Top 10 a lo mejor del año en cine. 2010.

Este 2010 presentó diversas películas que asombraron al mundo por su capacidad técnica, por magistrales guiones e impresionantes actuaciones, por eso destacaré las que en opinión personal son las 10 mejores películas de este año que está por concluir.

10. La Red Social (The Social Network) Dir. David Fincher: Fincher borda una tragedia moderna, al más puro estilo clásico en una cinta, que, si bien no viene a revolucionar la manera de hacer una película, si viene a cuestionar las relaciones modernas, las mentes brillantes no necesariamente tienen que ser de edad avanzada y eso es algo que debería de hacer reflexionar a mucha gente. “La Red Social” es una película despojada del componente emocional, o mejor dicho las emociones están supeditadas, o al menos filtradas por el componente racional, no caben aquí concesiones al melodrama, al igual que en el mundo de los negocios de altos vuelos no hay cabida para la amistad o los escrúpulos morales en la historia de Zuckerberg.

9. La Ciudad de las Tormentas (Green Zone) Dir. Paul Greengrass: El estadounidense medio de hoy en día es crítico con las guerras en concreto, no con la trayectoria imperialista de su país. Como cualquier imperio a lo largo de la Historia, este llegará a su fin. Ya se han curtido en todo tipo batallas desde final de la Primera Guerra Mundial, cuando Estados Unidos se convirtió en el primer banquero y productor industrial del mundo. Más tarde vendrían la Segunda Guerra Mundial con el absoluto consentimiento de su población, seguida de la impopular incursión en Vietnam.La calidad de la cinta a nivel interpretativo, es soberbia; tanto por Matt Damon como por el resto del elenco, bordando con total veracidad sus papeles gracias sobretodo a su gran ritmo y duración adecuada.

8. Biutiful Dir. Alejandro González Iñárritu: Son enormes las expectativas con las que uno se enfrenta a “Biutiful”, el cuarto largometraje de Alejandro González Iñárritu, sobre todo por tratarse del primero en el que no cuenta con la colaboración del guionista Guillermo Arriaga. El tema de la muerte sigue tan vivo como en anteriores ocasiones y hay un retorno a la fotografía de sus inicios, la de “Amores perros”, de una crudeza y realismo importantes. Además de necesaria para adentrarnos en una Barcelona como pocas veces se ha retratado en el cine: la de la clase baja mal viviendo y la inmigración ilegal. “Biutiful” es una producción hispano-mexicana, y aún siendo la mayoría del equipo técnico mexicano, los actores son españoles y la ambientación son los de una película española. Y por eso, si uno la compara con el resto de producciones españolas es para echarse a temblar. Esto es cine social del que tanto se imita a un altísimo nivel.

7. Amor sin escalas. (Up in the air) Dir. Jason Reitman: Esta es una de esas películas que no se debe de tomar por el título de la misma, la traducción en español no le hace justicia. La cinta es todo menos una película romántica, es una película de descubrimiento, de evolución. George Clooney da una de las mejores interpretaciones que ha dado en su vida y se le aplaude en todo sentido que luzca como un verdadero actor, muy bien plantado haciendo un persona que cruza por el umbral de la soledad. Las actrices secundarias están fantásticas, Anna Kendrick destaca por su brillantes y carisma. Y la elegancia y belleza vienen por parte de Vera Farmiga. La dirección es brillante y ágil. Jason Reitman a encontrado una voz propia, todas sus películas tienen ese sello irónico de mostrar temas tan ácidos y manejarlos con una precisión entre irónica y bien manejada.

6.  Preciosa (Precious). Dir. Lee Daniels Este poderoso drama me dejó con un nudo en el estómago; es cruda, directa, honesta y poderosa. Las actuaciones cumplen de una manera más que satisfactoria. Incluso Mariah Carey que se ve inmersa en la escena más poderosa y fuerte entre Gabourey Sidibe y Mo’nique, está ¡perfecta! La gran de actuación de Mo’nique fue reconocida en la Entrega 82° de los Premios Oscars. También la película fue reconocida con el premio al Mejor guión adaptado, premiando al novato guionista Geoffrey Fletcher. Sin duda, un ejemplo de cómo sobrevivir a las adversidades de la vida visto a través de una mujer de color con sobrepeso, violada por su padre y soportando las humillaciones de su madre, Precious sale adelante por sí misma y eso es algo que muchos deberíamos de aprenderle.

5. La Isla Siniestra (Shutter Island) Dir. Martin Scorsese: Martin Scorsese juguetea con los géneros como un niño travieso y convierte la novela de Dennis Lehane (“Río Místico”, “Desapareció una noche”) en un material explosivo e inquietante a partes iguales, dándole al espectador una serie de pistas para que vaya resolviendo, en paralelo a los protagonistas, el enigma que se oculta tras “La Isla Siniestra”. La cinta permite un juego que invita al espectador a ser partícipe de la investigación. Esto hace que la cinta te haga discernir que es lo que realmente está pasando, juzgar ambas partes. ¿Qué es verdad y qué es mentira? ¿Cómo separamos lo real de lo imaginario? ¿Hasta que línea lo surreal trastoca el consciente? Perfectamente ambientada, con unas soberbias interpretaciones, mención especial a Ben Kingsley y Mark Ruffalo, este último dando mucho de sí en tan poco espacio, hacen de toda ella un verdadero suspense de los clásicos. Aquellos en que poco tienen que hacer las balas, las desmedidas escenas viscerales o los sobre usados efectos especiales. Mención aparte Emily Mortimer y Michelle Williams que destacan en sus escenas brillantemente.

