El Secreto de sus ojos | Sorprendente en todo sentido.

El Secreto de sus ojos, Dir. Juan José Campanella, 2009

Entrar en el rigor que demanda el cine y la literatura negra, parece servirle al experimentado narrador de historias cotidianas Juan José Campanella, para controlar sus habituales desbordes sentimentales y minimizarlos a certeros chispazos de humor que alternan momentos de intenso dramatismo con risas como válvula de escape.

Campanella hace un apabullante retrato de lo cotidiano. Invita al espectador a presenciar momentos de la vida de sus personajes, que aunque, como público, sólo conozcamos desde hace unos minutos, nos bastan para sentirnos completamente dentro, cómplices de esos momentos. Nos son conocidos y están retratados de tal manera, que te olvidas de que estás en una película y penetras directamente en la piel de los personajes.

Y es tal la complicidad entre todos los actores, que el realizador consigue que se contagie al espectador, de tal manera que si los personajes se entienden entre ellos sin necesidad de hablarse, el espectador comparte a su vez esa complicidad y también los entiende, sin necesidad de que sus sentimientos se plasmen en un diálogo.

Su última película entrecruza el relato policial con una historia romántica, un funcionario judicial (Benjamín Esposito), quien a punto de jubilarse se empeña en escribir una novela sobre un caso criminal ocurrido en su jurisdicción laboral, veinticinco años atrás: el asesinato impune de una joven inocente. Con enorme solidez narrativa, la historia va y vuelve a través de un cuarto de siglo: la novela que pretende escribir el protagonista conduce a la turbulenta Argentina de mediados de los setenta, con su carga de violencia fuera de control.

Eludiendo los lugares comunes sobre el tema y las limitaciones ideológicas, la trama se mueve entre los dilemas éticos en torno de la justicia y el castigo, al amor y el desgaste del tiempo.

La interpretación de Ricardo Darín y Soledad Villamil está por encima de cualquier calificativo. Esta pareja no actúa, vive y consigue que el espectador viva con ellos. El resto de los actores también lo consiguen, sólo que tienen menos peso y menos metraje.

Campanella mezcla en “El secreto de sus ojos” varios géneros — thriller, intriga, drama y sus irrenunciables y gozosos toques de comedia —, perfectamente ensamblados y dosificados para ofrecer una película muy completa y de enorme riqueza visual. Una historia de terror sobre las injusticias de los poderosos, la impunidad de personas mediocres amparadas por el poder ciego y la tiranía burocrática.

Sustentado en un guión excelente, una destacada fotografía, montaje y dirección de arte, “El secreto de sus ojos” conforma una de las mejores películas del cine argentino del último tiempo aunando solidez artística y complacencia de público.

Una historia de amor sobre las ocasiones perdidas, sobre las palabras no dichas en su momento que te remuerden la conciencia durante el resto de tu vida, sobre amargas despedidas en la estación y sobre máquinas de escribir a las que les faltan letras.

Una historia que todos deberían ver porque a todos nos falta alguna letra o tenemos algo de lo que vengarnos.

***** / 5

Crítica escrita por Gustavo Barrientos para EXTRACINE el día 14 de abril del 2010

Zona de miedo, The Hurt Locker, 2009

Narra el día a día de una brigada estadounidense de desactivación de explosivos desplegada en Irak, una unidad de élite de artificieros que se ve inmersa dentro de una caótica ciudad donde cualquiera puede ser un enemigo potencial y cualquier objeto puede ser una bomba. El grupo está liderado por el sargento Thompson (Guy Pearce). Cuando éste fallece en el transcurso de una misión, se queda al mando el impredecible, valiente y temerario sargento William James (Jeremy Renner). Faltando poco más de un mes para que la brigada finalice su turno de rotación en Iraq, el imprudente comportamiento de James hará que sus dos subordinados, el sargento Sanborn (Anthony Mackie) y el especialista Eldridge (Brian Geraghty), valoren seriamente el riesgo que corren en su trabajo.

