia. Principio del flashback. el joven Joe es un muchacho al que las cosas se le dan fáciles. Vive en un lugar humilde, pero sereno y agradable. Su belleza le acerca a las mujeres más deseadas y sólo tiene que dejarse llevar para que su vida sea tan buena como él hubiera querido que fuera de haberse detenido a pensar. Pero en uno de esos erráticos golpes de mar, Joe se ve envuelto en una terrible situación que, para no variar, no es capaz de afrontar.

La película me ha parecido interesante, me ha gustado la caracterización de un personaje que es tonto, no por decir estupideces, si no por dejarse llevar a la deriva hasta tal punto que ha olvidado lo que es enfrentarse a la vida.

Me ha encantado el uso del score en todo el film (score de Richard Hartley), así como la fotografía a cargo de John Mathieson. La actuación de Daniel Craig es notable.

Al grano: Película que luce el talento de Craig como actor dramático, que aunque sea pequeña, cumple con hacernos reflexionar lo que dejamos atrás por los placeres de la vida

* * * 1/2 / 5

Un poco de gusto visual por Daniel Craig

Tu última oportunidad…

Tu última oportunidad, Last Chance Harvey, Joel Hopkins, 2008

¿De qué trata?: Harvey Shine (Dustin Hoffman) es un escritor de Nueva York que pasa por un mal momento en su etapa profesional y personal. Pero todo parece cambiar cuando, al viajar a Londres para acudir a la boda de su hija, conoce a una mujer muy peculiar, Kate (Emma Thompson), una solterona cuya vida social se limita a humillantes citas a ciegas y a interminables conversaciones telefónicas con su madre. Harvey se siente inspirado por su inteligencia y manera de ser y pronto habrá una conexión que hará que sus tristes vidas cambien para siempre…

Al ver esta película tuve flashazos de Antes del anochecer y de Antes del atardecer, dos películas dirigidas por Richard Linklater que tratan de un encuentro casual entre dos personas por Vienna y París, sin embargo en ese momento «Antes del anochecer» sólo era circunstancial y «Antes del atardecer» ya definía el futuro de ambos. Lo que en esas película es algo simple aquí es algo complejo y así es como  «Tu última oportunidad» nos lleva a lo largo de la cinta.

En las películas antes citadas todo el conflicto es el encuentro, y aquí el encuentro es complementario a todo lo que sufren ambos personajes. El es un músico divorciado que asiste a la boda de su hija, un ser desplazado, un ser anulado, un ser que es tan humano que en todo momento de la película te sientes enternecido por él. Por otro lado, una mujer solterona abrumada por su relación maternal y aceptando que sus amigas del trabajo le consigan «citas a ciegas». Cuando llegamos al encuentro nos sentimos aliviados de una conexión ágil y menos que circunstancial se vuelve un momento poderoso en la vida de ambos, pues los dos se complementan y se salvan mutuamente.

Buena química entre Thompson y Hoffman

Tu última oportunidad es una madura y acomplejada cinta sobre el amor en personas adultas, sobre segundas oportunidades y acerca de la reconstrucción sentimental de individuos que deambulan con cara larga debido a los traspiés amorosos, sobre el insistir y el no renunciar a la posibilidad de vivir la vida en pareja, sobre la asimilación del fracaso dentro de las relaciones afectivas, sobre el afrontar con aplomo y valentía los errores del pasado, sobre el cambiar la perspectiva y el humor frente a la vida al encontrar el camino correcto dentro de las pasiones amorosas.

Sólo un encuentro puede cambiar tu vida...

Obviamente, el argumento no destaca por su originalidad, sin embargo la cinta funciona por las espléndidas actuaciones de estas dos grandes estrellas. Los secundarios tienen escasa presencia. Ambos fueron nominados a los Globos de Oro. No sobra nada, no falta nada, todo está en su sitio y los gestos y las expresiones de estos dos actores hacen el resto del trabajo. La propuesta es sencilla: debemos aprovechar las oportunidades y más cuando seguramente será la última. Lamentablemente es un filme que pasa sin desagradar pero sin luces suficientes como para ser recordado por momentos memorables, una pálida opción sobre el amor en tiempo de descuento que sólo es válido de visionar una tarde que la emitan en televisión y uno no tenga nada mejor que hacer.

complicidad y compatibilidad...

En fin, noble en las intenciones al trazar un ejercicio que renueva las esperanzas para los adultos que han fracasado en el amor y que aviva la posibilidad de encontrar la felicidad aún en tiempos muy avanzados. Lo malo es que es muy forzada en sus alternativas para resultar un trabajo creíble y con la fuerza suficiente desde la convicción, además de que resulta bastante edulcorada y simplista en sus trazos textuales.

Al grano: Sin negar la calidad de ambos protagonistas, el film pesa en ellos y es de ellos. Sin embargo, no tiene la suficiente behemencia para ser recordada mucho tiempo.

* * * / 5