4. El Escritor Fantasma (Ghost Writer) Dir. Roman Polanski: Roman Polanski es y será uno de los directores más influyentes, a pesar, de todos sus escándalos. Esta vez dirige con maestría un thriller político haciendo gala de la excepcional técnica que lo caracteriza. Pocas cosas se le pueden reprochar en ese sentido: La trama se desarrolla con un pulso casi perfecto, con una extensa introducción cargada de tintes políticos, preludio de una interesante dosis de intriga, sin lugar a dudas trabajada de forma inteligente (algunos de los diálogos son buena muestra de ello). Una vez más, Polanski se revela como uno de los mayores creadores de ambientes lúgubres de la historia del cine. En este caso, la grisácea atmósfera, si bien no es comparable a la de algunos de sus anteriores trabajos (los más terroríficos,) es cuanto menos envidiable. Mención especial a la excelente banda sonora, que enriquece cada una de las escenas a la perfección, suscitando las sensaciones adecuadas según el momento lo requiera (siempre opinaré que la clave de una buena atmósfera radica en mayor parte en su banda sonora).

3. Los Hombres que no amaban a las mujeres (Män som hatar kvinnor) Dir. Niels Arden Oplev. Con una producción que está realizada por tres países europeos diferentes, llega la adaptación europea del popular libro de Stieg Larsson. La cinta se basa en una novela negra que se sitúa en un complicado fraude financiero internacional y el pasado mal enterrado de una rica familia industrial sueca a lo largo del siglo XX. A través de su personaje principal, se refiere al clásico ambiente del género de película de suspense y crimen. Se nota la huella de una cinta europea por el realismo que destilan ciertas escenas, que de tratarse de una película americana, se hubieran edulcorado hasta quitarles el dramatismo que requieren. Por otro lado me ha sorprendido la buena interpretación de un reparto íntegramente sueco. También destacaría la manera en que el film despierta el interés por la dramática historia del personaje femenino principal, de la que se apuntan algunos detalles, pero dejando la miel en los labios y preparando a los espectadores para las secuelas que están por venir.

2. El Secreto de sus Ojos Dir. Juan José Campanella. El director hace un apabullante retrato de lo cotidiano. Invita al espectador a presenciar momentos de la vida de sus personajes, que aunque, como público, sólo conozcamos desde hace unos minutos, nos bastan para sentirnos completamente dentro, cómplices de esos momentos. Nos son conocidos y están retratados de tal manera, que te olvidas de que estás en una película y penetras directamente en la piel de los personajes. Y es tal la complicidad entre todos los actores, que el realizador consigue que se contagie al espectador, de tal manera que si los personajes se entienden entre ellos sin necesidad de hablarse, el espectador comparte a su vez esa complicidad y también los entiende, sin necesidad de que sus sentimientos se plasmen en un diálogo. La interpretación de Ricardo Darín y Soledad Villamil está por encima de cualquier calificativo. Esta pareja no actúa, vive y consigue que el espectador viva con ellos. El resto de los actores también lo consiguen, sólo que tienen menos peso y menos metraje.

1. El origen (Inception) Dir. Jonathan Nolan. Somos testigos de un film cercano a la perfección, una dirección completamente elegante y con una visión que no tiene límites. Si bien no es el mejor score de Hans Zimmer, te mantiene al filo en cada secuencia. Como siempre el fotógrafo de cabecera de Nolan, Wally Pfister, crea imágenes bellas en cada encuadre. Y la edición perfectamente bien sincronizada por parte de Lee Smith. Es en esta cinta dónde vemos el sueño realizado por un director, que idea desde lo más básico de nosotros un film que merece ser recordado, y que a mi parecer, es una joya en todo sentido. No tengo ningún pero, ni mucho menos, algo que objetarle. Creo que es la mejor de las películas dirigidas de Christopher Nolan, que nos recuerda cuando irrumpió al plano cinematográfico mayor con “Memento” y que ahora corrobora que su autoría es pura y compleja. Sin duda será lo mejor del verano, y me aventuraré a decir, que tal vez sea lo mejor del año.

Top 10. Mexicanas del 2010.

Dentro de lo mexicano este año nos atascamos de un cine nacionalista, sin embargo, no entre dentro de lo mejor que hubo, algunas si, otras no. Checa cuales son las mejores que se estrenaron este año.

10. Hidalgo, la historia jamás contada Dir. Antonio Serrano Hidalgo, la historia jamás contada es un proyecto sumamente ambicioso del cine mexicano que tiene como objetivo reflejar al cura Miguel Hidalgo como un “hombre”, no un salvador ni un héroe. Lo cierto es que meterse con Hidalgo es bastante fuerte en este país, hablamos del padre de la patria, el iniciador de la guerra de Independencia, un modelo, un ídolo para la gente. Por eso es lo controvertido de este film donde tenemos a una persona como muchas otras, cierto con sus ideales liberales, pero igual amantes de los toros, del baile y un don Juan. De este lado creo que el guion acierta en tocar temas desconocidos de este personaje para muchas personas, sin que a la vez se pierda el respeto que uno siente por él, simplemente desmitifica al hombre perfecto, no al salvador.

9. El Atentado. Dir. Jorge Fons Esta película es una de las de mayor presupuesto en el cine mexicano, ya que tuvo un costo aproximado de 6 millones de dólares, debido, principalmente, a la ardua tarea de ambientar la época mediante el vestuario y el diseño de producción (atención a los carruajes, los trenes o a la imprenta del periódico “El Imparcial”, de verdad hace que te sientas en el Porfiriato). No es en balde la participación de tantas empresas, de verdad la película merece un diez en la ambientación. Este largometraje es dirigido por Jorge Fons, producido por Mónica Lozano y Diego López (productores de “Arráncame la vida”), y está adaptada de la novela de Álvaro Uribe, que al ser nóvela histórica combina personajes reales y ficticios. Es ambientada durante la época del Porfiriato, específicamente a finales del siglo XIX, momento en que el descontento al régimen de Porfirio Díaz, por parte de la población urbana en México, era incipiente, por lo tanto el hecho que da nombre a la película no es nada trivial, ya que da lugar a consecuencias muy interesantes y poco previsibles a lo largo de la película.

