“The Girl With the Dragon Tattoo”: Difícil prueba a superar para la versión norteamericana

"The Girl with the Dragon Tattoo" (Niels Arden Oplev, 2009)

Con una producción que está realizada por tres países europeos diferentes, llega la adaptación europea del popular libro de Stieg LarssonThe Girl with the Dragon Tattoo— Título original “Män som hatar kvinnor”. Un thriller perfectamente armado el cual Larsson hizo una trilogía en otras publicaciones. La cinta se basa en una novela negra que se sitúa en un complicado fraude financiero internacional y el pasado mal enterrado de una rica familia industrial sueca a lo largo del siglo XX. A través de su personaje principal, se refiere al clásico ambiente del género de película de suspense y crimen

Un rico industrial llamado Henrik Vanger (Sven-Bertil Taube) contrata a un periodista, Mikael Blomqvist (Michael Nyqvist), para saber qué fue de su sobrina, desaparecida hace nada menos que 40 años. Mikael se junta con una investigadora privada, diferente a las demás, de personalidad dark y presumiblemente bisexual.

Esta es la primera versión que veo de esta obra, en Estados Unidos ya se cocina un proyecto basado en la misma novela de Larsson, liderado por David Fincher (El Curioso Caso de Benjamin Buttom) y esteralizado por Daniel Craig. En este caso el proyecto cae en manos de Niels Arden Oplev quien ha realizado tres largometrajes en Dinamarca, y ahora con esta cinta, alcanza notoriedad internacional. En el cast se encuentran Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Sven-Bertil Taube, Peter AnderssonPeter Haber. La actriz Noomi Rapace tuvo una nominación a la Mejor Actriz Principal en los premios a las mejores películas europeas.

"The Girl with the Dragon Tattoo" (Niels Arden Oplev, 2009)

La cinta sueca es un thriller más que decente. Lo dice alguien que no ha leído la novela pero que ha disfrutado de un largometraje que sabe mantener la tensión durante las cerca de dos horas y media que dura. La película te capta y como el buen thriller que es, no te suelta. Se nota la huella de una cinta europea por el realismo que destilan ciertas escenas, que de tratarse de una película americana, se hubieran edulcorado hasta quitarles el dramatismo que requieren.

Por otro lado me ha sorprendido la buena interpretación de un reparto íntegramente sueco. También destacaría la manera en que el film despierta el interés por la dramática historia del personaje femenino principal, de la que se apuntan algunos detalles, pero dejando la miel en los labios y preparando a los espectadores para las secuelas que están por venir.

Habrá que esperar el estreno en latinoamérica de las películas que siguen esta valiente adaptación, que al menos aquí en este lado del mapa, nos preparan ya para la versión que se preparara en USA. Y suponiendo la distribución, llegarán a lo largo del 2011 por lo menos, aquí en México. Bueno ahora tengo una tarea pendiente, leer por mi toda la saga de Larsson y esperar la propuesta estadounidense, espero que tenga por lo menos, la calidad de esta cinta que me mantuvo impaciente al verla. Gran cinta de corte europeo.

****1/2 /5


Texto publicado en Extracine el día 19 de Agosto por Gustavo Barrientos.

 

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Sin Ella

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¿De qué trata?: Gastón (Luis R. Guzmán) es un famoso productor que lleva la vida que todo hombre puede soñar: es exitoso, jóven, atractivo, adinerado y tiene una novia muy guapa, Alejandra (Paola Núñez). Sin embargo después de su divorcio con Carmen (Lola Dueñas) se da cuenta de que nada es para siempre y su vida da un giro de 180°, que lo obliga a enfrentar el amor real, su rol como padre de una hija adolescente; pero sobre todo a sí mismo.

