Sin Límites: El vivir intoxicado te hace inteligente.. ¿será?

¿En serio se necesita una droga para ser feliz, inteligente y funcional en la vida? Pues esta película se encarga de convencerte de que sí.  Eddie Morra (Bradley Cooper), un hombre que está a punto de tocar fondo con su vida descubre una droga que potenciará su cerebro a límites inimaginables. No voy a negar que la cinta es entretenida por que vaya que lo es, la cinta funciona, sin embargo, te deja ese sabor de que estás viendo una oda a la farmacodependencia.

Partiendo de este argumento como base, se consigue una propuesta que llama al espectador y le lleva de la mano con bastante soltura logrando entretener correctamente y crear situaciones que te hacen pensar. Todo bien hasta llegada la mitad de la película, cuando en un determinado punto en el que la trama pierde su ritmo y los diálogos comienzan a flojear.

Una lástima porque parte de una premisa que, bien desarrollada, podría haber tenido un mayor calado. Muchos artistas han desarrollado parte de su obra bajo los efectos de algún tipo de estimulante (llámese droga, alcohol u otros), lo cual le da un plus de veracidad al tiempo que la hace interesante para analizar el proceso de creación, pero desgraciadamente, esto se deja de lado para adentrarse en un mar de aburridas incongruencias del tipo de cómo hacerse rico al instante, tramo donde interviene el que otrora fuera el mejor actor, ahora secundario de lujo, un Robert de Niro al que le va haciendo falta ya un papel de mayor relevancia.

Lo que parecía una interesante historia de cómo un hombre, abatido por una depresión brutal acepta al ingerir esta sustancia como una entrada a un aparente cielo, que se torna infierno (como la vida misma) desluce este conflicto para hacerse más algo atractivo a los ojos del público y dejarla como una película de acción más que de reflexión.  En fin, que es una película con algún que otro hallazgo visual y salpicado de un estilo videclipero de ágil banda sonora, pero al fin y al cabo, prescindible, con una molesta voz en off (que a ratos es bastante fastidiosa) y una trama llevadera hasta cierto punto en que, como el protagonista, despertamos y nos acordamos que no hemos tomado nuestra dosis de pastilla que nos haga ver las cosas de manera diferente, en este caso esta olvidable película.

Así el director de “El ilusionista” deja de la lado lo que sorprendió a muchos en aquella película y aquí lo muestra como un director ambicioso, que con una historia entretenida (a secas) deja que perdamos dos horas de nuestro tiempo con una mano en la cintura, a algunos les será entretenida, a muchos otros, insulsa como a mí. Pero para las chicas que adoren y quieran a Bradley Cooper (¿Qué pasó ayer?) aquí lo podrán gozar y admirar en su faceta de verse sucio hasta como un ejecutivo de la bolsa de valores. Una cinta que pude haber sido más certera si hubiera dejado de lado la espectacularidad por un efecto más reflexivo.

*** de 5

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Sin Ella

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¿De qué trata?: Gastón (Luis R. Guzmán) es un famoso productor que lleva la vida que todo hombre puede soñar: es exitoso, jóven, atractivo, adinerado y tiene una novia muy guapa, Alejandra (Paola Núñez). Sin embargo después de su divorcio con Carmen (Lola Dueñas) se da cuenta de que nada es para siempre y su vida da un giro de 180°, que lo obliga a enfrentar el amor real, su rol como padre de una hija adolescente; pero sobre todo a sí mismo.

La gran ventaja que tiene esta película es que es una historia sincera. No es un alarde de creatividad vanguardista y sin dejar el esquema de un filme comercial, es una cinta que ofrece un buen entretenimiento a partir de un drama cotidiano. Lo que para algunos directores hubiera sido un melodrama al uso, para Jorge Colon es una oportunidad para comprobar un talentoso punto de vista al proceso de valorar el presente a partir del pasado, al aceptar la importancia de la muerte de un ser querido. Un hecho que no afecta a una sola persona sino a todos los involucrados.

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Sin duda, es el mejor trabajo actoral de Luis R. Guzmán; nunca había transmitido tanto con una mirada y por primera vez, no lo siento sobreactuado como en algunas telenovelas, sino que ahora se siente natural y consciente de la trascendencia del personaje. Todos los personajes secundarios lucen desde un excéntrico Fernando Ciangherotti hasta un atinado Francisco Gattorno. Además el elenco infantil muy bien sincronizado y las féminas Zuria Vega, Paola Núñez y Lola Dueñas muy dueñas de sus personajes.

