Toy Story en 3D

Toy Story, 1995, John Lasseter

Toy Story, 1995, John Lasseter

Estas dos semanas en cartelera disfrutaremos de dos clásicos de la animación navegando por el novedoso terreno del 3D, Toy Story (1995, Lasseter) y  Toy Story 2 (1999, Lasseter). Este hecho es porque en mayo de 2010 disfrutaremos de la tercera parte de esta saga en formato 3D. Resulta muy agradable para todos los que disfrutamos de estas películas, pues marcan el inicio de una de las casas productoras más importantes actualmente, Pixar.

En el 2007 se hizo un documental llamado “The Pixar Story” el cual te explica los orígenes de la gran corporación de animación que es la empresa Pixar, creadores de los ya mencionados “Toy Story”, “Monsters, Inc.” (2001, Docter, Silverman, Unkrich), “Cars (2006, Lasseter)”, “The Incredibles” y de otros muchos éxitos del cine de animación americano de los últimos años. Este documental nos introduce en cómo se llevó a cabo el proceso creativo de Toy Story y después del encumbre de los trabajos posteriores.  Pixar es hoy en día un indiscutible líder del panorama mundial de la animación por computadora, y sus películas las que más recaudan del género. El documental presenta testimonios de las principales personalidades del sector, directivos de la compañía y actores que trabajaron en sus proyectos. En México, este documental se incluye en la edición en DVD de 2 discos de la película WALL·E, así como en la edición Blu-Ray de la misma película. A mediados de 1980, un trío de creativos: John Lasseter, Ed. Catmull y Steve Jobs, combinado sus habilidades en el arte, la ciencia y la empresa pusieron en marcha un nuevo enfoque en las películas de animación 3D que cambió el concepto de cine para siempre.

Woody y Buzz

Woody y Buzz

El éxito de Toy Story estuve en armar una historia llamativa para los niños y para todo público, pues tocan temas universales como la amistad y la envidia. No sólo se creó una película técnicamente casi perfecta, sino dotada de un guión extraordinariamente ágil y vivo y creando unos personajes tan naturales y cércanos lo que hace que el público sienta una identificación. Se mezcla un sentido del humor que no para de hacernos reír con una acción imparable y, desde luego, con mensajes que nos enseñan valores como la amistad, el compañerismo, no juzgar a la ligera y no dejarse llevar por las simples apariencias. Toda persona se ha preguntado, ¿Cuántas veces, cuando de niños jugábamos con nuestros juguetes, nos imaginábamos que cobraban vida? De hecho, esos juguetes que era tan especial para nosotros, que ocupaban un lugar predominante en nuestro corazón (hasta que uno nuevo lo desplazaba) realmente parecía estar vivo. Yo creo que esta película realiza ese sueño. ¿Quién no ha tenido su juguete favorito y lo convirtió en su mejor amigo?

Toy Story 2

Toy Story 2

Sin embargo aquí viene lo feo, y es que Pixar aún no está hecho para trasladarse al 3D, le falta mucho ingenio aún para utilizar una herramienta tan poderosa. Disfrutando esta película en el cine sentí ese dejo de que Toy Story nunca estuvo hecha para ser vista en 3D. Lo mismo pasó con Up(2009, Docter), que aunque estuvo bien construida y realizada, visualmente se quedó limitada ante lo que su competidora “Ice Age: Dawn of the Dinosaurs” (2009, Saldañha, Thurmeier) ofrecía. Pero vaya no se desanimen, que Toy Story es un clásico dentro de la animación y aún vale por mucho la pena adentrarnos en estas fantasías pues a muchos nos trae a vivir de nuevo los mejores recuerdos de nuestra infancia.

Vals con Bashir

Vals con Bashir, Vals Im Bashir, Ari Folman, 2008

Vals con Bashir, Vals Im Bashir, Ari Folman, 2008

¿De qué trata?: Documental animado sobre la matanza de refugiados palestinos en Sabra y Chatila (Líbano) en 1982. Una noche, en un bar, un viejo amigo cuenta al director Ari Folman que tiene una pesadilla recurrente en la que le persiguen 26 perros. Cada noche, el mismo número de animales. Los dos hombres llegan a la conclusión de que tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años ochenta. Ari se sorprende ante el hecho de que no recuerde nada de ese periodo de su vida. Intrigado, decide ver y hablar con viejos amigos y antiguos compañeros dispersados por el mundo entero. Necesita saber la verdad acerca de ese periodo y de sí mismo. Ari escarba cada vez más y sus recuerdos empiezan a reaparecer mediante imágenes surrealistas…