8. Año Bisiesto. Dir. Michael Rowe La película triunfa totalmente en dos aspectos: el primero, la creación de un personaje de carne y hueso, personaje se vuelve persona. El segundo, que viene del primero, es lograr que se vean como naturales, normales, las patologías de la protagonista. Vaya, que a diferencia de la corriente, notable particularmente en el cine latinoamericano, de hacer películas ultrarealistas con personajes comunes y corrientes a los que no les pasa absolutamente nada(reflejar el tedio de la vida moderna creo que le dicen), aquí sí que pasan cosas. Anormalidades que se vuelven normales, consecuencias naturales de lo que le va pasando al personaje principal.

7. El infierno. Dir. Luis Estrada A lo largo de la trilogía nos topamos con la corrupción a nivel gobierno, sus alegatos empleados para lograr saqueo, y el pisoteo y manipulación de la carta magna para beneficio propio. Sin olvidar la mentira de un México perfecto, donde la pobreza y la desigualdad es algo casi erradicado, mensaje que los medios de comunicación y como cuarto poder se encargan de difundir sexenios completos. Hoy, Luis Estrada se va hacia el otro extremo, sin desligarse de su crítica hacia el sistema, hace una exposición chusca de los vergonzosos vínculos entre la mafia y la policía o peor aun, con representantes de gobierno; el juego de los habitantes, que con mucha desfachatez o hipocresía asumen su rol de víctimas de la lucha entre ambos grupos y que sin embargo podrían verse integrados cómodamente ante las fabulosas ganancias del negocio, sin omitir el riesgo que se contrae; por último los móviles e intereses de estos individuos al interior de sus organizaciones, la expansión de su dominio, sus reglas y absurdos métodos para resolver diferencias.

6. Revolución. Varios directores. Dentro de los directores que trabajaron en este proyecto se puede mencionar a Carlos Reygadas, Gael García Bernal, Diego Luna, Rodrigo Plá, Amat Escalante, Mariana Chenillo, Patricia Riggen, Gerardo Naranjo, Rodrigo García y Fernando Eimbcke. A destacar los cortos de Chenillo y RIggen pues cumplen con el cometido de hacer una crítica formal, una de la muerte de un mexicano que valora su tierra de nacimiento y el otro sobre una mujer que sigue sufriendo por las tiendas de raya actuales llamados supermercados. Lo interesante de esta trabajo fue el estreno nacional en un canal de tv abierta para luego ser estrenada en los cines locales, un buen ejercicio para llevar el cine a todos. Al final se siente un sinsabor por que los cortos entre sí no manejan una unión y se disfrutan más apreciándose indivuduales.

5. Sin Ella. Dir. Jorge Colón. La gran ventaja que tiene esta película es que es una historia sincera. No es un alarde de creatividad vanguardista y sin dejar el esquema de un filme comercial, es una cinta que ofrece un buen entretenimiento a partir de un drama cotidiano. Lo que para algunos directores hubiera sido un melodrama al uso, para Jorge Colon es una oportunidad para comprobar un talentoso punto de vista al proceso de valorar el presente a partir del pasado, al aceptar la importancia de la muerte de un ser querido. Un hecho que no afecta a una sola persona sino a todos los involucrados.

4. Biutiful. Dir. Alejandro González Iñárritu. Alejandro González Iñárritu nos presenta su cuarta película titulada: Biutiful, un drama lleno de imágenes que se diluyen entre luces y sombras, entre lo crudo y lo frágil, en un mundo no idealizado, ese mundo del que todos somos parte, pero a la vez negamos; hablo de este mundo carente, desvalorizado, segregado, viciado y enfermo. Al contar la vida de Uxbal (Bardem), padre de dos hijos, dedicado a actividades sombrías en la ciudad de Barcelona, que goza de sentidos muy agudos y un corazón vibrante, quien envuelto en una serie de situaciones, deberá afrontar a los fantasmas de su vida, desde una perspectiva por demás complicada. Evidentemente este drama avoca temas muy delicados y que son de interés global, tales como la inmigración ilegal, la enfermedad y el alcoholismo.

3. Las buenas hierbas. Dir. María Novaro. Película que habla sobre la vida, el tiempo y la memoria. A través de Dalia somos testigos de cómo enfrentar una cruel enfermedad, el Alzheimer. Novaro hila una historia donde nos simboliza la importancia de vivir y la relación que generamos con las plantas. En esta cinta, la herbolaria adquiere un valor protagónico al ser la clave que une al hombre con una filosofía de vida ancestral, con una perspectiva hacia el principio más básico, somos todos, un elemento más en la naturaleza, las plantas no son adorno si no también son nuestros acompañantes y sus propiedades naturales son de suma vitalidad para todos.

2. Vaho. Dir. Alejandro Gerber. El agua en la cinta es omnipresente y es también vital en la cinta donde cada detalle es una pieza del rompecabezas. A primera instancia parecen que los eventos no tienen unión pero conforme avanza la trama somos testigos de un guión circular que no deja ningún cabo suelto. Las actuaciones muy naturales por parte de todo el elenco hacen de la cinta ejemplo de que en México se pueden hacer propuestas interesantes sin necesidad de tanta superficialidad. Tiene diversos elementos de la filmografía nacional como lo es la representación de Ixtapalapa, la prostituta y ese nacionalismo que hacen de este relato una pieza digna de permanecer en la cinematografía nacional. Vean esta cinta que ofrece una radiografía interesante a las costumbres mexicanas y sobre todo a la importancia de enfrentar los hechos del pasado que pueden afectar nuestro presente.

1. Abel. Dir. Diego Luna. Creo que estamos ante un magnífico debut como director de Diego Luna, que sabe hacer un muy buen uso del lenguaje cinematográfico para llevar a la pantalla un guión complicado, altamente alegórico. Los planos están llenos de fuerza, y hacen patente una muy buena dirección de fotografía. A nivel interpretativo, poco puede objetarse: la película cuenta con un gran elenco, y Diego sabe dirigir a los actores con enorme habilidad a lo largo de estos intensos 83 minutos. Resulta sorprendente la naturalidad con que el jovencísimo Christopher Ruiz-Esparza interpreta el papel de Abel, con múltiples cambios de tono y miradas a la altura de las circunstancias. Es una película bella, sincera, con la que reímos mucho, hasta que nos damos cuenta de que lo que nos está contando no es precisamente gracioso.