La naturalidad de esta película hace lucir Cansada de besar sapos como una cinta superficial, pues esta logra un avance brutal con los personajes, así mismo, la evolución narrativa de Jorge Colon es notable. Sin embargo, a la hora de ponerme técnico con la película siento que los personajes se quedan estancados en su línea de acción, tienen un camino definido desde el inicio de la cinta y lo llevan a cabo a donde tienen que llegar, pero no avanzan a más. Hay situaciones que se quedan estancadas como el hecho de no terminar de superar una muerte, que aunque no debe de ser considerado un defecto en la cinta, se siente como un cabo inconcluso en una revisión superficial. El personaje de Paola Núñez a pesar de tratar de ser apoyo del protagonista no se resuelve como un sostén del personaje principal y una buena resolución, al menos, más verosímil para aceptar un presente completo, hubiera sido integrarla a la dinámica familiar, en vez de que Gastón (Guzmán) la relegara como un obstáculo en su unión familiar.

Al grano: No es la gran película mexicana, pero es un producto honesto que se deja ver y que te deja con un buen sabor de boca. Al final de cuentas se necesita una cinta comercial con estas magnitudes y gran producción, como un respiro a todo lo que hay en cartelera.

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Es hora de “Comer, rezar, amar”

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Comer, rezar, amar” es la historia de una mujer que decide encontrarse “a sí misma”, tras varios fracasos con el amor y la vida misma, a través de un viaje por Italia, la India, Bali e Indonesia. La cinta basada en las memorias de Elizabeth Gilbert, una mujer que aparentemente tenía todo, pero que dentro de si misma tenía un enorme vacío, el cuál nota cuando su mundo se viene abajo. Recién divorciada y ante la disyuntiva de qué camino tomar, Gilbert sale de su acomodada vida y lo arriesga todo, embarcándose en un viaje alrededor del mundo que se convierte en una búsqueda para encontrarse a ella misma.

La película se inscribe en el tan vigente subgénero “made in Hollywood”, de comedia romántica con marcado protagonismo femenino, pero se diferencia en no poner el acento en la frivolidad, el consumismo y el derroche -al estilo de las banales féminas de “Sex and the city”-, sino (aunque con cierta ingenuidad) en una búsqueda interior que incluye una cuota de solidaridad y de misticismo new age.

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Con un generoso presupuesto de 60 millones de dólares, que permite la presencia de megaestrellas como Julia Roberts y del galán español Javier Bardem, la historia transcurre en bellos exteriores turísticos, registrados por la cámara de Robert Richardson, responsable de la fotografía de filmes relevantes, como “El aviador” y “JFK”.

La dirección está en manos de Ryan Murphy (muy conocido por su serie “Nip/Tuck” y recientemente reconocido como Mejor Director en los Emmy por la serie musical “Glee”), quien aquí combina gastronomía, sentimientos y espiritualidad, en un molde que mixtura comedia romántica y manual de autoayuda. Con un anclaje muy fuerte en la mirada de la protagonista (a Julia Roberts le calza muy bien su personaje de divorciada desconcertada), la película también construye escenas planificadas para el lucimiento de los distintos intérpretes secundarios que van apareciendo en el camino: un gurú incompleto y predictivo, un maduro arquitecto tejano con pasado doloroso, una amiga sueca que descubre el amor en su profesor de italiano y la madura administradora de una desordenada pensión romana, entre otros.

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La vida es BIUTIFUL

Biutiful-Movie-Poster Biutiful retrata la historia de Uxbal. Padre abnegado. Hijo desamparado. Intermediario de la sombra. Próximo a los desaparecidos. Atraído por los fantasmas. Sensible a los espíritus. Sobreviviente en el corazón de una Barcelona invisible. Sintiendo que la muerte le ronda, intenta encontrar la paz, proteger a sus hijos, salvarse a sí mismo. La historia de Uxbal es sencilla y compleja, al igual que nuestras vidas de hoy.

Son enormes las expectativas con las que uno se enfrenta a “Biutiful”, el cuarto largometraje de Alejandro González Iñárritu, sobre todo por tratarse del primero en el que no cuenta con la colaboración del guionista Guillermo Arriaga. Buena parte del público que conoce de sobra sus trabajos anteriores se pregunta: ¿En qué cambiará ese estilo tan íntimo y característico donde una serie de historias paralelas marcaban el ritmo y compás de sus películas?