La gran ventaja que tiene esta película es que es una historia sincera. No es un alarde de creatividad vanguardista y sin dejar el esquema de un filme comercial, es una cinta que ofrece un buen entretenimiento a partir de un drama cotidiano. Lo que para algunos directores hubiera sido un melodrama al uso, para Jorge Colon es una oportunidad para comprobar un talentoso punto de vista al proceso de valorar el presente a partir del pasado, al aceptar la importancia de la muerte de un ser querido. Un hecho que no afecta a una sola persona sino a todos los involucrados.

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Sin duda, es el mejor trabajo actoral de Luis R. Guzmán; nunca había transmitido tanto con una mirada y por primera vez, no lo siento sobreactuado como en algunas telenovelas, sino que ahora se siente natural y consciente de la trascendencia del personaje. Todos los personajes secundarios lucen desde un excéntrico Fernando Ciangherotti hasta un atinado Francisco Gattorno. Además el elenco infantil muy bien sincronizado y las féminas Zuria Vega, Paola Núñez y Lola Dueñas muy dueñas de sus personajes.

La naturalidad de esta película hace lucir Cansada de besar sapos como una cinta superficial, pues esta logra un avance brutal con los personajes, así mismo, la evolución narrativa de Jorge Colon es notable. Sin embargo, a la hora de ponerme técnico con la película siento que los personajes se quedan estancados en su línea de acción, tienen un camino definido desde el inicio de la cinta y lo llevan a cabo a donde tienen que llegar, pero no avanzan a más. Hay situaciones que se quedan estancadas como el hecho de no terminar de superar una muerte, que aunque no debe de ser considerado un defecto en la cinta, se siente como un cabo inconcluso en una revisión superficial. El personaje de Paola Núñez a pesar de tratar de ser apoyo del protagonista no se resuelve como un sostén del personaje principal y una buena resolución, al menos, más verosímil para aceptar un presente completo, hubiera sido integrarla a la dinámica familiar, en vez de que Gastón (Guzmán) la relegara como un obstáculo en su unión familiar.

Al grano: No es la gran película mexicana, pero es un producto honesto que se deja ver y que te deja con un buen sabor de boca. Al final de cuentas se necesita una cinta comercial con estas magnitudes y gran producción, como un respiro a todo lo que hay en cartelera.

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La vida es BIUTIFUL

Biutiful-Movie-Poster Biutiful retrata la historia de Uxbal. Padre abnegado. Hijo desamparado. Intermediario de la sombra. Próximo a los desaparecidos. Atraído por los fantasmas. Sensible a los espíritus. Sobreviviente en el corazón de una Barcelona invisible. Sintiendo que la muerte le ronda, intenta encontrar la paz, proteger a sus hijos, salvarse a sí mismo. La historia de Uxbal es sencilla y compleja, al igual que nuestras vidas de hoy.

Son enormes las expectativas con las que uno se enfrenta a “Biutiful”, el cuarto largometraje de Alejandro González Iñárritu, sobre todo por tratarse del primero en el que no cuenta con la colaboración del guionista Guillermo Arriaga. Buena parte del público que conoce de sobra sus trabajos anteriores se pregunta: ¿En qué cambiará ese estilo tan íntimo y característico donde una serie de historias paralelas marcaban el ritmo y compás de sus películas?

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Y, teniendo en cuenta que la elección de nuevos colaboradores para el guión viene de un polémico desencuentro con dicho guionista, la cuestión que se plantea ante todo es: ¿Será Iñárritu capaz de mantener el nivel de sus anteriores películas sin colaborar con Arriaga?

En cierto modo, aunque a una parte importante de la crítica no le haya gustado, lo que ha hecho el director de “Amores perros”, “21 gramos” y “Babel” es de lo más coherente ante tal situación. De alguna forma, al centrarse esta vez en única historia, la de Javier Bardem encarnando a Uxbal, un descarriado padre de familia, le ha cedido el testigo de las historias virulentas y paralelas a Arriaga, que prosiguió este último dicha estructura narrativa en su ópera prima “The Burning Plain”.

