Enamorándome de mi Ex

¿De qué trata?: Jane (Meryl Streep), madre de tres hijos ya adultos, es la propietaria de un restaurante pastelería de Santa Barbara y, tras una década divorciada, mantiene una amigable relación con su ex-marido, el abogado Jake (Alec Baldwin). Pero cuando Jane y Jake tienen que salir de la ciudad para la graduación universitaria de su hijo, las cosas comienzan a complicarse. Una inocente comida lleva a lo inimaginable: un reencuentro. Con Jake casado de nuevo con una mujer mucho más joven, Agness (Lake Bell), Jane se convierte de pronto en "la otra". Y en medio de todo este embrollo se ve envuelto Adam (Steve Martin), un arquitecto contratado para renovar la casa de Jane.

La autora de la cinta repite la fórmula que no le diera mal resultado hace seis años en "Something’s Gotta Give", acompañando la escritura de su propia mano de un guión agridulce lleno de encanto con una interesante y fresca partitura de Hans Zimmer, una más que correcta fotografía, y una elección de reparto y dirección de actores que se convierten en la llave que hace que todo funcione sobre ruedas.

La pareja protagonista está en este caso formada por Meryl Streep, la actriz en activo con seguramente mejor currículum y de la que poco puede comentarse -basta quitarse el sombrero-, y por un Alec Baldwin de aspecto fondón que confirma que cuanto mayor es su deterioro físico como galán más maduras parecen sus cualidades interpretativas. Ambos combinan con perfección expresiva momentos de alocada comedia de enredo con reflejos dramáticos interiorizados sobre el amor, el desamor, la pasión, la duda y las huellas que va dejando el inexorable paso de los años. Mención aparte para la vis cómica -no fácil por un papel de reparto con el riesgo de quedar sobreactuado- de un joven John Krasinski, quien consigue el tono ideal para hacer reír al espectador sin resultar grotesco.

Esta película sin embargo va algo más allá que sus predecesoras. Además de valerse de un solvente conjunto de actores, apuntala un guión cuidadosamente elaborado que aunque tal vez no pase a los anales de la cinematografía debido a cierto convencionalismo olvidable de fondo, se ve reforzado por una puesta en escena con detalles bastante bien resueltos. Entre los cuales, por citar un par de ejemplos, podría recordarse la escena de la cocina en la que Jake observa nostálgico a su familia esperando la mirada de su ex mujer que sólo llega cuando de espaldas ya sin verla él abandona la casa…; o esa otra secuencia que se cierra casi sin palabras en la última toma de Jane y Jake sentados en el banco del jardín para continuar con un salto de plano en el tiempo al mismo lugar vacío arreciando la lluvia.

Como en la complicada vida, con nuestros complicados amores, desamores, dudas y pasiones, Nancy Meyers nos deja un final abierto tras enseñarnos durante este agradable metraje a sonreír al tiempo que pensamos que en nuestras vidas también todo queda abierto si seguimos caminando al son que marca el inexorable paso de los años.

Al grano: Agradable comedia romántica, opacada por la genialidad de Alguien tiene que ceder, pero que, tiene un encanto tan sabroso y disfrutable.

* * * 1/2  / 5

Julie y Julia!

¿De qué trata?: Basada en dos historias reales, la última película de Nora Ephron (Sleepless in Seattle 1993, You’ve Got Mail 1998) Julie & Julia 2009 narra la historia de Julie Powell (Amy Adams), una joven que siente que está desperdiciando su vida y que decide dedicar un año a preparar todas las recetas de “Dominando el Arte de la Cocina Francesa” (Mastering the art of french cooking), clásico libro de cocina de la célebre cocinera Julia Child (Meryl Streep) Así, Julie decide aprender a cocinar a su manera con la legendaria cocinera Julia. Durante el año que supone su experiencia como alumna de Child, escribe cada día sus experiencias en un blog que ganará múltiples adeptos.

            Si bien Nora Ephron no es santo de la devoción de casi nadie, puesto que a pesar de alguna película interesante no ha dejado una gran marca en el séptimo arte, no se puede objetar que el atractivo reparto y ese toque de dulce comedia que inspira la película es una poderosa razón para acercarse a ver Julie & Julia. Lo mejor de la película son sin duda sus actrices: Meryl Streep y Amy Adams vuelven a juntarse tras la fuerza que ambas demostraron en ‘La Duda’, haciendo que Julie & Julia tenga dos de las mejores interpretaciones femeninas del año, dándole un punto a favor para no ser otra comedia del montón. En cuanto a la parte cinéfila se refiere, subrayar el realismo en cuanto a localizaciones y temporalidad se refiere.

