Sombras Tenebrosas (Dark Shadows, Burton 2012)

La psychedelia invade a Tim Burton en esta nueva entrega. Y aunque su genialidad es indudable esta película se mueve muy dubitativa en cuanto al tono que maneja, nunca queda claro y eso la hace, no tomarse en serio así misma, y por lo tanto, que nosotros tampoco la tomemos enserio. ¿Pero ese no era el objetivo del director? Yo creo que sí, sin embargo, el entretenimiento tan ligero que propone hace que no sea considerara como una película relevante para el cinematógrafo.

La familia Collins tiene el mal de ojo echado encima. Y al pobre Barnabas le toca lidiar con la obsesión de una poderosa bruja despechada que puede conquistarlo todo excepto lo que más desea: su corazón.

El equipo Burton – Johnny Depp se reúne de nueva cuenta, tanto el director como el actor se mueven con suma ligereza dentro de esta cinta en la que Michelle PfeifferHelena Bonham CarterEva Green complementan con su belleza y carisma. Sin duda alguna la película obtiene una estrella dorada en su decoración, así como en el vestuario, como siempre los puntos fuertes de Burton, decae en el guión de Seth Grahame-Smith, primerizo en el área cinematográfica, y aunque se fortalece con la visión de John August, no hay mucho que agregar.

No está del todo mal, pero con semejante director y reparto uno tiende a esperar más. Para los amantes del rock  hay un cameo de Alice Cooper. El problema de la película es el guión, hay demasiado artificio y excesiva pelea entre Depp y Green. Además, parece todo montado para que haya una continuación.

Calificación: * * * / 5

 

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Sin Ella

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¿De qué trata?: Gastón (Luis R. Guzmán) es un famoso productor que lleva la vida que todo hombre puede soñar: es exitoso, jóven, atractivo, adinerado y tiene una novia muy guapa, Alejandra (Paola Núñez). Sin embargo después de su divorcio con Carmen (Lola Dueñas) se da cuenta de que nada es para siempre y su vida da un giro de 180°, que lo obliga a enfrentar el amor real, su rol como padre de una hija adolescente; pero sobre todo a sí mismo.

La gran ventaja que tiene esta película es que es una historia sincera. No es un alarde de creatividad vanguardista y sin dejar el esquema de un filme comercial, es una cinta que ofrece un buen entretenimiento a partir de un drama cotidiano. Lo que para algunos directores hubiera sido un melodrama al uso, para Jorge Colon es una oportunidad para comprobar un talentoso punto de vista al proceso de valorar el presente a partir del pasado, al aceptar la importancia de la muerte de un ser querido. Un hecho que no afecta a una sola persona sino a todos los involucrados.

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Sin duda, es el mejor trabajo actoral de Luis R. Guzmán; nunca había transmitido tanto con una mirada y por primera vez, no lo siento sobreactuado como en algunas telenovelas, sino que ahora se siente natural y consciente de la trascendencia del personaje. Todos los personajes secundarios lucen desde un excéntrico Fernando Ciangherotti hasta un atinado Francisco Gattorno. Además el elenco infantil muy bien sincronizado y las féminas Zuria Vega, Paola Núñez y Lola Dueñas muy dueñas de sus personajes.

La naturalidad de esta película hace lucir Cansada de besar sapos como una cinta superficial, pues esta logra un avance brutal con los personajes, así mismo, la evolución narrativa de Jorge Colon es notable. Sin embargo, a la hora de ponerme técnico con la película siento que los personajes se quedan estancados en su línea de acción, tienen un camino definido desde el inicio de la cinta y lo llevan a cabo a donde tienen que llegar, pero no avanzan a más. Hay situaciones que se quedan estancadas como el hecho de no terminar de superar una muerte, que aunque no debe de ser considerado un defecto en la cinta, se siente como un cabo inconcluso en una revisión superficial. El personaje de Paola Núñez a pesar de tratar de ser apoyo del protagonista no se resuelve como un sostén del personaje principal y una buena resolución, al menos, más verosímil para aceptar un presente completo, hubiera sido integrarla a la dinámica familiar, en vez de que Gastón (Guzmán) la relegara como un obstáculo en su unión familiar.

Al grano: No es la gran película mexicana, pero es un producto honesto que se deja ver y que te deja con un buen sabor de boca. Al final de cuentas se necesita una cinta comercial con estas magnitudes y gran producción, como un respiro a todo lo que hay en cartelera.