Top 10: Películas extranjeras.

Este año el cine extranjero ha encontrado un nicho interesante en nuestro país al ser exhibido en diferentes salas de los proyectores cinematográficos de nuestro país. Estas son a mi elección las películas que han llegado para asombrarnos.


10. Micmacs: Un plan de locos (Francia, Dir. Jean Pearre Jeunet): Un escalón por debajo de sus dos obras anteriores, es verdad, una mezcla entre Amelie y Delicatessen, sin eembargo, no es tan buena como ninguna de las dos. Ahora bien, es una gozada, esos personajes, esa ambientación, esas historias a mitad de camino entre la fantasía y las historias populares, esas coreografías y por favor que deleite la manera en la que disfraza a la «ville de lumières» bajo su prisma parece salir de un cuento de hadas. Yo disfruto como un enano de su cine y cuento los días para su próximo estreno, porque es muy bueno, único e inconfundible, el amigo Jean Pierre Jeunet.

9. La Pontífice (Alemania, Dir. Sönke Wortmann) Mucho se ha dicho que la historia de la mujer papa fue borrada de la historia de la iglesia católica por tratarse de una vergüenza, aunque también se ha dicho que es una leyenda pues no existe documento que avale su existencia y que los hechos que se narran de su pontificado no tienen concordancia con fechas y acontecimientos de Roma. Con actores poco conocidos vemos como una niña con gran capacidad para aprender va saltando obstáculos para recibir una educación que estaba prohíba para las mujeres en esa época y que tiene que disfrazarse de hombre para seguir sus ideales, los cuales estaban basados en su fe a Dios. Después de varios años llega a convertirse en papa, pero la forma en que terminó ese papado no fue como ella hubiera querido.

8. La cinta blanca (Alemania, Dir. Michael Haneke): la película en si, nos introduce poco a poco en la agobiante atmósfera de un pequeño pueblo de Alemania poco antes del estallido de la I Guerra Mundial. La historia, nos la narra el maestro local, no obstante, la cámara no se muestra partidaria de nadie, simplemente enfoca, con una frialdad absoluta todo lo acontecido en el filme. No se muestra partido por nadie, todo el mundo tiene algo que ocultar en una atmosfera totalmente agobiante y opresiva en un lugar donde la moral y las apariencias externas lo son todo. El sobrio blanco y negro y la ausencia total de música (salvo por uno o dos momentos y por que algún personaje toca un instrumento) nos asumen aun más en el micro cosmos que forma este pequeño pueblo. La vida y miserias de todos los habitantes, se exponen ante nosotros y al final, el único juez, es el espectador.

7.  Contracorriente (Perú, Dir. Javier Fuentes-León): El director Javier Fuentes-León logra llevar por casi 2 horas una historia soportada en un elenco sorprendentemente bueno, con Tatiana Astengo brillando durante toda la película. Y logra tocar las fibras de la audiencia con una historia sobre valentía, sobre el lidiar con una realidad como el homosexualismo en la vida pública, a la luz de un pequeño pueblo latinoamericano machista, que tiene unos roles de género tan marcados y sólidos. Es la historia también del amor, ese amor que permite que la esposa del protagonista soporte todo, lo perdone y a pesar de todo, del escarnio público y de las miradas malintencionadas, lo apoye y lo defienda.  Es una película sobre el verdadero significado de «ser hombre», que no se encuentra en esos partidos de fútbol con los que se quiere criar a un niño para que sea «varón», sino en la valentía y el coraje. Ese que el personaje de Manolo Cardona manifiesta durante toda su vida, y ese mismo que él espera, y que la audiencia espera también, que manifieste nuestro protagonista.

6. Celda 211 (España, Dir. Daniel Monzón) Partiendo de una idea de lo más curiosa, como la de un motín en el que se ve involucrado un guardia que, en su primer día, se hará pasar por preso para sobrevivir a la situación, Monzón logra reinventar minuto tras minuto la situación, y confabular unos roles que juegan sus ases con la suficiente inteligencia y perspicacia como para que todo resulte veraz y convincente. Entre sus otras armas, dejando de lado un reparto tan atinado que hasta el secundario con menor importancia está perfecto y no rechina, se encuentra un guión muy bien amoldado, que hace de cada minuto que pasa un hervidero de muy buenas ideas, llevadas con pulso y tenacidad, haciendo que en «Celda 211» no se apague la llama que la mantiene encendida en ningún momento y siga creciendo.

5. Mi refugio (Francia, Dir. Francois Ozon) «El refugio» que evoca al título es donde se desarrolla la historia del film, una trama en la que la sensibilidad de Ozon empapa las imágenes, las acaricia por momentos para en otros, incomprensiblemente, no ir más allá de la frialdad. Correcta pero muy irregular, lo más favorable que puede decirse de ella es que es fiel a si misma, no aspira a más de lo poco que consigue y se sustenta en apenas tres personajes para lograrlo. Es fría, distante, pero desde luego no juega a ser lo que no es. En ‘Le refuge’, Ozon vuelve a demostrar esta agradecible característica de su cine narrando la historia de una joven heroinómana embarazada que se refugia de la familia de su novio fallecido (de una sobredosis, claro) para poder dar a luz a un hijo no deseado por la familia burguesa del padre.

4. Coco Chanel & Igor Stravinsky (Francia, Dir. Jan Kounen) Diferente a la biografía esterilizada por Audrey Toutou este film con suma elegancia aborda la relación que sostuvo Coco Chanel con el compositor Igor Stravinsky. Todo el proceso en el que la diseñadora construye su imperio y ese halo que la sostuvo hasta el final, mientras el compositor tiene que valorar a su familia o su trabajo. Impresionante manejo musical de Gabriel Yared compositor, atinado el hecho de aprovechar la música del compositor. Un biopic tan bellamente contado que es imposible que no sientas la fuerza de esa intempestiva relación. Magnificas las actuaciones de Mads Mikkelsen y Anna Mouglalis.