            La película además posee una narración curiosa, pues cuenta dos historias paralelas y entremezcladas muy parecidas, las de Julie y Julia. Pero no en el mismo tiempo, pues mientras una trascurre en 1949, la otra sucede en el 2002. Más que una comedia romántica, Julie & Julia es un manual sobre la superación personal y el alcance de metas imprescindibles para nuestra satisfacción. En este sentido, se presenta la historia de Julia (Streep), que en los años 50 y siendo extranjera allá donde iba (países o aprendizajes: mujer americana en Europa), superaba las trabas de los prejuicios con tal de exprimir hasta la última gota de su creatividad y de su vitalidad, lastrada además por su incapacidad de tener hijos a los que alimentar. Y en el Nueva York, post 11 – S, Julie (Adams), una treintañera más, perdida en la insatisfacción de una generación destinada a lo superficial, a lo práctico, a lo acomodaticio, que encuentra en el legado de Julia y en su vivaz espíritu, la brújula para reorientar sus pasiones, sus ambiciones y su ansia de vida.

          Y aunque hacia la mitad del metraje este se vuelve excesivamente repetitivo y no aprovecha historias ya presentes, Ephron tiene tal pulso emotivo en lo dramático y en lo cómico durante la primera mitad, que todo se perdona, más contando con dos actrices tan extraordinarias como Adams y Streep, que asumen el timing cómico y la sensibilidad de la historia. Tal vez Un poco menos de duración no hubiera estado mal, ya que al película se llega a sentir un tanto cansada, desluciendo grados de ese sabor que la sustenta.

Al grano: Lo mejor es ver esta película con el estómago vacío porque al salir de ella, estarás deseando degustar una buena comida o cena. Y para terminar una pequeña frase repetida por Julia Child: ¡Bon appetit!

* * * 1/2  de 5

La casa de los espíritus (1993)

La casa de los espíritus, The House of spirits, Bille August, 1993

¿De qué trata?: Historia de los Trueba, una numerosa y turbulenta famila chilena de clase alta que, a lo largo de tres generaciones, experimentarán los cambios producidos en su país durante casi un siglo. Con su patriarca angustiado y sus mujeres clarividentes, todos los miembros de la familia trazan sus vidas desde finales del siglo pasado hasta los violentos días del golpe que derrocó al gobierno de Salvador Allende en 1973.

La casa de los espíritus es un drama intenso que sigue las variantes de una familia numerosa a lo largo de tres generaciones. Poco a poco nos vamos encontrando situaciones propias del despotismo más acérrimo en la figura de Esteban Trueba (interpretado magníficamente por Jeremy Irons) contrastado con la amabilidad y la bondad de su misteriosa esposa Clara (Meryl Streep). Así en la historia irán apareciendo los personajes que empiezan a interactuar generando muchos sentimientos encontrados. Es imposible no contagiarse de la dureza y la violencia de Esteban, o con la sensibilidad de Clara, con los traumas de la maltratada Férula(Glenn Close), con los ideales revolucionarios de Pedro(Antonio Banderas) quien no soporta el maltrato ni las situaciones esclavizantes, la impotencia de Clara quien no puede estar al lado de quien ama por la maldita discriminación de clases siempre vigente. Cada personaje tiene su alma y está perfectamente desarrollado y en el conjunto la película funciona logrando la empatía del espectador.

Meryl Streep y Jeremy Irons

La intensidad de las situaciones sigue creciendo a medida que el filme continúa desarrollándose, así entra a jugar un papel importante el contexto socio-político imperante: los conservadores versus la clase revolucionaria de izquierda, la posterior venida del estado totalitario con los militares, las ingratitudes y los derechos humanos avasallados.  La cinta no pierde ritmo en ningún momento y es muy difícil no sentirse identificado con las situaciones propias de la familia y con la coyuntura social en la que está enmarcada Chile en ese momento.

Intento de pasión, al final.. no tanto....