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La vida es BIUTIFUL

Biutiful-Movie-Poster Biutiful retrata la historia de Uxbal. Padre abnegado. Hijo desamparado. Intermediario de la sombra. Próximo a los desaparecidos. Atraído por los fantasmas. Sensible a los espíritus. Sobreviviente en el corazón de una Barcelona invisible. Sintiendo que la muerte le ronda, intenta encontrar la paz, proteger a sus hijos, salvarse a sí mismo. La historia de Uxbal es sencilla y compleja, al igual que nuestras vidas de hoy.

Son enormes las expectativas con las que uno se enfrenta a “Biutiful”, el cuarto largometraje de Alejandro González Iñárritu, sobre todo por tratarse del primero en el que no cuenta con la colaboración del guionista Guillermo Arriaga. Buena parte del público que conoce de sobra sus trabajos anteriores se pregunta: ¿En qué cambiará ese estilo tan íntimo y característico donde una serie de historias paralelas marcaban el ritmo y compás de sus películas?

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Y, teniendo en cuenta que la elección de nuevos colaboradores para el guión viene de un polémico desencuentro con dicho guionista, la cuestión que se plantea ante todo es: ¿Será Iñárritu capaz de mantener el nivel de sus anteriores películas sin colaborar con Arriaga?

En cierto modo, aunque a una parte importante de la crítica no le haya gustado, lo que ha hecho el director de “Amores perros”, “21 gramos” y “Babel” es de lo más coherente ante tal situación. De alguna forma, al centrarse esta vez en única historia, la de Javier Bardem encarnando a Uxbal, un descarriado padre de familia, le ha cedido el testigo de las historias virulentas y paralelas a Arriaga, que prosiguió este último dicha estructura narrativa en su ópera prima “The Burning Plain”.

Sin embargo, lo que vemos no es un nuevo Iñárritu, sino lo que de verdad es él como director y autor. El tema de la muerte sigue tan vivo como en anteriores ocasiones y hay un retorno a la fotografía de sus inicios, la de “Amores perros”, de una crudeza y realismo importantes. Además de necesaria para adentrarnos en una Barcelona como pocas veces se ha retratado en el cine: la de la clase baja mal viviendo, la inmigración ilegal, o algo tan irrelevante pero significativo como que el protagonista sea del Espanyol y no del Barça.

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“Biutiful” es una producción hispano-mexicana, y aún siendo la mayoría del equipo técnico mexicano, los actores son españoles y la ambientación son los de una película española. Y por eso, si uno la compara con el resto de producciones españolas es para echarse a temblar. Esto es cine social del que tanto se imita a un altísimo nivel.

Aunque si de algo peca la historia es de no avanzar después de dar una serie de latigazos en un inicio absolutamente demoledor. Tras él, se le concede a un inmenso Bardem (merecidísimo premio a la mejor interpretación masculina en Cannes) el honor de guiarla hacia su fin. Al mismo tiempo, el resto del reparto está también espléndido. Si Bardem es el número uno de los actores españoles, Maricel Álvarez está en el “top five”. Y produce hasta alegría ver al fin a unos niños creíbles, que no sean necesariamente tontos por salir en pantalla.

No son pocos los logros de ésta película, pero parece que algunos esperaban algo más. Y eso que no se trata ni de otro Iñárritu ni de otra Barcelona, sino más bien de una faceta representativa de cada uno.

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Kick Ass!

ddfd ‘Kick-Ass’ (film no apto para menores) gira en torno a Dave Lizewski (Aaron Johnson), un estudiante de instituto que pasa desapercibido por todos, aficionado a los cómics, de dónde saca un día la idea de convertirse en un superhéroe, aunque no tenga superpoderes, no haya seguido un duro entrenamiento y ni siquiera tenga una significativa razón para ello. Pero la vida de Dave cambiará para siempre cuando se encuentre con un par de locos vigilantes -la explosiva niña de 11 años Hit Girl (Chloë Moretz) y su padre, Big Daddy (Nicolas Cage)- y forje amistad con otro joven luchador contra el crimen, Red Mist (Christopher Mintz-Plasse). Y cuando todos se tengan que enfrentar al jefe de la mafia local, Frank D’Amico (Mark Strong), sus alianzas y sus verdaderas habilidades serán puestas a prueba.