3. La Teta Asustada (Perú, Dir. Claudia Llosa) De ritmo conciso e inteligente, en «La teta asustada» se nos narra una historia sobre raíces, sobre las raíces que ha echado una persona aun temerosa por el pasado, todavía asustada de aquello en que pueda devenir su futuro, y sobre todo, de una persona que se protege como puede de ese pasado. En ocasiones a trancas y barrancas, aguantando y sosteniéndose día a día sin saber exactamente como debe girar su particular mundo, pero siempre tras un halo de pretendida seguridad, que se ve desmoronada ante la presencia de cualquier desconocido, aunque en ese mundo no quepan ni conocidos ni desconocidos. Con calma y con lentitud, se recorren los parajes, los peldaños, las festividades y últimos adioses, con la misma lentitud que una psique asustada y retraída logra enterrar todos sus temores y enfrentarse al presente como si nada hubiese sucedido.

2. Los Hombres que no Amaban a las mujeres (Suecia, Dir. Niels Arden Oplev) Los hombres que no amaban a las mujeres es una película fría y distante, igual que el libro de Larsson, cuyos personajes apenas muestran sus sentimientos e inquietudes, como si vivieran en alguna dimensión distinta a la nuestra dentro del mismo universo. El director y los guionistas han sido bastante inteligentes a la hora de quitar paja al libro siendo toda la película bastante fiel a la novela de Larsson, lo que es de agradecer. Además Oplev no cae en continuos flashback (la película se podría haber hecho a base de ellos), y los que utiliza son, su mayoría, de apenas unos segundos lo que le da vitalidad a la película.Es de agradecer también el soberbio trabajo de Noomi Rapace creando una Lisbeth Salander oscura y fría pero muy humana, toda una heroína, cual Juana de Arco del siglo XXI. Michael Nyqvist, que hace de Blomkvist está tal vez un poco sobreactuado pero no deja de ser una buena actuación.

1. El secreto de sus ojos. (Argentina – España. Dir. Juan José Campanela) Entrar en el rigor que demanda el cine y la literatura negra, parece servirle al experimentado narrador de historias cotidianas Juan José Campanella, para controlar sus habituales desbordes sentimentales y minimizarlos a certeros chispazos de humor que alternan momentos de intenso dramatismo con risas como válvula de escape. Uno de sus puntos más fuertes son las notables actuaciones en roles inolvidables. Con respecto a los desenlaces, Campanela tiene la necesidad de que sus películas
conduzcan hacia un final feliz. Así el protagonista Benjamin Exposito recorre un
itinerario que van literalmente del temor al amor (del «Temo» al «Te Amo»). Porque
debajo de tanta negrura, el tema sigue siendo ese eterno sentimiento. Y su concreción, el gran desafío pendiente en el poco tiempo que aún queda.

Top 10: Lo mejor de las cintas animadas en el 2010.

En el rubro de cintas animadas, a pesar de contar con un amplio sector, aún destacan sólo algunas cintas en cartelera y estas son las que nos mantuvieron interesados este año:

8. Ga’Hoole La leyenda de los guardianes Dir. Zack Snyder La trama es simple: de nuevo el joven soñador que tiene que lidiar con el mal y salvar a su familia de una próxima guerra con búhos malos. Así como suena la trama, de simple, así está película. No ofrece nada nuevo al género del cine épico y de aventuras, es pan con lo mismo. Eso no quiere decir que la película sea mala, porque está contada de una forma muy interesante y entretenida, aunque la falta de historia si está bastante presente (sin contar que es muy predecible). Algo por lo que brilla la película es en los extraordinarios efectos especiales, el diseño de los animales, el 3D, y algunas escenas que son francamente espectaculares. El 3D en las secuencias de pelea y vuelo son de admirarse, combinado con las escenas (una en especial donde están volando en una tormenta o en fuego) que son casi hipnóticas y hermosas, llenas de estética, la musica que las acompaña da el plus.

7. Shrek Para siempre Dir. Mike Mitchell La verdad es que después de la originalidad y el humor que desprendía la primera entrega; después de la ironía y la mordacidad que nos regalaron en la segunda; después de la bazofia que nos comimos con la tercer, a uno le daba miedo asomarse a esta cuarta sin estar muy seguro de lo que iba a encontrar. Y lo que te encuentras no es mas que un montón de guiños a los seguidores de la saga, un humor renovado y recuperado, bastante cercano al de la primera entrega – sin la originalidad de aquella, claro-, una falta de ironía e incorrección que se extraña en exceso y un mayor cuidado de la imagen y del guión. ¿Conclusión? Shrek ha vuelto pero afortunadamente no para quedarse porque está claro que, aunque han conseguido disipar los errores de la tercera, está en la cuerda floja y es muy fácil que se vuelva a quemar, y esta vez para siempre.

6. Megamente Dir. Tom McGrath Esta película nos plantea la necesidad de un equilibrio, la necesidad de un objetivo inalcanzable que te mantenga vivo, que te mantenga en una eterna lucha, entonces, bien podríamos describir a este filme con dos palabras: utopía y desencanto. Ésta es la naturaleza humana, perseguir algo inalcanzable (utopía) que al alcanzarlo nos llene completamente, no obstante sucede lo contrario, cuando por fin logramos nuestro propósito nos quedamos vacíos debido a que el anhelo y el deseo de lo imposible desaparecen, es entonces cuando nos topamos con el cruel desencanto, por ello estamos en la búsqueda constante de nuevos objetivos que perseguir. Un filme entretenido, que no intenta profundizar ni ir más allá de una historia ingeniosa cuya originalidad radica en el carismático protagonista.