Parece querer presumir de un corte realista de lo narrado, pero es únicamente una cinta sin fundamento, que nos cuenta los incidentes de un grupo liderado por un sargento adicto a la adrenalina y su par de subordinados. Pues resulta que los soldados ya no son heroicos, dice Kathryn Bigelow, son "adictos a la adrenalina".

Nos encontramos sin duda con una película un tanto particular, tanto que mi nota ha ido variando, según se desarrollaba el film, desde el suspenso al sobresaliente varias veces. Finalmente lo dejo en un poco convencido notable, pues no sé qué nota darle, pues es obvia su calidad, pero también su insufrible repetición de imágenes y situaciones.

Manteniendo la calma vemos como K. Bigelow dirige a unos actores fantasma en un mundo tan hostil como poco creíble. Sólo los primeros planos de la máquina que desactiva las bombas, parece querer transmitir algo al espectador. Kathryn Bigelow es una amante del riesgo; de las emociones fuertes. Así lo deja claro una filmografía plagada de títulos demasiado irregulares, pero que casi siempre se las arreglan a la hora de brindar la ración necesaria de momentos trepidantes para que el público salga de la sala de cine con sensación de agotamiento.

El film no deja de ser varías películas en una, contadas de misión en misión de unos artificieros Norteamericanos, desplazados a Irak, que se van enfrentando a todo tipo de modalidades de atentados con bombas con un denominador común, que no es otro que la tensión, el pasotismo de la población civil, y la total desconfianza que tienen los soldados ante ellos, donde cada uno puede ser un potencial enemigo.

Todas las misiones de las bombas tienen más o menos el mismo patrón, lo cual creo que está hecho aposta, y esto puede resultar incomodo al espectador por repetitivo, pero la estructura narrativa es esa, narrar el día a día de este tipo de soldados dentro de la guerra de Irak, adoleciendo quizá de ahondar un pelín más en los personajes, los cuales resultan distantes durante todo el metraje.

En realidad este film está elaborado para elogiar la labor de los soldados americanos y justificar sus errores como si fueran los tres mosqueteros de siglo veinte. Esta realización nos recuerda a las antiguas producciones que te empachaban de patriotismo, heroísmo y benevolencia americana. No deja de ser de un producto mezquino, falso y mediocre.

Los personajes son planos y carecen de profundidad; no poseen una humanidad cercana. Están ahí porque les gusta desactivar bombas, guerreros embrutecidos hasta el límite que ni siquiera encuentran su sitio en el ejército salvo desarrollando la labor más arriesgada. Parias de la vida en sociedad que se refugian en la fina línea del delirio para escapar de unas realidades para ellos mucho más dolorosas y complicadas como la familia o el retorno al mundo civilizado. La última escena del film brilla con luz propia y disipa cualquier resquicio amoral sobre la devoción de los artificieros por su trabajo: viven para evitar muertes, arriesgando la suya sin preguntar demasiado.

Hay una manipulación que se percibe, es aquella en la que se muestra a toda la sociedad Iraquí como salvaje, mala y asesina, aunque es verdad la ruptura histórica, religiosa y política es evidente, pero, de esto a que ninguna persona en, ese país, sea buena deja mucho que reflexionar.

No sé si esta peli, pese a su indudable calidad, va a calar en el espectador mexicano. Pienso que es una película para fanáticos de lo bélico más que para el espectador corriente que va a pasar el rato al cine.

* * * / 5

Eternal sunshine of the spotless mind

Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, Eternal sunshine of the spotless mind, Michel Gondry, 2004

¿De qué trata?: Joel (Jim Carrey) se queda asombrado y aturdido cuando se entera de que su novia Clementine (Kate Winslet) ha borrado de su cerebro los recuerdos de su tumultuosa relación. Desesperado, Joel contacta con el inventor del proceso, el Dr. Howard Mierzwiak (Tom Wilkinson) para eliminar cualquier recuerdo de Clementine de su propia memoria. Pero sucede que, mientras los recuerdos progresivamente desaparecen, Joel comienza a redescubrir su pasión inicial.