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Y, teniendo en cuenta que la elección de nuevos colaboradores para el guión viene de un polémico desencuentro con dicho guionista, la cuestión que se plantea ante todo es: ¿Será Iñárritu capaz de mantener el nivel de sus anteriores películas sin colaborar con Arriaga?

En cierto modo, aunque a una parte importante de la crítica no le haya gustado, lo que ha hecho el director de “Amores perros”, “21 gramos” y “Babel” es de lo más coherente ante tal situación. De alguna forma, al centrarse esta vez en única historia, la de Javier Bardem encarnando a Uxbal, un descarriado padre de familia, le ha cedido el testigo de las historias virulentas y paralelas a Arriaga, que prosiguió este último dicha estructura narrativa en su ópera prima “The Burning Plain”.

Sin embargo, lo que vemos no es un nuevo Iñárritu, sino lo que de verdad es él como director y autor. El tema de la muerte sigue tan vivo como en anteriores ocasiones y hay un retorno a la fotografía de sus inicios, la de “Amores perros”, de una crudeza y realismo importantes. Además de necesaria para adentrarnos en una Barcelona como pocas veces se ha retratado en el cine: la de la clase baja mal viviendo, la inmigración ilegal, o algo tan irrelevante pero significativo como que el protagonista sea del Espanyol y no del Barça.

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“Biutiful” es una producción hispano-mexicana, y aún siendo la mayoría del equipo técnico mexicano, los actores son españoles y la ambientación son los de una película española. Y por eso, si uno la compara con el resto de producciones españolas es para echarse a temblar. Esto es cine social del que tanto se imita a un altísimo nivel.

Aunque si de algo peca la historia es de no avanzar después de dar una serie de latigazos en un inicio absolutamente demoledor. Tras él, se le concede a un inmenso Bardem (merecidísimo premio a la mejor interpretación masculina en Cannes) el honor de guiarla hacia su fin. Al mismo tiempo, el resto del reparto está también espléndido. Si Bardem es el número uno de los actores españoles, Maricel Álvarez está en el “top five”. Y produce hasta alegría ver al fin a unos niños creíbles, que no sean necesariamente tontos por salir en pantalla.

No son pocos los logros de ésta película, pero parece que algunos esperaban algo más. Y eso que no se trata ni de otro Iñárritu ni de otra Barcelona, sino más bien de una faceta representativa de cada uno.

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Las Buenas Hierbas, entrevista a María Novaro y Úrsula Pruneda

Las buenas hierbas, 2009. Dir. María Novaro

c7_hierbas2 La Universidad de las Américas, Puebla bajo el sello del Cineclub de las Américas invitó a la directora María Novaro a presentar en la ciudad de Puebla su más reciente película llamada “Las Buenas Hierbas”, acompañada de la actriz Úrsula Pruneda. La rueda de prensa organizada por la institución sirvió de contacto con la directora quien habló de la experiencia de realizar una cinta con muchos emblemas y símbolos. Una película con muchísimas texturas y mucha viveza de color.

Las Buenas Hierbas” es una película que habla sobre la vida, el tiempo y la memoria. A través de Dalia somos testigos de cómo enfrentar una cruel enfermedad, el Alzheimer. Novaro hila una historia donde nos simboliza la importancia de vivir y la relación que generamos con las plantas. En esta cinta, la herbolaria adquiere un valor protagónico al ser la clave que une al hombre con una filosofía de vida ancestral, con una perspectiva hacia el principio más básico, somos todos, un elemento más en la naturaleza, las plantas no son adorno si no también son nuestros acompañantes y sus propiedades naturales son de suma vitalidad para todos.

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Una cinta bastante naturalista, “Las buenas hierbas” es un ejemplo claro de la actual cinematografía nacional; Novaro escribe una historia que los actores van encarnado de una manera autónoma, el actor no es una marioneta dentro de la función de la dirección, sino se vuelve una pieza en el engranaje. “No adquiere un valor más importante, todo es un trabajo en equipo” comentó Pruneda en este evento. Sin embargo, es la imagen que adquiere un simbolismo especial, es interesante la relación que existe entre la estética, la música y la fotografía, pues da la película una tonalidad rica en texturas y matices.