La película no hace una adaptación exacta de lo que es la novela, aun así creo sabe sacarle bastante jugo a lo que es la historia y sale una película que yo califico de buena. A ratos parece que se han dedicado a cortar fragmentos del libro y pegarlos en el guión, tratando de hilar los hechos de la mejor manera posible, pero resulta un tanto errático y atemporal. Hay protagonistas que no envejecen nunca a pesar de que se hace visible el paso de los años y cambios en el orden y papel de los personajes. Trataron de acortar una historia, que si así les ha llevado 2 horas y veinte minutos, podría haber tomado el valor de miniserie si se respetaba el original.

Me voy a poner rudo: primero, que menos Antonio Banderas, los protagonistas no son latinos, y eso ya da un aire distinto. La cronología es inverosímil, utilizan a los mismos personajes durante largos períodos de tiempo, los únicos creíbles en ese aspecto son Jeremy Irons y Antonio Banderas. Entiendo que haya que recortar el libro y suprimir cosas, pero… ¿Inventárselas? Hay escenas que sobran, como es la de los niños desnudos, y otras que faltan, qutando sabor a la película. Las escenas de «sexo», es un quiero y no puedo, quieren intentar demostrar que son apasionadas pero sin enseñar carne, pero hacen todo lo contrario. La relación entre Férula y Clara, en la película, nos la pintan desde el principio como lésbica. En el libro es una sutil relación entre maternal y sexual. Han retirado historias y personajes importantes y otros los han incluido pero son meras apariciones, que para eso, mejor ni haberlas hecho.

La caracterización también falla

Si quisieramos dividir el libro, dijéramos qua hay dos partes: la primera es la historia de la familia Trueba y la segunda a partir del Golpe de Estado. Bien, en la película se ceban con la primera parte y la segunda lo hacen en 30 mins, para mí, los más decentes de toda la película. La intepretación de los actores no es mala, pero se nota una mala dirección en ellos por una mala intepretación de la novela, que creo que es la causa de que sea tan floja la adaptación. Los que mejor han comprendido a sus personajes son Jeremy Irons y Antonio Banderas, que son sin duda lo mejor de la película.

Sin embargo, la película nos conmueve las entrañas, nos recrea unos hechos que no deberían repetirse jamás, pero que absurdamente todavía suceden y nos vuelve a recordar que, contra todo, la vida es maravillosa, porque siempre existirán seres humanos como los que Isabel Allende describe en su novela épica. El carácter singular que tiene cada uno de los personajes hace que sea una historia maravillosa y llena de magia.

Al grano: Película mal adaptada que en lugar de aprovechar los personajes tan maravillosos de la obra de Allende, los deja mal parados y sin lucidez. Se quedó en la superficie del texto. Los que no han leído el libro la encontrarán bella e interesante.

* * 1/2 / 5

The Hours….. Las horas

Las horas, The Hours, Stephen Daldry, 2002

¿De qué trata?: Historia de 3 mujeres a la búsqueda de un sentido en sus vidas. Cada una de ellas vive en una época diferente, pero las tres están unidas por sus anhelos y sus miedos. Virginia Woolf (Nicole Kidman), en un suburbio de Londres a principio de los años veinte, lucha contra su locura mientras empieza a escribir su primera gran novela, «Mrs. Dalloway». Laura Brown (Julianne Moore), una esposa y madre de Los Ángeles a finales de la Segunda Guerra Mundial, lee «Mrs. Dalloway» y la encuentra tan reveladora que empieza a considerar un cambio radical en su vida. Clarissa Vaughan (Meryl Streep), una versión contemporánea de «Mrs. Dalloway», vive en la actualidad en la ciudad de Nueva York, y está enamorada de su amigo Richard (Ed Harris), un brillante poeta enfermo de SIDA.

A veces, sólo algunas veces, el cine se convierte en un vehículo capaz de arañar lo más profundo de nuestro ser, capaz de adentrarse en las profundidades del alma y mostrarnos alguno de los grandes secretos de la existencia. «Las horas» no es una obra maestra, ese adjetivo se queda muy corto para describir la profundidad, la sensibilidad, el arte y el buen hacer que esconde esta irrepetible película, pero, sobre todo, se queda corto para definir la gran verdad que revela y que resulta común para cualquier ser humano sobre la Tierra que alguna vez haya sentido la necesidad de elegir el camino que le conduzca a la felicidad.

Virginia Woolf definiendo Las horas

Stephen Daldry hace un trabajo impecable, medido y rebosante de talento;  todos los actores y actrices -incluso los secundarios- alcanzan niveles de interpretación sorprendentes. La perfección ronda por esta película de forma omnipresente, adueñándose de cada plano, de cada gesto y de cada segundo de metraje.