Lo onírico da frescura y virtualidad al realto

Lo onírico da frescura y virtualidad al realto

Vals con Bashir” es un film comprometido, arriesgado, profundamente emocional, que lleva al espectador a su terreno de manera ejemplar. Con un portentoso acabado técnico, se nos educa sobre un hecho histórico que muchos ignorarán, como es la matanza de refugiados en Líbano sucedida en 1982. Mediante un personaje principal, vamos descubriendo su vida, su historia, fundiendo imágenes oníricas con secuencias duras por su intensidad, por su realismo y su veraz forma de mostrar las secuencias. Es un film de animación que trasciende de su “género”: consigue emocionar, es informativo y lo hace de forma neutral, sin intentar modificar la opinión del espectador. No plantea dudas, no las resuelve: sólo muestra las cosas como fueron y es el espectador quien debe decidir.

El complejo de culpa, tema judaico donde los haya, es el punto de partida de una búsqueda del personaje principal, que combatió en la guerra del Líbano allá por el 82. El hombre tiene remordimientos, y trata de comprender por qué, puesto que su memoria parece haber borrado lo acontecido en aquel conflicto. Así, vamos pasando de una dimensión puramente individual de motivaciones y fantasmas del pasado, hacia diversos testimonios de otros ex-combatientes en aquellos mismos acontecimientos. El enemigo musulmán es tratado como una fuerza invisible y amorfa. Disparan, pero apenas esbozamos algún retrato facial del contricante. Son solo una amenaza latente, de la que ignoramos causas o consecuencias.

Otro cartel promocional.

Otro cartel promocional.

Y todas estas experiencias individuales que el protagonista va recolectando, se convierten en una tragedia colectiva, la de los masacrados palestinos tras el asesinato de Bashir. Y en todo esto, los israelíes son simplemente testigos que no toman parte. Si esto es éticamente reprobable, puesto que aparecen como unos pobres desgraciados que solo cumplen con su cometido mientras que en la realidad son el demiurgo de toda la espiral de violencia acontecida en la zona desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Si esto, como digo, es peligrosamente partidista, lo verdaderamente malo del film es comprobar que toda esa visión individual se va diluyendo en un magma colectivo que ni resuelve, ni aclara, ni cicatriza traumas, ni nada de nada.

Los recuerdos cohibidos, por muy escondidos que estén, siempre nos estarán alimentando, siempre seguirán rondando en nuestra vida, y basta un pequeño incidente, un inoportuno trampolín, para que salten de nuevo a escena y nos llenen el cuerpo de cicatrices. Y esto es lo que Ari Forman nos ha contado. De una manera conmovedora, en una de las interesantes animaciones del 2008.

Al grano: Interesante propuesta, sin embargo su talón de Aquiles es mostrarte sólo una capa de un hecho tan complejo. Sin embargo, es recomendable.

* * * 1/2   / 5

Yo soy mi propia esposa

Yo soy mi propia esposa de Doug Wright con Héctor Bonilla

Yo soy mi propia esposa de Doug Wright con Héctor Bonilla

Charlotte von Mahlsdorf.

Charlotte von Mahlsdorf.

Está basada en la vida de Charlotte von Mahlsdorf, un extravagante personaje de Berlín del Este, conocido por coleccionar relojes, fonógrafos y muebles antiguos de la época de Wilhelm II. Von Mahlsdorf salió airoso de dos de los más opresivos regímenes del siglo XX (los nazis y los comunistas); mientras se mostraba abiertamente travestido. Creó un museo en Berlín, que aún hoy sigue abierto, donde salvaguardó los objetos de arte y el mobiliario que rescató de los embates de la segunda guerra mundial. Por este aporte al patrimonio cultural germano fue distinguido con la Orden Alemana del mérito luego de la caída del muro. Sus años finales fueron muy controvertidos debido a las acusaciones de complicidad con los Stasi (policía secreta alemana).

Explorando el conflicto sobre los sentimientos de Charlotte, Doug Wright produjo un dinámico y profundo trabajo que resultó un vívido retrato de la Alemania en la segunda parte del siglo XX, moralmente compleja.
En la obra, Wright viaja de Nueva York a Berlín para entrevistar a Charlotte y queda hechizado por su encanto y sus relatos sobre cómo logró sobrevivir a los maltratos de su padre.