5. Enredados. Dirs. Nathan Greno, Byron Howard La película no es más que otra historia de princesas basada en otro de los cuentos de los Hermanos Grimm. Pero lo que enaltece a esta película, es que su guión retoma lo que fueron las clásicas historias de Disney, trayéndonos así su mismo encanto y logra un entretenimiento total a grandes y pequeños. Es bueno ver que Disney puede hacer animación sin Pixar y aún así estar a su altura. Ya que no sólo brilla el entretenimiento producido, sino también un trasfondo que te tocará el corazón.

4. Mi villano Favorito Dirs. Pierre Coffin, Chris Renaud La película se ha quedado con el público, le ha enganchado. A partir de ahí comienza una historia agradable y amena, aunque casi prescindible, en la que se enganchan con la maestría de un artesano un rosario de gags, bromas y situaciones que ganan el título de «extremadamente divertidas» por lo «extremadamente sencillas» que son. Algunos esperaban un humor fácil y tonto, lleno de bromas para adultos disfrazadas de bromas para niños, otros esperaban un humor lleno de bromas para niños que harían sonreír a los adultos y todos, finalmente, se encuentran con auténticas bromas para niños, que hacen morirse de risa a los adultos.

3.  Como entrenar a tu dragón. Dirs. Dean DeBlois, Chris Sanders Parece que los directores Dean DeBlois y Chris Sanders se han especializado en relaciones de amistad imposibles, ya que es un tema ya abordado en su destacable ”Lilo & Stich” (2002), aunque aquí se superan con creces. Lo cierto es que hacía tiempo que no lo pasaba tan bien con un film de aventuras como este, en el que destacan tanto los estupendos diseños, acción y efectos 3D como la sencillez y emotividad de la historia. Sí es simple, algo tópica y ciertamente predecible, pero ello no es impedimento para disfrutar y evadirte durante una hora y media que pasa como un suspiro, en este jacarandoso mundo de mitología céltica. El triunfo reside en que, aparte de la espectacularidad técnica de la propuesta, que apabulla en su detalle (los grabados celtas de los esmerados escenarios, los geniales diseños de los dragones, la minuciosidad de las texturas de las caras y las barbas de los humanos, etc.), el film tiene su corazón. La relación humano-dragón entre Hipo y “Chimuelo” es una de las más entrañables de los últimos años; no resulta artificiosa o forzada, sino que se desenvuelve de una manera gradual con una solvencia narrativa encomiable, partiendo de la mutua desconfianza, con silenciosas miradas y cautelosas aproximaciones, para llegar sin prisas hacia una amistad que cambiará sus respectivos mundos para siempre.

2. Mary and Max. Dir. Adam Elliot Se trata de la historia de una amistad entre un hombre maduro con síndrome de Asperger que vive en Nueva York y una cría australiana de familia y entorno poco amables. Entre estos dos seres, tan raros, tan feos, tan vulgares, en suma, se va construyendo una relación tan preciosa como atípica, basada en pequeños gestos, códigos, señales y detalles que conforman el cerrado mundo propio de una amistad de las de verdad y todo ello sin ninguna cursilería ni amaneramiento, sólo una relación profunda entre dos personas y que pasa por las fases de la ilusión, la esperanza, la alegría, la transición, el puteo y finalmente el perdón y la aceptación. Creo que esta película es de las que dejan huella en la memoria. No sólo porque es una película elaborada con sentida autenticidad, sino por expresar tan sabiamente el puro horror de la soledad, la emoción que puede significar cualquier contacto humano por mínimo que sea, cuando se está tan absolutamente abandonado de todo y de todos. Esto es el mejor ejemplo de animación para adultos.

1. Toy Story 3 Dir. Lee Unkrich Toy Story es una alegoría a la amistad y sobre todo, es el alimento a la imaginación de todo niño, creer que tus juguetes pueden tener vida propia, es mágico. Esta tercera parte viene con un golpe fuerte de añoranza. En primer lugar, es el cierre generacional de todos los niños de los noventas que ahora son veinteañeros, es el darte cuenta que viviste muchos años con la fantasía de que tus juguetes cobraran vida, es por eso, que el éxito de esta cinta está más que asegurado. Esta vez el que dirige esta cinta es Lee Unkrich, quien ha fungido como asistente de director en las anteriores películas, a pesar de ser su primer largometraje, el tenía todas las piezas armadas para hacerla un éxito. Además este cinta cuenta con el guionista de Little Miss Sushine. Michael Arndt doto de una madurez a los personajes y dio pequeños toques de fino humor, imperceptible para personas que no ponen atención en las películas, imperdibles para los cinéfilos de hueso colorado. Es hora de crecer nos dice la película cada momento, es hora de dejar el pasado y darle alegría a nuevos niños dicen los juguetes.

Mi nombre es John Lennon (Nowhere Boy)

“Mi nombre es John Lennon” es una cinta dirigida por Sam Taylor-Wood –El cuál significa su primer trabajo como director de un largometraje– recorre los primeros años de la vida del músico John Lennon hasta la formación de los Beatles, parándose en su infancia y adolescencia. Escrita por Matt Greenhalgh, guionista del film "Control" que narraba la vida de Ian Curtis líder de la banda Joy Division.

La vida de John Lennon ya ha dado varias películas para el cine y televisión. “Mi nombre es John Lennon” intenta retratar la infancia de este legendario personaje, centrándose principalmente en la relación que tuvo John con su tía Mimi y con su madre Julia, quienes a pesar de ser hermanas, poseían personalidades muy distintas. La película esta bien en algunos aspectos como: buen vestuario, buena dirección artística que fue importante para recrear los años 50, interesante banda sonora, y me gustaron las actuaciones de las actrices que interpretaron a la tía Mimi y a Julia, que son Kristin Scott Thomas y Anne-Marie Duff respectivamente.