Sin embargo, lo que vemos no es un nuevo Iñárritu, sino lo que de verdad es él como director y autor. El tema de la muerte sigue tan vivo como en anteriores ocasiones y hay un retorno a la fotografía de sus inicios, la de “Amores perros”, de una crudeza y realismo importantes. Además de necesaria para adentrarnos en una Barcelona como pocas veces se ha retratado en el cine: la de la clase baja mal viviendo, la inmigración ilegal, o algo tan irrelevante pero significativo como que el protagonista sea del Espanyol y no del Barça.

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“Biutiful” es una producción hispano-mexicana, y aún siendo la mayoría del equipo técnico mexicano, los actores son españoles y la ambientación son los de una película española. Y por eso, si uno la compara con el resto de producciones españolas es para echarse a temblar. Esto es cine social del que tanto se imita a un altísimo nivel.

Aunque si de algo peca la historia es de no avanzar después de dar una serie de latigazos en un inicio absolutamente demoledor. Tras él, se le concede a un inmenso Bardem (merecidísimo premio a la mejor interpretación masculina en Cannes) el honor de guiarla hacia su fin. Al mismo tiempo, el resto del reparto está también espléndido. Si Bardem es el número uno de los actores españoles, Maricel Álvarez está en el “top five”. Y produce hasta alegría ver al fin a unos niños creíbles, que no sean necesariamente tontos por salir en pantalla.

No son pocos los logros de ésta película, pero parece que algunos esperaban algo más. Y eso que no se trata ni de otro Iñárritu ni de otra Barcelona, sino más bien de una faceta representativa de cada uno.

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Madre e Hija (Rodrigo García, 2010)

madre-e-hija-300x350 Con una amplia experiencia en historias no lineales el director Rodrigo García (Hijo del escritor Gabriel García Márquez) regresa a la cartelera con un drama familiar hecho para mover las fibras internas sobre varias historias sobre la maternidad. “Madre e Hija” es un drama centrado en tres mujeres: una mujer de unos cincuenta años (Annette Bening), la hija (Naomi Watts) que dio en adopción 35 años atrás, y una mujer afroamericana (Kerry Washington) que quiere adoptar un niño.

Esta es la historia de tres mujeres y sus principales relaciones amorosas: con sus hombres, con sus hijas y con sus propias madres. Ante la insistencia de su madre, Karen abandonó a la niña que tuvo con 14 años. Ahora, 36 años después, mientras sigue lamentando la pérdida de su hija, parece encontrar a un hombre que está dispuesto a darle una familia y aportar un poco de alegría a su vida. Elizabeth es aquella niña, que ahora lucha con sus propios problemas de familia, sexualidad y poder. Ella también tiene la capacidad de amar, pero será necesario que pase algo inesperado para que aprenda a adorar a otra persona. Lucy cree estar preparada para ser madre. Su propia madre será fundamental mientras Lucy aprende a cuidar a la hija que siempre ha querido tener. La cinta trata de las elecciones que hacemos, las oportunidades que perdemos y el poder del lazo irrompible entre madre e hijo.

2010_mother_and_child_002 La clave de la película es cómo evoluciona cada uno de estos tres personajes y cómo se relaciona con la gente que vive a su alrededor. Sin edulcorantes, vamos entrando en un círculo social donde se van estrechando lazos, se distancian personas, se aprende a amar. Se tratan temas muy importantes y se hace bien, desde el respeto, todo ello potenciado por las brillantes interpretaciones de las tres "protagonistas", que bien podrían a optar a un Oscar cada una y comerse a sus demás rivales. Bening está muy bien, pero Washington deja con la boca abierta, al igual que la bellísima Watts, que tiene un personaje brutal.

mother-and-child-movie-revi_150610032940 La dirección, sencilla, sin alardes, encuentra en esta sobriedad la clave. "Madre e Hija" es además un film duro, que no da respiro hasta su tramo final que, por el tono anterior de la obra, si que puede antojarse algo blandito y quizá edulcorado. Pese a todo, es una obra estimable, muy superior a gran parte de la cosecha americana del presente año y que, a pesar de no ser un drama grandilocuente, encuentra en su sinceridad ese "algo" que encumbra una obra pequeña al podio de las grandes películas. Desde ya, una obra a reivindicar.