«Las horas» escupe ante nuestra cara el gran secreto de nuestra capacidad o incapacidad de tomar decisiones. Esas grandes decisiones que determinan los caminos por los que andamos y que nos conducen adonde queremos o no queremos estar. La felicidad es difícil de alcanzar, es sólo un instante, un tesoro precioso que llega de pronto y se escurre entre nuestros dedos, una sensación reservada sólo a unos pocos; a aquellos capaces de ser fieles a sí mismos, a sus deseos y a sus sueños.

La vida, frágil e irrecuperable, mantiene su férreo latido como un pulso ininterrumpido, con su lento devenir hacia esa muerte que, irremediablemente, nos espera a todos al final del camino. Y todos tenemos la capacidad de elegir cómo vivir, de elegir con quién queremos vivir y lo que queremos hacer. Ser felices depende de nosotros, y no serlo también… y ser infeliz es la mayor tortura del ser humano, una tortura que puede conducir a la peor consecuencia de la infelicidad: desear la muerte.

Meryl Streep en una película magistral

Las tres mujeres de esta película afrontan el reto de forma muy diferente. Una elige la muerte, otra la huida y otra la resignación. Y al final sólo queda esa vida vivida que jamás volverá, con el fin definitivo para Nicole Kidman, con el premio que no supimos ver ante nosotros en el caso de Meryl Streep y con el merecido perdón en el caso de Julianne Moore. Tres senderos diferentes, tres senderos forjados en el tiempo con cada uno de los años, los días y las horas de nuestra preciosa e irrepetible existencia.

Esta película se basa en un guión adaptado de una novela titulada “Las horas”, que a su vez está inspirada en el libro de Virginia Woolf, “Mrs. Dalloway”. Para mí, es una obra de arte porque posee imágenes portadoras de una belleza hipnótica. La calidad de los planos, el color, la expresividad, las emociones que despiertan y las reflexiones que conllevan, hacen de ella una obra interactiva con el espectador, que se ve envuelto por las historias descritas y es capaz de disfrutar tanto de lo que se muestra como de lo que se intuye.

Julianne Moore en una de sus mejores actuaciones...

Por otra parte, la película no sólo entra por los ojos; también lo hace por los oídos. La música que nos acompaña durante la visualización es del todo apropiada, y se convierte en una gran aliada que nos empuja irremediablemente hacia el terreno de las emociones, algo que considero esencial en una obra de arte. Es una experiencia audio-visual bella y placentera.

Al grano: Fina, elegante, reflexiva, bella, soberbia, impactante. No hay más palabras para definir esta pieza que debe de ser colocada dentro de las mejores películas en la historia del Cine.

* * * * * / 5

Doubt / La duda

Doubt, John Patrick Shanley 2008

¿De qué trata?: Es 1964, parroquia de San Nicolás en el Bronx. Un vibrante y carismático sacerdote, el padre Flynn (Philip Seymour Hoffman) está tratando de cambiar las estrictas normas del colegio, que durante años han sido fieramente salvaguardadas por la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep), una directora con mano de hierro que cree firmemente en el poder de la disciplina. Vientos de cambio político están barriendo la comunidad, y de hecho el colegio ha aceptado a su primer alumno negro, Donald Miller. Pero cuando la hermana James (Amy Adams), una pobre inocente, le comenta a la hermana Aloysius sus sospechas de que el padre Flynn presta «demasiada atención» a Donald, la superiora comienza una cruzada personal para sacar a la luz la verdad y expulsar a Flynn del colegio por abusar del alumno. Sin una sola prueba aparte de su convicción moral, la hermana Aloysius comienza una batalla con el padre Flynn, que amenaza con desgarrar la comunidad con consecuencias irrevocables. Basada en una obra ganadora del Premio Pulitzter y de un Premio Toni en su adaptación teatral.

Meryl Streep, haciendo una interpretación muy bien lograda

Un año después del asesinato de JFK, una escuela católica de los EEUU se debate entre el tradicionalismo docente de su directora, interpretada por la veterana Meryl Streep, y el aperturismo humanista del párroco del colegio, personaje a quien da vida Philip Seymour Hoffman. Entre ambos hallamos ejerciendo de unión a la hermana James, una joven monja, profesora del colegio, cuyas dudas a la hora de tomar partido por uno u otro bando serán plenamente compartidas por el espectador.