Una película real como a vida y sin embargo de ciencia ficción. Una película divertida, trágica, romántica, dolorosa hasta el infinito. Los pequeños detalles te ayudan a comprender la situación temporal de las escenas en el contexto del film, escenas perfectas que pasan de un escenario a otro con luces apagándose por un pasillo, con puertas que dan a donde no deberían.

Gran química entre Jim Carrey y Kate Winslett

«Eterno resplandor…» utiliza una técnica narrativa que para mí evoca y rinde homenaje a películas como «Mulholland Drive» de David Lynch, pues no despliega la trama de manera lineal y, además, rompe con las tramas habituales que se limitan a mostrar a los personajes desde un ángulo externo. En esta película la realidad, los recuerdos, los deseos, los impulsos que salen desde lo más visceral, todo el inabarcable universo caleidoscópico del subconsciente se mezclan, de manera que la historia que presenciamos, si pudiéramos compararla con algo, sería tal vez con las pinturas cubistas como las de Picasso o con cualquier obra que presente un contenido, sin seguir las reglas de la razón ni de la objetividad, ni de un orden preestablecido.

Viaje por los confines de la mente

Si bien la historia comienza de forma lineal, mostrando unos sucesos reales tal como suceden, pronto se da marcha atrás en la trama y, entrando en un prolongado flashback que dura casi hasta el final, nos introducimos en el mundo subconsciente de Joel, el cual arrastra en su pasado reciente una intensa historia de amor con Clementine, una relación tan viva, tan llena de matices, altibajos, momentos felices y momentos vacíos, como podría serlo cualquier relación.

La película propone una original alternativa: imagina que se inventara una máquina que fuese capaz de eliminar los recuerdos que una persona no quiere conservar y que necesita expulsar definitivamente de su mente para olvidar algo o a alguien y así empezar de nuevo, sin remembranzas de eso que resultó tan doloroso. Pues bien, en «Eterno resplandor..» se ha inventado esa máquina, que rastrea los recuerdos que el paciente desea borrar.

¿Huirías de tus recuerdos?

En un principio, el invento parece brillante, otorgando a la gente la posibilidad de deshacerse de sus memorias desagradables. Pero muy pronto se advierte que los mecanismos del cerebro humano son tan infinitamente complejos que es imposible controlarlos y abarcarlos. El poder del subconsciente, la inmensa profundidad de los sentimientos, así como el hecho de que en la mente humana no es posible separar la felicidad de la tristeza, lo bello de lo amargo, lo luminoso de las tinieblas. Los sentimientos no se pueden catalogar, no se pueden dividir en compartimientos inócuos. Entonces, ¿cómo puede una máquina borrar unas memorias, unas sensaciones, tantas cosas vividas que son imposibles de cercenar, de apartar? Como si se tratara de la memoria de una compútadora,  la máquina destruye todo lo que se ha vuelto «indeseable». Y cuando alguien se somete al proceso, no hay marcha atrás. Pero cabe la posibilidad de arrepentirse, porque no somos computadoras y las personas no se pueden borrar de la noche a la mañana.

I'm fine without you

You can erase someone from your mind. Getting them out of your heart is another story… (ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND, 2004)

Al grano: Gran película romántica que está dentro de los primeros lugares de las más grandes historias del cine. Un clásico dentro de la narrativa cinematográfica contemporánea.