***1/2 de 5

Las Buenas Hierbas, entrevista a María Novaro y Úrsula Pruneda

Las buenas hierbas, 2009. Dir. María Novaro

c7_hierbas2 La Universidad de las Américas, Puebla bajo el sello del Cineclub de las Américas invitó a la directora María Novaro a presentar en la ciudad de Puebla su más reciente película llamada “Las Buenas Hierbas”, acompañada de la actriz Úrsula Pruneda. La rueda de prensa organizada por la institución sirvió de contacto con la directora quien habló de la experiencia de realizar una cinta con muchos emblemas y símbolos. Una película con muchísimas texturas y mucha viveza de color.

Las Buenas Hierbas” es una película que habla sobre la vida, el tiempo y la memoria. A través de Dalia somos testigos de cómo enfrentar una cruel enfermedad, el Alzheimer. Novaro hila una historia donde nos simboliza la importancia de vivir y la relación que generamos con las plantas. En esta cinta, la herbolaria adquiere un valor protagónico al ser la clave que une al hombre con una filosofía de vida ancestral, con una perspectiva hacia el principio más básico, somos todos, un elemento más en la naturaleza, las plantas no son adorno si no también son nuestros acompañantes y sus propiedades naturales son de suma vitalidad para todos.

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Una cinta bastante naturalista, “Las buenas hierbas” es un ejemplo claro de la actual cinematografía nacional; Novaro escribe una historia que los actores van encarnado de una manera autónoma, el actor no es una marioneta dentro de la función de la dirección, sino se vuelve una pieza en el engranaje. “No adquiere un valor más importante, todo es un trabajo en equipo” comentó Pruneda en este evento. Sin embargo, es la imagen que adquiere un simbolismo especial, es interesante la relación que existe entre la estética, la música y la fotografía, pues da la película una tonalidad rica en texturas y matices.

Esta es la cinta más personal que María Novaro ha realizado. Sus anteriores trabajos “Lola” (1989), “Danzón” (1991), “El jardín del Edén” (1994) y “Sin dejar Huella” (2000) han recorrido diversos festivales, y esta cinta, no es la excepción. En el Festival Internacional de cine de Guadalajara le significó 8 premios a la cinta, incluyendo el premio a la mejor actriz Úrsula Pruneda.

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A mi gusto personal es una cinta bastante fresca que se agradece entre tanta cinta nacionalista es una historia que viene a plantear un dilema de vida bastante complejo, y que con un buen manejo de dirección, Novaro regresa a la cinematografía nacional con una buena cinta. Además, la cinta goza de la mejor actuación en los últimos trabajos que le he visto a Ofelia Medina y un gran personaje de reparto interpretado por Ana Ofelia Murguía.

En esta visita Novaro aprovechó para darle una plática a los alumnos de Ciencias de la Comunicación de la UDLAP sobre las diferentes etapas en las que ella desarrolla un guión. Por lo que esta visita no sólo es para traer su arte a la capital Poblana sino para también acceder a un ambiente universitario para ofrecernos su experiencia en la cinematografía.

Esto fue lo que María Novaro comentó en esta plática:

2050_1231novaro_pruneda_plati0003 Una de las directoras que han explorado la feminidad y su relación con la otredad es María Novaro que con películas como “Danzón” (1991) y “Las Buenas Hierbas” (2010) han definido un estilo narrativo bastante natural al ejercer un estudio sensorial sobre las relaciones humanas. En este caso, alumnos de la Universidad de las Américas, Puebla del curso de guionismo asistimos a una plática donde la directora nos brindó algunas técnicas propias para poder escribir historias apasionantes donde el principal elemento es tener una mirada abierta a lo que sucede en nuestro alrededor. Hay que estar alertas con las conexiones que ofrece la vida.