Galardonada con los premios Pulitzer y Tony, “La duda” se trata de una pieza teatral adaptada a la gran pantalla por su propio autor, John Patrick Shanley, director también de la intrascendente Joe contra el volcán (1990). Shanley no sólo se muestra mucho más serio y profundo que en su debut cinematográfico, sino que, lejos de conducir su nuevo film por los fáciles derroteros del maniqueísmo más primario y visceral, mantiene hasta los créditos finales nuestra incerteza acerca de los verdaderos sentimientos y motivaciones de los dos “contendientes”. ¿Es la hermana Aloysius Beauvier una malintencionada mujer interesada en desacreditar al padre Brendan, o bien es la única que ve las secretas e indecentes intenciones que éste tiene sobre un alumno?. Quizá deliberadamente, esta duda irresoluta acabará eclipsando el debate educacional planteado minutos antes y confundirá las verdaderas intenciones del film, haciendo así honor al título de la película y alejándose de otras que, como Priest o Las hermanas de la Magdalena, únicamente pretendían afrentar a la Iglesia católica.

Meryl Streep le da clases de actuación a Amy Adams en pleno Doubt

Como no podía ser de otra manera, La duda se mueve por unos parámetros bastante teatralizados. Sus acciones, que transcurren en interiores y escenarios limitados visualmente, encuentran en la dialéctica y en los envites verbales su principal dinamizador. Indudablemente, la severa interpretación de Streep y la apaciguada melancolía que casi siempre desprende Seymour Hoffman dotarán a estos diálogos de mayor profundidad y carga dramática. Sin embargo, no nos encontramos ante un mero ejercicio de teatro filmado. John Patrick Shanley acompaña diálogos e interpretaciones con un buen surtido de imágenes simbólicas que de forma bella y constante subrayarán muchos de los sentimientos de sus personajes, confirmándole de paso como un director conocedor del medio, y no como un prestigioso literato que se sitúa detrás de una cámara para adaptarse a sí mismo.

Amy Adams luce temerosa y frágil ante los monstruos que la acompañan

Curiosamente junto con «Revolutionary Road«, esta «Doubt» forma una pareja de ejemplos recientes de premiados dramas que siendo apreciables y contando con muy buen material detrás no acaban de despuntar al terreno de lo perdurable. Uno lamenta que la tensión no estalle con más fuerza, la que sea necesaria al menos para que los mensajes subyacentes de la película lleguen con más garra y le tatuen a uno el corazón con fuego ardiente. Porque siendo ambas tan dadas a la lucidez interpretativa (nominados al Oscar andan los cuatro actores principales de «Doubt»), tan fenomenalmente teatrales uno no alcanza a entender porqué no traspasan más las lineas, porqué el espectador no se queda noqueado en los créditos finales. Y las razones a las que uno puede aferrarse tal vez radiquen en demasiado academicismo, falta de riesgo tanto en realización como en construcción del guión. Y la verdad es que todo esto da que pensar en que estas películas que son interesantes, recomendables y dignas son criticadas porque sus posibilidades son enormes en cuanto que films más limitaditos que sorprendentemente llegan a ser reseñables son destacados como si fueran descubrimientos de culto. «Doubt» sea como fuere, mantiene el suspense hasta el final, tiene a un señor actor Seymour Hoffman que está inmenso y un desenlace cuando menos medianamente inquietante y reflexivo. Tal vez el problema lo tenga quien esto escribe por esperar más pero lo cierto es que esta película podría haber golpeado más fuerte. Siempre me quedará la duda.

Viola Davis, se luce en Doubt

El drama se centra en varios frentes, ahondando en el enfrentamiento entre una visión retrógrada y severa de la religión, de la moral y de la conducta, y una perspectiva abierta, sustentada en la comunicación, el diálogo y el fluir espontáneo y recíproco del afecto. Por otro lado, también presenta el eterno problema de la intolerancia, del racismo, de las desigualdades y del maltrato tanto físico como psicológico.
El problema que no dejo de percibir en el desarrollo de la película es que, exceptuando algunos pasajes de gran carga reflexiva, crítica y afectiva, el resto lo veo bastante plano, algo insulso y los temas que aborda no son tratados con la suficiente profundidad ni la dedicación que requieren. Al finalizar, me quedé con la sensación de “¿y esto es todo?”

Al grano: Producto vendido con mucha calidad que al final de cuentas te deja un sentimiento de que le falta algo.

* * * / 5