Basada en las memorias de Julia Baird, la hermanastra del de Liverpool, con el que supo compartir tantas noches en el refugio familiar que Julia daba a su conflictuado hijo. Realmente no puedo ser muy imparcial con esta película, mi admiración por Los Beatles puede que me traicione. No me convencía esta película antes de verla. No sé por qué, pensaba que sería un biopic de esos facilones y oportunista, que por contarte cuatro cosas de la vida del protagonista (en este caso John Lennon) aprovechaba para colarte una buena ristra de canciones de Beatles y guiños a los fans y a los menos entendidos. Pero no es así, la sombra Beatle no aparece en ningún momento (ni siquiera se nombra al grupo) salvo aquellos que dominen del tema y sepan identificar canciones, banjos, guitarras y harmónicas.

La película no plantea un largo periodo en la vida de Lennon, ni en la de los Beatles. En esta edad la música forma parte de su vida, igual que el colegio, las chicas o la familia; pero no ES su vida. Se ve la importancia de las dos mujeres que marcarían su infancia y adolescencia, su madre (ausente y permisiva) y su tía (severa y educadora). Gran detalle la inclusión de McCartney y Harrison. Cuando acaba la película, tienes ganas de que hagan una secuela para seguir la historia de los Beatles.

Entrando en “La Red Social” – (The Social Network)

Escrita por Aaron Sorkin, dirigida por David Fincher (El curioso caso de Benjamin Button ; Se7en); y basada en el libro "The Accidental Billionaires" de Ben Mezrich, "La Red Social" narra la historia de los jóvenes fundadores de la popular red social Facebook, especialmente de su creador más conocido, Mark Zuckerberg. Su leyenda reza: "No se hacen 500 millones de amigos sin hacer unos cuantos enemigos."

Tal vez para algunos pueda ser intrascendente que se haga una película de una red social, sin embargo esto marca la importancia de estas plataformas en la expansión social de los seres humanos, atravesando la relación cercana y evolucionando a coexistir en un ambiente virtual. Fincher no se preocupa por cuestionar el uso de esta red, si no en el proceso dónde un grupo de jóvenes construyen un imperio, haciendo a partir de esto una radiografía de la juventud actual.

Una noche de otoño del año 2003, Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), alumno de Harvard y genio de la programación, se sienta a su ordenador y con empeño y entusiasmo comienza a desarrollar una nueva idea. En un furor de blogging y programación, lo que comenzó en la habitación de su colegio mayor pronto se convirtió en una red social global y una revolución en la comunicación. Seis años y 500 millones de amigos después, Mark Zuckerberg es el billonario más joven de la historia. Pero para este emprendedor, el éxito ha supuesto complicaciones personales y legales.

Es frenética, fría (no es un reproche) y aparentemente envasa al vacío las emociones de sus personajes. El brillante guión de Sorkin proporciona diálogos generosos en ironía, inteligencia y ágiles réplicas puestas en boca de un reparto perfectamente ajustado, desde el protagonista Eissenberg clavando la expresión de genio voluntariamente distraído y con un ego descomunal, a Andrew Garfield, el amigo traicionado, el daño colateral en el glorioso camino de Zuckerberg, pasando por Justin Timberlake que clava en sus dos primeras secuencias el papel de un embaucador paranoico con indudable visión de negocio y de arrollador carisma, que se convertirá en un Fausto para nuestro brillante protagonista.

De esta manera Fincher borda una tragedia moderna, al más puro estilo clásico en una cinta, que, si bien no viene a revolucionar la manera de hacer una película, si viene a cuestionar las relaciones modernas, las mentes brillantes no necesariamente tienen que ser de edad avanzada y eso es algo que debería de hacer reflexionar a mucha gente. “La Red Social” es una película despojada del componente emocional, o mejor dicho las emociones están supeditadas, o al menos filtradas por el componente racional, no caben aquí concesiones al melodrama, al igual que en el mundo de los negocios de altos vuelos no hay cabida para la amistad o los escrúpulos morales en la historia de Zuckerberg.

/5

Amor por contrato (The Joneses)

Los actores estadounidenses David Duchovny y Demi Moore encarnan a una «pareja ideal» formada por necesidades publicitarias en la comedia dramática titulada «Amor Por Contrato«. Esta comedia independiente cuenta con el debut en la realización de Derrick Borte, quien también escribe el guión.

Duchovny es un padre de familia aparentemente normal que se muda a un suburbio estadounidense junto a su esposa (Demi Moore). Pero realmente la pareja forma parte de una estrategia publicitaria para promover artículos de lujo. Tras una crisis de Duchovny por sentir que vive en una mentira, Moore irá poco a poco enamorándose de su «marido de vista».

A Duchovny y a Moore los acompañan Amber Heard, Ben Hollingsworth y Gary Cole; en una cinta que se estrenará este viernes en la capital. “Amor por Contrato” retoma la base de las películas sencillas y bien contadas. La química funciona, casi, como un producto. Resulta agradable y paisajista. Esta comedia nos viene a hablar sobre la superficialidad en la que vivimos pues a partir de que son una familia falsa introducen ciertos productos para vender conforme a su estilo de vida.

Sin duda que un argumento muy interesante. Sobre todo en la sociedad híper consumista en la que estamos inmersos. David Duchovny regresa al cine con Amor en contrato, justo tras seguir con su triunfal carrera en la pequeña pantalla con la serie Californication, nunca olvidaremos al señor Duchovny con su participación en “Los Expedientes Secretos X”.

También es grato ver que Demi Moore retome su carrera cinematográfica, Moore ha causado polémica por su relación con Ashton Kutcher, y se ha mantenido alejada de los medios. Recientemente participó en una cinta independiente. Es grato que está buscando proyectos que la mantengan en el gusto de la crítica.

La película tiene un argumento original, sin embargo, la premisa se diluye para ser condescendiente y romántica. Tiene un comienzo intrigante que engancha, el espectador tiene curiosidad por saber qué está pasando y la película dosifica muy bien las pistas. Lo malo es que la clave de la trama se descubre demasiado pronto y hasta llegar al desenlace el metraje se rellena con demasiadas anécdotas simpáticas pero sin mucho contenido ni objetivo.