* * * * * / 5

Lost in translation….. Perdidos en Tokio

Bob Harris(Bill Murray) es un conocido actor norteamericano cuya carrera ha decaído últimamente. A cambio de una generosa remuneración, acepta participar en un anuncio de whisky japonés que se va a rodar en Tokio. En su visita a Japón, experimenta un considerable choque cultural, por lo que pasa la mayor parte del tiempo libre en su hotel. Precisamente en el bar del hotel conoce a Charlotte(Scarlett Johansson), una mujer de veintitantos años que está casada con un joven fotógrafo de renombre. Éste se encuentra en Tokio cumpliendo un encargo profesional y, mientras trabaja, su mujer distrae el tiempo como puede. Además del común aturdimiento ante las imágenes y los sonidos de la inmensa ciudad, Bob y Charlotte comparten el descontento con sus vidas. Poco a poco se hacen muy amigos y a medida que exploran la urbe juntos empiezan a preguntarse si su amistad se transformará en algo más.

Perdidos en Tokio, Lost in Translation, Sofía Coppola, 2003

¿De qué trata?:

Desde la altura del lujoso e impersonal hotel-rascacielos se posa una mirada distante sobre Tokio, que sirve de fondo como cualquier otra gran ciudad moderna. Esa mirada tranquila encuentra la empatía idónea para acercarse a los protagonistas, que son un actor en decadencia, con cara de pocos amigos, de estar anímicamente en las últimas, y una licenciada inactiva, casada con un fotógrafo que la ignora y por las noches ronca. Insomnes ambos protagonistas, sufren un ‘jetlag’ existencial que va más allá de los desfases horarios y de los bostezos que no pueden reprimir en el ascensor, cuando se ven por primera vez. Gran parte del encanto de la película está en la poética sugerencia de un reencuentro platónico entre almas gemelas que se reconocen y establecen en el acto una corriente de comunicación directa, de mutua simpatía y complicidad.

Hasta la fecha, el mejor trabajo de Scarlett Johansson

El mayor acierto de Sofia Coppola es no definir esa conexión sólo en positivo, detallando su contenido, sino definirla también por claro contraste con la incomunicación como rasgo característico de la sociedad contemporánea, un mundo tan superpoblado y complejo que los mensajes se pierden inexorablemente en la traducción entre idiomas, entre códigos, entre mentalidades. De esto va mostrando el film numerosos ejemplos, empezando por el cómico rodaje del spot de un whisky o las conversaciones telefónicas con la familia, diálogos de sordos (uno dice Te quiero, el otro ya ha colgado). Charlotte escucha un audilibro sobre el sentido de la vida. Él juega al golf a solas. Ella callejea entre la muchedumbre extraña, visita templos que nada le dicen. En las ruedas de prensa todo es parloteo, tontería, expresión insuficiente y comunicación superficial.

Y cuando coinciden hay sonrisa, todo se llena de confianza, de un incesante reconocerse, tratarse delicadamente.
Unos planos cenitales toman las confidencias susurradas en la cama. Cuando la conversación languidece, una mano roza apenas un pie. La ternura es infinita. Ellos se encuentran melancólicamente en un lugar de paso, para establecerse en una continua identificación, por encima de las múltiples barreras de obviedad y convención que interpone el lenguaje, barreras que absorben los mensajes y los apagan, dejando que se pierdan en la traducción, entre los inútiles códigos comunicativos.

emotividad y expresividad

La fotografía es deslumbrante y abundan los planos de la ciudad (las luces de neón, los carteles publicitarios, los variopintos edificios, las multitudes, los transportes…), recreando hermosas escenas que parecen casuales y mostradas como el que no quiere la cosa, pero que en realidad encierran significados espirituales, vinculados a la visión subjetiva de los personajes. La fotografía es increíblemente expresiva y posee una elocuencia que va de lo sosegado a lo vibrante, comunicando mensajes mucho más hondos de lo que lo hacen los propios diálogos. Las conversaciones, sencillas e intrascendentes, como podría ser cualquier conversación corriente, con sus rasgos de humor, de ridiculez, de sinceridad, de falsedad, de diversión y de tristeza; los personajes con los que se cruzan los protagonistas, a menudo chocantes y llamativos en su variedad.

Romance moderno...

Historia sencilla sin nada extraordinario a la vista, pero que oculta en sus venas un latido que transporta fragmentos del alma y del corazón. Para todos ustedes, los que se han perdido alguna vez en sí mismos o en las revueltas del entorno y de la falta de comunicación.