Esta es la cinta más personal que María Novaro ha realizado. Sus anteriores trabajos “Lola” (1989), “Danzón” (1991), “El jardín del Edén” (1994) y “Sin dejar Huella” (2000) han recorrido diversos festivales, y esta cinta, no es la excepción. En el Festival Internacional de cine de Guadalajara le significó 8 premios a la cinta, incluyendo el premio a la mejor actriz Úrsula Pruneda.

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A mi gusto personal es una cinta bastante fresca que se agradece entre tanta cinta nacionalista es una historia que viene a plantear un dilema de vida bastante complejo, y que con un buen manejo de dirección, Novaro regresa a la cinematografía nacional con una buena cinta. Además, la cinta goza de la mejor actuación en los últimos trabajos que le he visto a Ofelia Medina y un gran personaje de reparto interpretado por Ana Ofelia Murguía.

En esta visita Novaro aprovechó para darle una plática a los alumnos de Ciencias de la Comunicación de la UDLAP sobre las diferentes etapas en las que ella desarrolla un guión. Por lo que esta visita no sólo es para traer su arte a la capital Poblana sino para también acceder a un ambiente universitario para ofrecernos su experiencia en la cinematografía.

Esto fue lo que María Novaro comentó en esta plática:

2050_1231novaro_pruneda_plati0003 Una de las directoras que han explorado la feminidad y su relación con la otredad es María Novaro que con películas como “Danzón” (1991) y “Las Buenas Hierbas” (2010) han definido un estilo narrativo bastante natural al ejercer un estudio sensorial sobre las relaciones humanas. En este caso, alumnos de la Universidad de las Américas, Puebla del curso de guionismo asistimos a una plática donde la directora nos brindó algunas técnicas propias para poder escribir historias apasionantes donde el principal elemento es tener una mirada abierta a lo que sucede en nuestro alrededor. Hay que estar alertas con las conexiones que ofrece la vida.

            Para Novaro es necesario tener un espectro abierto, observar todas las texturas y sensaciones que nos afectan como seres humanos. Una historia es más que una problemática es comprender todo el conjunto de relaciones y redes que se van tejiendo son producto de cuasalidades y casualidades. La magia del cine está en poder capturar estas redes a base de descubrir las miradas, las miradas que con una expresión tienen la fuerza de narrar, de contar una sensación, de dar vida a un hecho. “El cine es un juego de miradas y el director es un orquestador de estos juegos, el espectador de sienta en la butaca para ver la vida del otro…” comentó Novaro.2050_1231novaro_pruneda_plati0012

             Dentro del proceso con el que Novaro trabaja está el pasar por tres fases en la construcción del guión. En la primera fase, la escrita, se da el paso de crear la historia a grandes rasgos, sustentarla; ir navegando y analizar a dónde se espera uno como creador llegar. En la segunda fase viene un proceso donde todo el equipo de trabajo de la cinta aporta ideas, los actores no adquieren un peso protagónico si no que tienen claro que son la imagen externa, pero que sin su trabajo el cine no tendría magia. Aquí los creativos que conformar la dirección de arte y la fotografía cambian aspectos en el guión y realizan otros que brindan más texturas o ejes que no estaban previstos en el guión principal pero que dan aporte de ideas. En la tercera parte, se da una edición, donde insertar imágenes que se ha grabado, elementos que se obtuvieron, etcétera.

            En todos los procesos hay que tener en claro que para poder hacer arte es necesario utilizar la intuición como clave, escucharse así mismo y así poder discernir entre diversos elementos. Además se debe de realizar historias que no juzguen sino que pongan dilemas sobre la mesa. Se debe de tener consciencia de que hacer cine es trabajar en equipo y nadie es más importante. Todos aportan magia al concepto. En esta nueva era digital Novaro afirma que esto es un avance importante para la cinematografía mexicana pues además de que abarata los costos, también brinda elementos nuevos, cercanía y flexibilidad de creación.

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El Solista…

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             El film narra la historia verídica de Nathaniel Ayers (Jamie Foxx), un prodigioso violinista que en su segundo año de conservatorio desarrolló esquizofrenia y acabó viviendo en la calle, en donde fue descubierto por el periodista de Los Angeles Times Steve López (Robert Downey Jr.) en el año 2005. Impresionado por su talento, López escribió una serie de artículos sobre él que lo sacaron del anonimato y le permitieron tocar en el Disney Concert Hall.