            Para Novaro es necesario tener un espectro abierto, observar todas las texturas y sensaciones que nos afectan como seres humanos. Una historia es más que una problemática es comprender todo el conjunto de relaciones y redes que se van tejiendo son producto de cuasalidades y casualidades. La magia del cine está en poder capturar estas redes a base de descubrir las miradas, las miradas que con una expresión tienen la fuerza de narrar, de contar una sensación, de dar vida a un hecho. “El cine es un juego de miradas y el director es un orquestador de estos juegos, el espectador de sienta en la butaca para ver la vida del otro…” comentó Novaro.2050_1231novaro_pruneda_plati0012

             Dentro del proceso con el que Novaro trabaja está el pasar por tres fases en la construcción del guión. En la primera fase, la escrita, se da el paso de crear la historia a grandes rasgos, sustentarla; ir navegando y analizar a dónde se espera uno como creador llegar. En la segunda fase viene un proceso donde todo el equipo de trabajo de la cinta aporta ideas, los actores no adquieren un peso protagónico si no que tienen claro que son la imagen externa, pero que sin su trabajo el cine no tendría magia. Aquí los creativos que conformar la dirección de arte y la fotografía cambian aspectos en el guión y realizan otros que brindan más texturas o ejes que no estaban previstos en el guión principal pero que dan aporte de ideas. En la tercera parte, se da una edición, donde insertar imágenes que se ha grabado, elementos que se obtuvieron, etcétera.

            En todos los procesos hay que tener en claro que para poder hacer arte es necesario utilizar la intuición como clave, escucharse así mismo y así poder discernir entre diversos elementos. Además se debe de realizar historias que no juzguen sino que pongan dilemas sobre la mesa. Se debe de tener consciencia de que hacer cine es trabajar en equipo y nadie es más importante. Todos aportan magia al concepto. En esta nueva era digital Novaro afirma que esto es un avance importante para la cinematografía mexicana pues además de que abarata los costos, también brinda elementos nuevos, cercanía y flexibilidad de creación.

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Wall Street 2: El dinero nunca duerme

wall-street-2-el-dinero-nunca-duerme-poster La película continúa la saga de Wall Street, dirigida también por Oliver Stone, pero cuyos personajes principales no se repiten, salvo Gordon Gekko interpretado nuevamente, como no podía ser de otra manera, por Michael Douglas. Hay una aparición de Bud Fox (Charlie Sheen) el yuppie de la primera parte pero solo en forma anecdótica, referencial y laudatoria de la misma y de algunos personajes menores, entre ellos, el del mismo director que nuevamente aparece delante de la cámara tomándole el pulso al mercado de valores.

Gekko ha salido de la cárcel donde estuvo ocho años pero a estas alturas ya no tiene amigos ni familia. Su hija Winnie (Carey Mulligan) lo odia porque lo responsabiliza de la muerte de su hermano drogadicto. La pareja de Winnie, Jake (Shia LaBeouf) es como una versión blanca y ambientalista de Bud Fox y trabaja como analista de créditos en un Banco de Inversión que se cruzará con Gekko en la presentación de su libro.