Al grano: Sencilla y a la vez compleja película de una de las directoras más interesantes y versátiles, no sólo por que es hija de un director de cine de renombre, si no por que se ha ganado por sí misma que se le reconozca como una gran directora. Hermosa película casi poética que para algunos es lenta pero para otros es soberbia. Para mí lo es.

* * * * * / 5

Slumdog Millionaire

Slumdog Millionaire

¿De qué trata?:

Jamal Malik (Dev Patel) es un adolescente pobre de Bombay que un día se apunta para ir a la versión hindú del programa «¿Quiéres ser millonario?». A partir de su participación en el programa, su vida sufrirá un gran vuelco…

“Slumdog”, término que me resultó muy curioso y que es acuñado para denominar a todos aquellos que viven en el barrio marginal de una gran ciudad, refiriéndonos siempre al país asiático, es el gran epicentro del nuevo trabajo de Danny Boyle, y es que, leyendo el título original, sin conocer el significado del vocablo, uno puede hacerse una idea errónea de lo que verá en «Slumdog Millionaire» que, no, no es sólo un muchacho transformándose en millonario de la noche a la mañana sino, una especie de reflejo sobre lo que puede llegar a implicar ser un “Slumdog” y vivir en un Slum (barrio),  y aquí se logra un amplio reflejo que no será más que un pretexto, sí, pero bien contado, narrado y explicado.

Latika

Adecuando así, su estilo narrativo para esta última obra, el cineasta británico nos regala un primer tramo de film sorprendente y cautivador, donde lo que parecía ser una historia de amor empalagosa, no se transforma en tal hasta bien llegado el último tercio de film. Entretanto, el inglés nos introduce en situación, y da los primeros pasos construyendo esa historia sobre un concursante detenido por ser sospechoso de realizar trampas como un arma para ofrecernos un (en ocasiones) crudo retrato de su país de origen y, la mayoría del tiempo, un vivaz retrato sobre su protagonista y sobre como consiguió retener todas esas respuestas en su mente durante momentos que le marcaron en su infancia.

Reflexión sobre el poder y la avaricia....

Para lograrlo, Boyle tira no sólo de una fotografía soberbia que refleja a la perfección la esencia de ese país, sin necesidad de extravagante colorido o rebuscados parajes, sino también realiza un gran trabajo manejando la cámara a la perfección, gracias a encuadres logrados y un dinamismo exquisito, y cuadra como si nada los flashbacks que componen la cinta sin que esta se resienta por un solo minuto.

Jamal y su hermano

Tras ese retrato, que a muchos remitirá directamente a «Ciudad de Dios«, aunque a mi parecer más vigoroso (siempre y cuando tengamos en cuenta el número de historias desarrolladas allí y la cantidad de peripecias por las que pasan aquí Jamal y su hermano) y menos crudo pero, eso sí, igual de estilizado y con unas pretensiones completamente distintas, se da cita aquello que todos esperábamos, que no es más que la historia amorosa introducida para concluir «Slumdog Millionaire».

El Romanticismo hace perder la intensidad y realismo a la historia

En ese romanticismo, se pierde la intensidad anteriormente mantenida, pero se mantiene el interés para llegar a un final satisfactorio, sobre todo teniendo en cuenta lo que prometía el film, y lo que termina regalando, que es mucho más que miel sobre ojuelas, pues tras ella queda un relato inteligente y conciso que atrae y engancha como pocas películas han conseguido esta temporada. Y eso ya son méritos más que suficientes, digo yo.

Al grano: Cinta que  mezcla la factura de una película occidental y una película típicamente de Bolliwood que no defrauda y que deja gratamente sorprendidos por su textura y mensaje.