“Yo soy mi propia esposa” bebe de varias fuentes; transcripciones de mis entrevistas con el sujeto; Charlotte von Mahlsdorf, que abarcan desde nuestro primer encuentro en agosto de 1992 hasta enero de 1994; cartas que intercambiamos hasta su muerte en el 2002, artículos publicados en diarios sobre su vida; archivos de los Stasi y míos personales”, señala respecto a la obra, Wright, su creador.

Entrar en la Piel de Lothar Berfelde,  enfrentar a un estricto régimen social de la Alemania de 1928 y a un implacable padre que le exigía ser soldado, no ha sido tarea fácil para Héctor Bonilla, es más; el tener que hablar con acento alemán y aprenderse de memoria los diálogos de 35 personajes para la obra YO SOY MI PROPIA ESPOSA ha hecho más interesante su reto.

La historia del monólogo ha sido premiada en numerosas ocasiones por muchos sitios del planeta, tal es el caso de Nueva York, donde recientemente obtuvo los premios Tony y Pulitzer, debido a su complejidad y todo lo que envuelve dentro de sí, tras abordar el caso de Charlotte von Mahlsdorf, quien hace años se convirtió en un héroe por su labor como protector del acervo cultural de la humanidad, además de ser un extravagante personaje de Berlín, quien salió airoso del régimen nazi mientras se mostraba abiertamente como travesti, situación que fue severamente criticada.

Con un teatro lleno, Bonilla, quien usó durante toda la obra un vestido negro, unos toscos zapatos y un collar de perlas, no necesitó más que unas sillas, vitrinas, relojes y otros muebles para ganarse los aplausos del público, incluso antes de comenzar su actuación.

Lo mejor: La poderosa actuación de Hector Bonilla. El buen trabajo de producción y traducción de la obra original.

Lo peor: No existe LO PEOR es uno de los mejores montajes mexicanos del año.

* * * * * / 5

Mi segunda vez

Mi segunda vez, The Rebound, Bart Freundlich, 2009

Mi segunda vez, The Rebound, Bart Freundlich, 2009

¿De qué trata?: Cuando Sandy (Catherine Zeta-Jones), una bella e inteligente mujer de 40 años descubre que su marido la traiciona con otra persona, se traslada a Nueva York con sus dos hijos para empezar una nueva vida. Un nuevo trabajo exigente la obliga a buscar una niñera y al final se lo propone a Aram, su nuevo vecino de 25 años, que todavía está intentando enteder que quiere hacer con su vida. Con el tiempo Aram y los niños establecen una fuerte relación. Ademas entre el y Sandy nace una innegable química.

Muy buena química entre Justin Bartha y Catherine Zeta-Jones

Muy buena química entre Justin Bartha y Catherine Zeta-Jones

El esposo Julianne Moore, Bart Freundlich, toma la batuta de este film que, con respecto al anterior, Trust the Man, es un agradable paso hacía delante pues mejora en estructura y contenido. Como siempre en el género, la advertencia de siempre: No esperen la obra maestra cinematográfica. Es solo una comedia romántica. Sin embargo el carima de Catherine y de Justin Bartha, la hacen muy especial. La película es agradable y sencilla, una mujer madura se conflictúa después de divorciarse y de no saber reaccionar ante la atracción con un muchacho joven, que es incluso, mucho más maduro que su ex esposo.

Al grano: Una comedia romántica interesante, bien construida y con personajes cercanos a la realidad. Además que de que Catherine se ve mucho más madura como actriz, esta propuesta es agradable para todas las personas.

* * * 1/2 de 5

Cinco días sin Nora

Cinco días sin Nora, Mariana Chenillo, 2008

Cinco días sin Nora, Mariana Chenillo, 2008

¿De qué trata?: Antes de morir, Nora elabora un plan para que José, su ex marido, tenga que hacerse cargo del velorio. Sin embargo, la única falla del plan, una misteriosa foto olvidada debajo de la cama, provocará un inesperado desenlace haciéndonos descubrir que las más grandes historias de amor se esconden en los lugares más pequeños.

“Cinco días sin Nora”, el primer largometraje de la directora Mariana Chenillo, es una comedia dramática con mucho humor negro que habla desde la relaciones afectivas hasta las discrepancias entre religiones. En esta cinta se compendian las diferencias sociales, raciales y religiosas dentro de un contexto económico neoliberal que comercia con todo y con todos y se critica por igual a todos los estamentos, incluyendo los ritos judíos y la frivolidad católica.