Los trabajos de Matthew Vaughn han seguido un hilo conductor, han sido cintas de personajes que se convierten en héroes a pesar de no tener la madurez necesaria para ser héroes. En “Nada es lo que parece” (Layer Cake, 2004) protagonizada por Daniel Craig, el personaje principal realiza una evolución para defenderse de una organización criminal. “El misterio de la Estrella” (Stardust, 2007) es el madurar de adolescente a hombre en un viaje lleno de magia y personajes increíbles. Con esta cinta, Vaughn le da poder al adolescente de soñar y no sólo eso, si no de dejarte con un grato sabor de un cine adolescente bien logrado con muchos toques de comedia negra y gore.

kickass-film-still-01 Lo más destacado es su originalidad. Una especie de Watchmen y American Splendor mezclado. Porque si en Watchmen se planteaba quien vigilaba a los vigilantes, aquí se plantea que pasaría si la gente que admira los comics, películas y videojuegos de súper héroes intentara emularlos, con todo lo que ello conlleva. No todo es glamour, reconocimiento y problemas personales estúpidos (no señalo a nadie hombre araña), aquí los personajes realmente pagan la osadía de emular a sus héroes. Muerte, destrucción familiar y demás tragedias es lo que tienen que asumir los personajes.

Es una obra que deambula entre el homenaje y la parodia sin alejarse del filo de la navaja en la que se apoya para entretener a los amantes del cómic. Dave encarna al típico personaje Marvel en el que sus poderes lo superan. Inspirado en la primera etapa de Spiderman, la cutredad se convierte en arte: un gran poder cutre conlleva una gran responsabilidad igual de cutre. Por otro lado, el traje heroíco de Cage no deja lugar a dudas sobre su paralelismo con Batman y su cruzada particular ante el crímen, apoyado en este film por su hija pequeña experta en artes marciales (Robin).

photo_13_hires Lo gracioso de todo esto es que por fin Nicolas Cage actúa con un mínimo de decencia en un cartel predestinado de antemano al olvido, consiguiendo forjar un personaje carismático. Un héroe. El ritmo y la información que M. Vaughn traslada al espectador durante las distintas secuencias de su película es un acierto. El humor, también presente, se limita a resaltar las obviedades y carencias de unos personajes elegidos para conmover desde el absurdo de sus acciones y erigiéndose como un elegante actor secundario.

Punto y aparte merecen las escenas de acción, rodadas con un ritmo salvaje y con una musicalidad digna de destacar (si vinieran firmadas por Tarantino a algunos críticos se les caería la baba). No se limita en violencia, sangre y determinación. A pesar de estar protagonizada por adolescentes, eso no hace más que desarrollar la sensación de que todo duele más, es más físico.

0415_kick-ass_390x220 Nicolas Cage está bastante bien dotando a su personaje de madurez y poniendo el balance entre tanto adolescente. Mintz-Plasse sigue siendo un gran descubrimiento por el patetismo que inundan todos sus personajes. Mark Strong sigue fascinándome, desde Sherlock Holmes me ha demostrado que tiene gran potencial. Aaron Johnson asume con sencillez y tablas el protagonismo. El resultado final quizás podría haber sido más original, pero igualmente "Kick-Ass" se trata de una de las propuestas más frescas y estimulantes del momento, un western pop cuya mejor ganancia es su independencia del espíritu franquicia que suele ahogar las producciones Marvel. 16kickassspan-1-articleLarge Y no perderos la aparición de una enorme Chloe Moretz, una cría de once años que pelea como Chuck Norris y habla como Harry el Sucio. Sádica, dulce, asesina, madura, un personaje redondo interpretado brillantemente. Ídola total.

Iron Man 2: El hombre de hierro regresa más armado que nunca.

Iron Man 2

Iron Man 2, Jon Favreau, 2010

En ‘Iron Man 2‘ el mundo sabe que el multimillonario Tony Stark (Robert Downey Jr.) es Iron Man, el superhéroe enmascarado. Sometido a presiones por parte del gobierno, la prensa y la opinión pública para que comparta su tecnología con el ejército, Tony es reacio a desvelar los secretos de la armadura de Iron Man porque teme que esa información pueda caer en manos indeseables. Con Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) y James “Rhodey” Rhodes (Don Cheadle) a su lado, Tony forja alianzas nuevas y se enfrenta a nuevas y poderosas fuerzas.

Respondiendo directamente a la pregunta, si, este ‘Iron Man 2’ es la confirmación tanto a la industria del cine como al espectador de lo que la primera entrega ya fue de por sí: un modelo a seguir y producir para los primeros, y un espectáculo por el que pagar y disfrutar para los segundos. Porque esa es la palabra fundamental, disfrutar. ‘Iron Man 2’ se deja querer y gustar por méritos propios, reincide en su sana intención de satisfacer a su público y ofrece unos resultados tan buenos, o incluso mejores, que los de su título precedente sirviendo más de lo mismo, de lo bueno lo mejor, pero de forma algo distinta, dando un paso hacia adelante y evolucionando como saga. Si a eso le añadimos que luce en pantalla como pocas, y sin necesidad de recurrir al 3D para tapar otras carencias, tenemos un film estupendo en el que el balance entre intenciones y resultados no podría ser más redondo.