* * * * 1/2 / 5

El curioso caso de Benjamin Button

El curioso caso de Benjamin Button (Fincher, 2008)

¿De qué trata?:

Basada en un relato de F. Scott Fitzgerald, cuenta la historia Benjamin Button (Brad Pitt), un hombre que nace con el cuerpo de una persona de 80 años, tiene cataratas, artrosis y esta lleno de arrugas.

Pero pese a la prediccion del medico no muere, todo lo contrarío, lentamente, a lo largo de los años, rejuvenece para llevar una vida llena de pasion y aventuras que abarca todo el Siglo XX.

La historia se entrelaza con otras, en particular la de su primer amor (Cate Blanchett). Eventualmente se enfrentara a la adolescencia y el miedo de ser un estorbo a sus personas queridas.

Hay películas que te llegan muy profundo de un modo extraño. Al igual que hay canciones que te abruman, paisajes que te deslumbran o personas que te impactan de lleno…

Esta película no me ha parecido que trate acerca de un caso médico extraordinario, curioso o diferente,… Me ha parecido una de las narraciones sobre la vida más completas, hermosas y bien contadas que he visto, leído, escuchado o imaginado.

Con un cierto aire a realismo mágico, Fincher nos envuelve durante casi tres horas en la piel de Benjamin Button y nos muestra la vida tal y como es. Hace ya horas que la vi y cientos de escenas aun surcan mi mente y mi estómago sigue encogido como ocurre cuando algo inesperado te «embiste» por sorpresa. El paso del tiempo, lo efímero de la felicidad, la dualidad realidad-sueño, la brevedad de la existencia, la eternidad del amor… son algunos de los interrogantes que componen la película y son también interrogantes de la vida, del hombre en general.

Las caracterizaciones son más que fascinantes

David Fincher toma una historia fantástica y la traslada a un marco real, le da vida, apoyado por un reparto entregado a la causa, consiguiendo crear el milagro de que todo funcione como el mecanismo de un reloj, sin momentos torpes, sin escenas que sobren, estando todo calculado al máximo para lograr esa «comunión» que mencionaba más arriba. La brillante dirección de Fincher es sólo una de las muchas cosas que elevan Benjamin Button a la categoría que merece, a las que habría que sumarle el diseño artístico, su impecable banda sonora, momentos de asombrosa imaginería visual y una historia que trasciende de su punto de partida: no es sólo la fábula de un niño que nace viejo, ni un romance, ni un drama. Es una historia sobre la vida, sobre las casualidades, sobre la superación personal, sobre la búsqueda de uno mismo, y en definitiva, sobre cómo afrontar nuestra existencia. Fincher nos acostumbro a su particular forma de dirigir, un poco oscura para mi gusto pero igualmente solvente, en Benjamin Button Fincher se calma, con una sobriedad exquisita nos cuenta los hechos, un trabajo que consigue un ritmo impresionante que jamás decae, el publico quedara hipnotizado, embobado con esta producción.

Cate Blanchett y Brad Pitt

Actuada con gran destreza, Brad Pitt encarnando a este particular personaje esta perfecto, Cate Blanchett brilla tanto como su personaje “Daisy”, es totalmente impresionante el talento de esta actriz (soberbia), y su conexión con Pitt es muy solvente, desde “Babel” esta pareja dejo mucho que desear en la gran pantalla, Tilda Swinton me parece exquisita en su rol, un papel que le sienta perfecto y aunque su aparición es relativamente corta, esos minutos hacen de ella una de las mejores actrices del momento, pero quien realiza un papel absolutamente admirable es Taraji P. Henson, una perfecta actuación y personificación de este importante personaje, de ella se espera mucho en las próximas premiaciones.

En la pantalla no vemos actores en la piel de personajes, vemos personas. Y por muy increíble que resulte lo que se nos narra, es todo tan veraz como la vida misma, consiguiendo emocionar o divertir según la situación, algo meritorio considerando que es una historia tristísima. «The Curious Case of Benjamin Button» es el sucesor directo de «Big Fish«, una historia envuelta en fábula que transmite algo en cada una de sus secuencias.