La historia de amor entre los protagonistas avanza con tanta facilidad y está contada con tanta distancia que no resulta interesante; se podría haber sacado más jugo de esta sub-trama amorosa o haberla tratado como una lucha de sexos. Los cuatro personajes principales tienen gancho porque están bien interpretados y porque, además de sus apariencias, la película se preocupa por definir bien sus cualidades más elementales.

* * * 1/2  /5

Operación Delfín. (The Cove)

“Operación Delfin” es un documental estadounidense de 2009, que describe la matanza anual de delfines en un Parque Nacional de Taiji, Wakayama, en Japón, desde el punto de vista de activistas anti-caza de delfines. Si hay algo mas presente en este documental, es la regla de que una imagen vale más que mil palabras. Resulta tremendamente difícil imaginar cómo el ser humano puede llegar a tratar tan cruelmente a un animal inocente, y que lo todo lo que nos ha ofrecido hasta ahora, son cosas buenas.  Someter a toda una especie, o varias especies al genocidio, por un puñado de dólares, es prácticamente el mismo delito que causar una guerra mundial. Desgraciadamente la industria pesquera es a día de hoy demasiada poderosa e incorrompible, al menos no de manera fácil, para que se frene de inmediato semejantes disparates.

El éxito inusitado de un documental como “Operación Delfin”, que se ha alzado con los premios respectivos en Sundance y los pasados Oscar´s®, se debe, como creemos y pasaremos a exponer, no al tema (la matanza anual de 23000 delfines en Taijin y el intento de introducir su carne envenenada de mercurio en la dieta escolar nipona) sino a la forma en que este está expuesto. Haciendo bueno el dictum acerca de la moral de las formas, el trabajo de Louie Psihoyoss realiza un proceso por las diversas variantes del documental yanqui, alcanzando alturas del todo inesperadas: su última secuencia, donde en última instancia recae el verdadero gesto ético del film, sirve por sí sola para justificar a “Operación Delfin” como un documental, después de todo, completamente auténtico.

Razones no le faltan para estar encontrando reconocimientos: un tema escabroso como es la estupidez del ser humano, que trata terriblemente a criaturas tan geniales como los delfines y los mata y aniquila para comérselos, todo ello narrado desde un punto de vista teóricamente objetivo pero que, al final, no escapa a los típicos rótulos tremendistas dando cifras mareantes para crear conciencia, sobre-impresionando letras y números mientras repasan imágenes de mal gusto y suena música de violín.

El único problema gordo de «Operación Delfín» es que en el fondo es un poco -bastante- manipulador. Se le acepta y se valora todo lo demás, que es suficiente para recomendar su visionado: una realización y un uso del montaje que rara vez se había visto en el género, presentando la trama más como un thriller de intriga que como un documental con entrevistas y tradicionales planos marinos. Así, se alternan varios tipos de secuencias para formar un todo que, en global, funciona y resulta tremendamente entretenido.

* * * * / 5

“The Girl With the Dragon Tattoo”: Difícil prueba a superar para la versión norteamericana

Con una producción que está realizada por tres países europeos diferentes, llega la adaptación europea del popular libro de Stieg Larsson “The Girl with the Dragon Tattoo”— Título original “Män som hatar kvinnor”. Un thriller perfectamente armado el cual Larsson hizo una trilogía en otras publicaciones. La cinta se basa en una novela negra que se sitúa en un complicado fraude financiero internacional y el pasado mal enterrado de una rica familia industrial sueca a lo largo del siglo XX. A través de su personaje principal, se refiere al clásico ambiente del género de película de suspense y crimen

Un rico industrial llamado Henrik Vanger (Sven-Bertil Taube) contrata a un periodista, Mikael Blomqvist (Michael Nyqvist), para saber qué fue de su sobrina, desaparecida hace nada menos que 40 años. Mikael se junta con una investigadora privada, diferente a las demás, de personalidad dark y presumiblemente bisexual.

Esta es la primera versión que veo de esta obra, en Estados Unidos ya se cocina un proyecto basado en la misma novela de Larsson, liderado por David Fincher (El Curioso Caso de Benjamin Buttom) y esteralizado por Daniel Craig. En este caso el proyecto cae en manos de Niels Arden Oplev quien ha realizado tres largometrajes en Dinamarca, y ahora con esta cinta, alcanza notoriedad internacional. En el cast se encuentran Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Sven-Bertil Taube, Peter Andersson y Peter Haber. La actriz Noomi Rapace tuvo una nominación a la Mejor Actriz Principal en los premios a las mejores películas europeas.

La cinta sueca es un thriller más que decente. Lo dice alguien que no ha leído la novela pero que ha disfrutado de un largometraje que sabe mantener la tensión durante las cerca de dos horas y media que dura. La película te capta y como el buen thriller que es, no te suelta. Se nota la huella de una cinta europea por el realismo que destilan ciertas escenas, que de tratarse de una película americana, se hubieran edulcorado hasta quitarles el dramatismo que requieren.

Por otro lado me ha sorprendido la buena interpretación de un reparto íntegramente sueco. También destacaría la manera en que el film despierta el interés por la dramática historia del personaje femenino principal, de la que se apuntan algunos detalles, pero dejando la miel en los labios y preparando a los espectadores para las secuelas que están por venir.

Habrá que esperar el estreno en latinoamérica de las películas que siguen esta valiente adaptación, que al menos aquí en este lado del mapa, nos preparan ya para la versión que se preparara en USA. Y suponiendo la distribución, llegarán a lo largo del 2011 por lo menos, aquí en México. Bueno ahora tengo una tarea pendiente, leer por mi toda la saga de Larsson y esperar la propuesta estadounidense, espero que tenga por lo menos, la calidad de esta cinta que me mantuvo impaciente al verla. Gran cinta de corte europeo.

****1/2 /5

Texto publicado en Extracine el día 19 de Agosto por Gustavo Barrientos.