Iron Man 2Al igual que su predecesora, ‘Iron Man 2’ es y será no sólo uno de los mejores blockbusters de este año, sino posiblemente también una de las mejores películas y una fascinante delicia para los sentidos a lo largo y ancho de sus tremendamente llevaderas dos horas de metraje. Lejos de ser un simple artificio pirotécnico vacuo e intrascendente del montón, ‘Iron Man 2’ se revela como un film con personalidad propia apto para toda clase de públicos y en el que la suma de sus valores arroja un resultado tan satisfactorio que la promesa de una saga emblemática se vislumbra como un hecho en toda regla. Técnicamente impresionante, con unos efectos visuales y sonoros magníficos, con algo que algunos emplean para limpiarse el culo llamado guión como sustento, con un director que planifica con interés y mimo sus escenas en vez de buscarse la vida en la sala de montaje, y con un reparto comprometido con sus personajes. Así es ‘Iron Man 2’.

No quiero centrarme en nada particular ya que no merece la pena y mi cometido no debiera trascender más allá de mi opinión sin necesidad de por ello desvelar más de la cuenta (que no se encargue en desvelar de por sí la promoción). Lo que sí es seguro es que todo lo bueno que pudimos encontrar en el primer film se ve ratificado y potenciado en este nuevo capítulo de la saga mientras que sus puntos flacos siguen pasando desapercibidos, todo ello oscilando alrededor de un Robert Downey Jr. nuevamente estupendo y perfectamente arropado por un plantel agradecido de dejarse ver en la propuesta. Y es que aunque estemos ante una producción de un gran estudio, que no deja de serlo, lejos de parecer un producto manufacturado y arquetípico más bien da la impresión de ser una película apoyada y respaldada por un gran estudio, que no es lo mismo. Sin lugar a dudas todo un éxitos que merece ser visto y aplaudido, y por supuesto, esperemos que continuado en una tercera entrega capaz de subir aun más el listón tan alto dejado por esta nueva muestra del mejor cine.

En definitiva, Jon Favreau logra un producto comercial en el que Robert Downey Jr. está “en su salsa” ofreciéndonos ese divertimiento que tanto nos gusta de él y con el que se gana que un fiel seguidor como yo de Iron Man, le agradezca que haga una película amena y espectacular. No podian faltar los pequeños detalles, como escudo del Capitán América que coloca Tony Stark debajo de la tubería o la aparición de Nick Fury (Samuel L. Jackson), que empieza a preparar el terreno para Los Vengadores. Cuando acabe la película no se levanten, ya que al final de los créditos habrá una escena sorpresa.

****/5 Muy recomendable

Todos están bien

everybodys-fine-poster ¿De qué trata?: Remake de la cinta de 1990 que dirigiese Giuseppe Tornatore, ‘Están todos bien’ (Stanno tutti bene). Robert De Niro es un padre de familia viudo, ya abuelo que, una vez alcanzada la jubilación, quiere reunir nuevamente a sus cuatro hijos alrededor de la misma mesa. Cuando todos le fallan para acudir a su casa, decidirá entonces realizar un viaje en busca de sus hijos descubriendo una realidad diferente a como se la había imaginado.

Honestamente hay que decirlo, es una película que no alcanza el poder de la original. Se mantiene y se disfruta gracias al talento del señor De Niro, pero toda la propuesta es superficial y llena de tópicos para sentirse aludido, identificado. Es ideal para lagrimear. Drew Barrymore está desperdiciada al igual que Kate Beckinsale.

Everybodys-Fine-001 “Stanno tutti bene”, es una maravilla, una producción italiana de 1990 en la que el actor Marcello Mastroianni, con gafas y mostacho, da vida a un anciano jubilado, un personaje muy emotivo y entrañable, que decide recorrer el país solo, para visitar a cada uno de sus hijos y saber cómo se encuentran. A lo largo de la trama se muestran muchas situaciones y diálogos magistrales con los que se muestra la realidad sobre la tercera edad y las relaciones familiares, y el personaje va descubriendo que estaba equivocado, y su ilusión se va tiñendo de tristeza a pesar de su optimismo. Muchos momentos te sacan una sonrisa a pesar del trasfondo trágico. Hay muchos, muchísimos más detalles geniales, entre los que puedo destacar a banda sonora de Ennio Morricone, y el final de la película … soberbio, magnífico, exquisito.

08_denindustry_lg Esta versión, es por mucho inferior a la original. Sin embargo, vale por ver al señor Robert De Niro comerse a todos con su inmenso talento.