Baile a media noche

La calidad técnica habla por si misma, la caracterización y las actuaciones creo que también. La dirección es impecable y el metraje quizá un poco excesivo aunque supongo necesario para narrar tal cantidad de cosas. Benjamin Button no equivale a una superproducción de Hollywood, Benjamin Button es algo totalmente diferente, es un diamante precioso que anhela ser visto, tocado y saboreado.

No hay imagen sin carga emotiva

Al grano: Película con fastuosos recursos técnicos y visuales dónde lejos de ser un enorme pastel dulce (Australia) se convierte en un vehículo reflexivo hacia la vida y el tiempo. Y sobre todo, las oportunidades que dejamos en la vida y los efectos de nuestras decisiones cotidianas.

*  *  *  *  1/2 / 5

Woody Allen se da una vuelta por España… Vicky Cristina Barcelona

Una película muy rica en imágenes...

¿De qué trata?: Dos jóvenes norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensible y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y busca aventuras sexuales. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor que todavía tiene algo con su temperamental ex-mujer, María Elena (Penélope Cruz).

«Vicky Cristina Barcelona» es una gran comedia, evidentemente no es la mejor del newyorkino, pero la disfruté bastante. Pero más allá de la extravagante comedia que contemplamos, Allen nos sugiere otras cosas que poco tienen de comedia. La fugacidad, el final de un nunca eterno amor es expuesta de forma sutil pero certera.

Me gusta cómo juega con el contraste de las dos formas y filosofías de vidas antagónicas que refleja el film (espontaneidad, disfrute y creatividad versus control, planificación y previsibilidad) para caricaturizar a buena parte de la sociedad norteamericana y de paso a  la civlización occidental en su conjunto.

Uno de los mejores papeles de Penélope Cruz

Penélope Cruz está genial en la película, esta es una de las pocas películas en las que me ha convencido y además muy pero que muy satisfactoriamente, se nota que quería trabajar con Allen. El resto del reparto también es de notable alto, Javier Bardem carismático y fresco, Scarlett  Johansson se muestra bien a secas y Rebecca Hall la gran revelación, que logra destacar sobre Johansson con un personaje bien estructurado e intencionado.

La nueva etapa Allen es interesante,  Match Point es de sus mejores películas, Scoop es entretenida y Cassandra’s Dream es visible por sus protagonistas masculinos. En esta película me encanta la fotografía pues explota los escenarios españoles al 100%, el guión en esta película es más complejo de lo que parece, es inteligente, tiene belleza, originalidad, es sexy pero ante todo, es muy entrañable y tiene encanto.

Otra cosa a tener en cuenta es que es, sin duda, una película para españoles. Me explico: la alternancia entre español e inglés entre los personajes de Bardem y Cruz y escuchar a ésta última despotricar, gritar, vacilar y discutir en español es sólo un placer para aquellos que conozcan la lengua de Cervantes.

Barcelona, sus calles, Gaudí y demás delicias mediterráneas son la bandera de esta comedia.

María Elena (Penélope Cruz), Juan Antonio (Javier Bardem) y Christina (Scarlett Johansson)

Lo mejor de todo, no es que tras una presentación directa como la que ofrece pueda dar continuidad a su historia sin que no decaiga, sino que además, añada elementos a la trama que la ensalzan todavía más, haciendo que su film se torne fresco, impostado, atrevido y ciertamente ingenioso por saber desembocar en esa historia de amoríos sin que nada de ello se antoje inverosímil o artificial.

Sus personajes, además, son explotados al máximo y todos sus rasgos son expuestos en una genial paleta haciendo que cada uno aporte sus particulares tintes dentro de esa inmadurez o fogosidad que rezuman los protagonistas, pero que en ningún instante resta importancia a esas relaciones que tienen peso, interés y están maduradas de modo espectacular, teniendo en cuenta siempre la incertidumbre de esos personajes tan sometidos a las consecuencias de sus irreflexivos actos.