La directora es también la guionista de la película y su mérito consiste en haber presentado los personajes en forma tal que se produzca un caos permanente y una tensión creciente sin incurrir en situaciones trilladas y demasiado melodramáticas.
Por otro lado, uno de los puntos débiles de la cinta está en las escenas retrospectivas producto de los recuerdos de José con Nora, demasiado lacónico en sus explicaciones y poco trabajado en su estética pero el más notorio es el facilismo con que se llega al desenlace. Pero en conjunto, la película tiene tal poder de convocatoria y adhesión, que oculta sus defectos.

Al Grano: Sencilla y gran película que con pocos elementos se logra un excelente trabajo.

* * * * / 5

Sector 9

Sector 9, District 9, Neill Blomkamp, 2009

Sector 9, District 9, Neill Blomkamp, 2009

¿De qué trata?: Tras la llegada de una enorme nave espacial extraterrestre a Johannesburgo (Sudáfrica), a los alienígenas recién llegados a la Tierra se les obligó a vivir en condiciones penosas como “refugiados”, en una especie de campo de concentración construido en las afueras la ciudad. Todo empezó unos veinte años atrás, cuando los extraterrestres tomaron el primer contacto con nuestro planeta. Los humanos esperaban un ataque hostil, o un gran avance tecnológico de la raza alienígena. Pero nada de ello sucedió. Los propios extraterrestres eran refugiados de su propio mundo. Sin saber bien que hacer, se confinó a los alienígenas en un campo de refugiados, el “Sector 9”, hasta que las naciones del mundo decidieran qué hacer ante la nueva y extraña situación.

Sector 9 es una película poderosa, pues a diferencia de otras películas de extraterrestres esta es demasiado humana y te hace temer más al propio humano corrupto que al mismo ser ajeno al planeta. Se apoya en una metáfora política de efecto inmediato y quizá poco profunda, pero su formulación es virtuosa, ofrece un auténtico documental de la Johannesburgo actual. Como buena película de ficción la violencia y la crueldad empapan la pantalla y el protagonista es patéticamente ingenuo y torpemente malicioso.

Alejada de todos los clichés de la ciencia-ficción, creo que por fin han sacado un producto serio, con un guión más que coherente. Una película que además de entretener, profundiza en males endémicos de la raza humana. Ya que, tras veinte años en la tierra, los extraterrestres se humanizarán, y eso hará más evidente el dolor que te causa el trato que reciben. Las dosis de acción, llegan a ser pesadas por momentos pero la calidad de su factura hará menos molesta esa carga. Todo ello con algunos toques críticos hacia la discriminación y la segregación que bien podrían relacionarse con la era del apartheid sudafricano y las distintas revoluciones y resistencias derivadas.

Sólo para uso humano....

Sólo para uso humano....

El argumento es curioso, comienza como un pseudo-documental para luego ir entrando claramente dentro del thriller de ciencia ficción con mucha acción y desbordante despliegue de efectos especiales muy bien conseguidos. Por ende es un filme que además de desplegar un enérgico ritmo narrativo, de cautivar desde lo estético con sus logrados efectos visuales, de entretener con una historia llamativa y original, de sorprender con el interesante trabajo interpretativo de un actor desconocido como es Sharlto Copley, de tensionar con el caótico y ampuloso manejo de cámaras para dar hiperrealismo al relato… además de todo ello la cinta deja de trasfondo bastantes conceptos reflexivos mediante esa original “humanización” del maltrato hacia los extraterrestres que son “refugiados” en una especie de campo de concentración.

Pero no queda ahí la cosa, ya puestos en situación respecto a la relación entre humanos y alienígenas, transmitido el mensaje de la cinta, todavía nos queda una segunda parte repleta de acción y sorpresas. Secuencias que la asemejan cada vez más a cualquier blockbuster americano, sin perder por ello un ápice de calidad ni fuerza narrativa. Treinta millones de presupuesto perfectamente aprovechados.

Al grano: Trabajo original, y distinto a lo que estamos acostumbrados a ver siempre en pantalla, “Distrito 9” reinventa el género de ciencia ficción y se convierte, por méritos propios, en una de las cintas más interesantes de este 2009. Una clara muestra de que el ser humano siempre tiende a apartar lo desconocido en lugar de solucionar, integrar o comprender.

* * * * 1/ 2 / 5

Coco antes de Chanel…

Coco antes de Chanel, Coco avant Chanel, Anne Fountaine, 2009

Coco antes de Chanel, Coco avant Chanel, Anne Fountaine, 2009

¿De qué trata?: Se centra en los años de aprendizaje de la gran diseñadora de moda y demuestra como una joven de una familia muy modesta, autodidacta pero dotada de una personalidad excepcional, llega a ser un símbolo de éxito y libertad, creando la imagen de la mujer moderna después de haberlo sido ella misma.