             Después de sorprender con películas de época como Orgullo y Prejuicio (Pride & Prejudice) (2005) y Expiación, deseo y pecado (Atonement)(2007), Joe Wright muestra en su tercera película una historia real. El Solista trata de manera entretenida y a la vez profunda problemas de nuestra sociedad y reflexiona sobre cómo adaptarnos a ella. Se ponen en debate valores arraigados en la sociedad actúal como el esfuerzo y el trabajo como motor para conseguir triunfar en esta sociedad. El personaje de Nathaniel Ayers enloquece al no saber controlarse y equilibrar en su justa medida estos valores y acaba obsesionado con mejorar y mejorar.the-soloist

              Esta cinta es una reflexión sobre la responsabilidad, como el personaje de Lopez que no puede estar seguro de si ayuda a Nathaniel o no, decide tras una dura deliberación adaptarse a la sociedad pero creando sus propios valores tras un periodo de derrumbe y negación de todos sus actos como si no tuvieran valor al no poder afirmar con rotundidad que sus actos son correctos y lógicos. Mención aparte el valor de la humildad derrotado en esta sociedad con predicadores de todos los tipos que se creen poseedores de la verdad.

           El desarrollo de esa amistad entre un Lopez buscando aproximarse siempre a Nathaniel y tratando de fabricar un nexo fuerte con él que lo saque de la oscuridad mientras vemos a la vez la maravillosa actuación de Jamie Foxx que se mete en el papel de completo con la apariencia, los gestos, ademanes y las conversaciones a ratos incoherentes y atropelladas de Ayers. Uno parece no estar interesado en el otro al estar sumido en su mundo esquizoide y errático pero envuelto en la belleza de la música que lo trasluce de una manera diferente a como se ve, uno si lo está completamente. Al inicio se tratan de artículos que fluyen y encantan al público, lo que se refleja en un buen trabajo periodístico, tanto que un donante anónimo cede un violincello y un violín a Ayers producto de leer la columna del Times.

            blog-the-soloist7 Sin embargo va progresando el acercamiento entre ambos que se transforma en la esencia de la cinta, ya no se trata de una acuerdo entre una ayuda y una buena nota de redacción, de una buena historia que contar cada cierto tiempo sino de la compasión y simpatía que siente Lopez por Ayers al razonar su fracaso en la vida por circunstancias ajenas a su voluntad, la vida le juega sucio al señor Ayers diríamos frente al hombre que toca en la calle, como un loco suelto en plaza jalando un carrito de compras repleto de “basura” o algo parecido y vestido con ropa estrafalaria, haciendo magia con un viejo violín de la época que tocaba en Cleveland Ohio cuando era visto como un muchacho genio, ahora manifiesta su admirada música clásica con solo 2 de las 4 cuerdas del instrumento y aún así puede producir un sonido que es uno de los mejores que alguien puede interpretar.

Al grano: Excelente paso de películas de época a contemporáneas, Wright demuestra talento en explotar la psicología y la pasión de sus personajes.

* * * * / 5

Mi segunda vez

Mi segunda vez, The Rebound, Bart Freundlich, 2009

Mi segunda vez, The Rebound, Bart Freundlich, 2009

¿De qué trata?: Cuando Sandy (Catherine Zeta-Jones), una bella e inteligente mujer de 40 años descubre que su marido la traiciona con otra persona, se traslada a Nueva York con sus dos hijos para empezar una nueva vida. Un nuevo trabajo exigente la obliga a buscar una niñera y al final se lo propone a Aram, su nuevo vecino de 25 años, que todavía está intentando enteder que quiere hacer con su vida. Con el tiempo Aram y los niños establecen una fuerte relación. Ademas entre el y Sandy nace una innegable química.

Muy buena química entre Justin Bartha y Catherine Zeta-Jones

Muy buena química entre Justin Bartha y Catherine Zeta-Jones

El esposo Julianne Moore, Bart Freundlich, toma la batuta de este film que, con respecto al anterior, Trust the Man, es un agradable paso hacía delante pues mejora en estructura y contenido. Como siempre en el género, la advertencia de siempre: No esperen la obra maestra cinematográfica. Es solo una comedia romántica. Sin embargo el carima de Catherine y de Justin Bartha, la hacen muy especial. La película es agradable y sencilla, una mujer madura se conflictúa después de divorciarse y de no saber reaccionar ante la atracción con un muchacho joven, que es incluso, mucho más maduro que su ex esposo.

Al grano: Una comedia romántica interesante, bien construida y con personajes cercanos a la realidad. Además que de que Catherine se ve mucho más madura como actriz, esta propuesta es agradable para todas las personas.

* * * 1/2 de 5