Woody Allen dirige a un elenco fresco y dinámico

Al grano: No es la mejor película de Woody Allen,pero al menos pudo haber sido un buena continuación después de Match Point. Es un Woody fresco, ágil ydescarado. Las complejas relaciones interpersonales expuestas a un nivel reflexivo. Penélope Cruz se roba el show.

*  *  *  * /   5

La vida de Harvey Milk en manos de Gus Van Sant…

Una de las mejores actuaciones de Sean Penn, en toda su carrera...

¿De qué trata?: Biografía de Harvey Milk, el primer político abiertamente homosexual elegido para un cargo público en Estados Unidos, en 1977. Fue asesinado un año después.

Con una introducción fluída, que despeja dudas con rapidez sobre quien fue Harvey Milk, Gus Van Sant empieza a desgranar su película y a sus personajes. No sólo hablamos de Milk aquí, sino que los roles de secundarios también están cuidados y bien perfilados, sin perder detalle de todo aquello que nos pueda dar más señas sobre como dió un paso más hacía un tipo de sociedad distinta a ese hombre, o sobre cuales fueron las primeras decisiones que le llevaron a lograr algo de renombre en el local que regentó durante gran parte de su convivencia en el distrito de Castro.

Lo mejor de todo es que se logra que, por primera vez, contando una crónica donde la política se entremezcla con los intereses de este, en un principio, activista y, más tarde, político en favor de los derechos de la comunidad gay, no resulte cargante para todo aquel que no entienda por que  puede transcurrir el tema y, además de ello, logre enganchar a una historia de valores, personajes y acciones que lograron hacer de todos esos esfuerzos un paso más para la aceptación de todos esos intereses para el colectivo homosexual.

Uno de los mejores biopics que he visto.

Ícono emblemático.

Eso sí, cabe destacar, tras un trabajo compacto, unas actuaciones que desmembran sus roles con una pericia increíble, haciendo no sólo que resulten creíbles todos los papeles que se dan en «Milk«, sino además que lo que en otros biopics podrían resultar tópicos, aquí queden expuestos con seriedad y la suficiente mesura como para regalarnos a un Sean Penn realmente magnífico, mostrar a un James Franco actuando con una naturalidad arrolladora, ver como Emile Hirsch compone un personaje secundaria de gran nivel y conseguir que todo el trabajo antes logrado no quede manchado por ninguna actuación saliera de la calidad, como quizá el film de Van Sant, que no deja de estar dentro de lo común teniendo en cuenta sus posibilidades, pero también dentro de lo plausible y elogiable. Por retratarlo todo con ese espíritu, por lograr que hasta el menor de sus personajes desborde con su voluntad.

Lo que consigue Van Sant es imprimir su forma de hacer cine a un relato que resulta interesante en todo momento. Milk es, pues, una obra de calidad estimable. Pero lo que más sorprende es que si hace unos 5 años alguien hubiera dicho que Sean Penn sería capaz de crear un personaje totalmente ameno, no lo hubiera creído, no es por que no lo considere un actor de calidad -creo que es de los mejores de su generación- sino porque comparando sus otros papeles o incluso sus apariciones públicas me parece increíble que lo lograra pero lo ha hecho y de gran manera.

El guión esta bien elaborado, al igual que sus aspectos tecnicos desde una original banda sonora a cargo de Danny Elfman asi como un excelente montaje y fotografía.

La fuerte crítica que realiza Gus Van Sant a la homofobia y a la doble moral norteamericana es excelente, presentando a los opositores de Milk, propulsores de la Propuesta 6 con material extraído de filmotecas, presentando a los verdaderos personajes sin necesidad de ser interpretados por actores.

Al grano: Documento fílmico que será objeto de reflexión a temas siempre vigentes. Con interpretaciones simplemente impactantes y convincentes. Film que demuestra que cuando Gus Van Sant se fija en mente hacer algo de verdadera calidad, lo hace y lo hace bien.

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