Wall-Street_02078_galeriaBig La estética del filme, la escenografía y su fotografía son los componentes que más llaman la atención en el filme. Ya no se ven los tonos fuertemente dorados y naranjas que envolvían Nueva York en la primera película; ahora son plateados metálicos. Este cambio es parte de un lenguaje visual que le preocupa mucho al director. En este caso el espectador capta que el escenario ya no es el de la clásica bonanza americana, donde un emprendedor codicioso y bien orientado podía ir en busca de ella respetando las reglas del mercado; sino uno más artificial donde el mundo globalizado está envuelto en una burbuja, la vida es pura puja y transacción, la especulación ha sido elevada a rango de ley y los delitos financieros son parte del quehacer diario.

wallstreet2_b Y vemos personajes como Bretton James (Josh Brolin), este personaje es el nuevo villano de la historia y es presentado como el modelo de delincuente que ha surgido de la Banca de Inversión sin ninguna regulación, que tiene influencias en el Departamento del Tesoro Federal, organiza millonarios rescates financieros y se aprovecha de la caída de competidores para imponerles condiciones.

La puesta en escena acude muchos a los simbolismos plasmados en pinturas, decorados, intensidad de la luz y el paisaje urbanístico, además de dividir en varias escenas la pantalla para dar la sensación de dinamismo y caos.

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* * * 1/2 de 5

Lo único que ha hecho bien Diego Luna: ABEL.

25058b Abel (Christopher Ruiz-Esparza), un niño de 9 años, no habla desde que su padre abandonó el hogar. Un buen día recupera el habla y se toma por el cabeza de familia. Ante este milagro, nadie protesta. Hasta el día en que un hombre llama a la puerta: su padre.

Con un relato sencillo y honesto, el primer largometraje de Diego Luna ( antecedido del documental JC. Chavez) es una proeza fílmica que muy pocos directores logran con sus primeras propuestas. Este trabajo es en gran medida exitoso por la dedicación que tuvo el mismo Luna al escribirlo e idearlo. Tuve la oportunidad de asistir a una rueda de prensa donde el actor señaló que se basó en un relato dónde un menos de edad usurpaba la identidad de un adulto y que medianamante utilizó elementos hamletianos. Sin embargo, fue la exhaustiva investigación a personas autistas que determinó a Luna a escribir sobre este fenómeno de cambio de personalidad.

36017 La historia tiene un ritmo casi hipnótico, que no te permite despegar, si no que te lleva de la risa al llanto de minuto a minuto. Juega con muchos elementos que a simple vista nos pueden causar gracia, pero conforme entendemos lo que pasa más duro nos llega el golpe dramático. La cinta peca de ser ligera a ratos y dura en los momentos climáticos. El guión está perfectamente construido y la psicología de los personajes está muy bien definida. En definitiva, a diferencia del trabajo de Gael García Bernal este trabajo de Luna es un trabajo muy bien realizado.

La actuación de Karina Guidi aporta naturalidad a una madre que tiene que sobrellevar una familia y el peso de ser el sustento de la casa. Abel interpretado por el niño Christopher Ruiz-Esparza es una completa revelación, mientras que José María Yazpik se encuentra en su mejor momento, ha sido el persona más creíble que le he visto dentro de sus trabajos de cine, teatro y televisión.

abel Tanto la fotografía como la dirección de arte son elementos muy bien conjugados en la cinta. Además de que el score es uno de los mejores que he escuchado dentro del cine mexicano. El score está a la talla de los trabajos que Santaolalla ha realizado en otras cintas.

Pero sobre todo, el éxito de la cinta, recaé en su sencillez, es una cinta que no pretende aleccionar sino mostrar los elementos del México actual de las familias que son fragmentadas por el hecho de ir a buscar éxito en la frontera contigua. Además la cinta no se centra en la enfermedad sino en los procesos que vive cada integrante de la familia con respecto de la misma.

610x Hay que poner atención en los elementos visuales de la cinta, el agua tiene como significado el lazo que Abel tiene con su madre pues es una clara reminiscencia del líquido amniótico. Los colores azules de la cinta se intensifican dependiendo del día y de la noche, momentos claves en la vida de Abel.

En definitiva, un excelente paso para Diego Luna en su carrera, quien a manera personal, prefiero que dirija este tipo de proyectos más a menudo y que desista de estar frente a la cámara, detrás le sienta mejor.