Al grano: Remake mal elaborado que sin embargo tiene su mérito en tener una gran actuación de Robert De Niro.

* * * / 5

Los Abrazos Rotos.

los-abrazos-rotos-poster Almodóvar alterna astutamente películas arriesgadas ("La ley del deseo", "Kika", "Hable con ella" o "La mala educación"), con otras más seguras ("Mujeres al borde de un ataque de nervios", "Carne trémula", "Todo sobre mi madre" o "Volver"). Los abrazos rotos es sin duda alguna una película de ruptura. El estilo Almodóvar despojado de muchos de sus aciertos habituales convirtiéndose en una película de autor de estilo claramente europeo.

Una fotografía de la Playa del Golfo en Lanzarote. Sobre la arena gris, a lo lejos, casi invisible, una pareja se abraza. Pedro Almodóvar ha pasado años dándole vueltas a esta imagen que un día se encontró por casualidad, tratando de confeccionar un guión de película que resolviera al fin las incógnitas que se le planteaban: quiénes eran, por qué se abrazaban, qué hacían allí o qué fue de ellos. Almodóvar necesita obsesionarse con sus historias hasta que éstas no le dejen dormir, pues sólo entonces se convence de que ha de grabar su película, a modo de exorcismo saludable.

los_abrazos_rotos_-_500_-_16 En Los abrazos rotos, sin embargo, la autocomplacencia del director -que en otras de sus películas era perfectamente compatible con el deleite del público- se queda finalmente en un egocéntrico y emocionalmente hermético ejercicio de estilo vacío, que no provoca más que frustración y decepción en el espectador, ajeno a los supuestos vaivenes sentimentales de unos personajes desdibujados y a unas historias tan retorcidas como inverosímiles. Aunque me ha parecido bien resuelta técnicamente la película se repite en su esquema con todos los trabajos de Almodóvar: Personajes marcados por el dolor que según va trascurriendo la película nos desvelan a través de flashback el origen de ese dolor.

En La mala educación (2004) Almodóvar apuntaba la pérdida definitiva de unos valores cinematográficos que en Volver (2006) recuperaba o revisitaba en un ejercicio de reconstrucción del Almodóvar perdido de la primera etapa. No obstante, ahí estaba la huella del tiempo, el quebranto del drama, la melancolía. Almodóvar nunca volvería a ser Almodóvar, y él lo sabía. Y si muchos críticos se lanzaron a la yugular de su en cierto modo conservadora y tardía comedia, ninguno supo apuntar que el camino que recorría en avance, si bien breve, lo recorría ya en un territorio en que el Almodóvar del deseo se había convertido en el Almodóvar de la culpa, del quiebro. Y es ahí donde Los abrazos rotos se establecen como un eslabón necesario.

los_abrazos_rotos_-_500_-_16 Marciana a más no poder, salpicada por referentes continuo a cinematografías diversas. Los abrazos rotos es una declaración de amor al cine, pero es mucho más: es una declaración de amor al arte de contar historias y perderse en ellas. Marcada ahora por el desdoblamiento de los personajes y las tramas, capaz de pasar del drama al thriller y de allí a la comedia en órdenes inversos a los comunes, siempre cine de género, pero género dentro de género, Los abrazos rotos es tan compleja que necesita acabar, ser una unidad en la memoria detrás del desbarajuste de líneas y personajes, para brillar con toda su fuerza. Si en su primera parte más parece un compendio de imágenes bonitas, un cine dentro del cine (a veces mentirosa, siempre viva), es a partir de la huída de los amantes que la historia cobra una integridad extravagante y sucia, almodovariana, dejando imágenes complejas y dolorosas e integrándose, más allá de los homenajes, de lleno en una tradición del cine.

Todo parece marcado por la fatalidad y el drama, pero también por la comedia, y lograr que te sorprendan las carcajadas con las lágrimas todavía cayéndote por las mejillas no es frívolo. Almodóvar sigue sabiendo hacer de una conversación o un fotograma en negro, una lección de cine. Todo envuelto en la ensoñación y la melancolía del creador, también por la mejor banda sonora que yo haya oído de Iglesias, por una fotografía siempre superlativa y por la afectación del verdadero cine. Y en medio de ese remolino de sentimientos y sensaciones, el fantasma de la película Chicas y maletas (Mujeres al borde de un ataque de nervios), pero también esa imagen obsesiva del abrazo secreto en una playa de Lanzarote, guían el desarrollo en dos tiempos: uno personal y de reconciliación con el pasado y otro de avance hacia la oscuridad que esconde el futuro de un director que se atreve a pisar fuerte con una de las películas más complejas e inclasificables que haya dado el cine español.