Muy buenos los detalles técnicos...pero sosa en fondo.

Muy buenos los detalles técnicos...pero sosa en fondo.

Teniendo en cuenta la época, y muy especialmente el mundo en el que se adentra, la moda, dominada mayoritariamente por hombres, la aparición de esta jovencita francesa supuso todo un acontecimiento, y un verdadero hito ver el cielo hasta donde fue capaz de volar. Pero no es el mundo de la moda ni sus entresijos lo que se cuenta en esta película, sino más bien los orígenes de esta niña huérfana de madre, y la manera en que se fue abriendo camino a base de ingenio y mucha personalidad.

En este sentido, nos encontramos con una historia ya tratada con anterioridad en cine y novelas, en torno al duro recorrido de una persona desde la humildad hasta la popularidad, desde la discreción hasta la leyenda. No hay por tanto en este aspecto innovación, ni lo hay tampoco en la manera de contar la historia. Por desgracia la película es bastante plana en el terreno dramático. Sólo cuenta los comienzos desde que actúa en un cabaret de segunda fila. Esta desaprovechada de principio a fin. Es aséptica, omite cualquier escena comprometida, no tiene ritmo. En ningún momento se aprecia la evolución profesional. No sabemos por qué tiene ese poder de fascinación. Lo único que la hace especial es que viste de manera diferente.

La película no capta la poderosa escencia de Coco Chanel

La película no capta la poderosa escencia de Coco Chanel

El montaje la hace más lenta de lo que es. Es inevitable compararla con “La vie en rose“, biopic de Edith Piaf, otro de los mitos franceses del siglo XX. ¡Qué diferencia!. En ella sacaban el máximo partido, vaivenes emocionales, pasión, decepción, etc. Todo lo que le falta a esta Coco desangelada.  Es una lástima porque Audrey Tautou ha demostrado sobradamente que es una gran actriz, aparte de tenernos omnubilados por su encanto y su belleza. Pero lo cortés no quita lo valiente, y la peli no funciona, posiblemente no por ella sino por la remilgada, austera y parca dirección de Anne Fontaine. Audrey, ¿qué te han hecho?

Al grano: La película es bonita pero falla en fondo y estructura. Te queda con el sabor de que pudo haber sido mejor.

* * 1/2  /  5

Identidad Sustituta

Identidad Sustituta, Surrogates, Jonathan Mostow, 2009

Identidad Sustituta, Surrogates, Jonathan Mostow, 2009

¿De qué trata?: Ambientada en un mundo futurista donde los humanos viven aislados en interacción con robots, un policía (Bruce Willis) se verá forzado a abandonar su hogar por primera vez en años para una investigación. Todo comienza cuando dos agentes del FBI (Willis y Radha Mitchell) son asignados para investigar el misterioso asesinato de un estudiante universitario relacionado con el hombre que participó en la creación del fenómeno high-tech de los sustitutos, que permiten a la gente comprar versiones perfectas de sí mismos -en buena forma, guapos, y controlados por control remoto-. Estas máquinas perfectas acaban asumiendo sus roles vitales, de modo que la gente puede experimentar la vida a través de otro cómodamente sentados en el sofá de su casa. El asesinato pone de manifiesto una cuestión: en un mundo de máscaras ¿quién es real y en quién se puede confiar?

Se ha comentado en múltiples ocasiones en referencia a este género que aquellas obras que, presentando una paradoja o una anomalía física o biológica (ciencia), situada en un lugar y un tiempo determinado para narrar una historia en función de unos personajes (ficción), alcancen la reflexión, generalmente sobre la condición humana (filosofía).La tendencia pesimista (con cierre optimista, claro) del cine de este milenio referente al ser humano, no escapa a Identidad Sustituta, que si bien no muestra el Apocalipsis de nuestra especie como especie viva, sí lo hace como especie humana: la máquina vence al hombre, porque el hombre quiere ser máquina.

 El apoyo que ofrecen unos buenos efectos especiales al argumento científico (que resulta convincente cuanto mayor sea el equilibrio entre la imaginación y la verosimilitud), no es suficiente para salvar los papeles a esta producción, que no consigue que sus buenos detalles sean algo más que meras anécdotas en el guión.Toda la perfección humana ¿Qué es lo que puede salir mal? El gancho de ficción viene gracias a un Willis ensangrentado y atormentado que tiene que salvar la vida a un numeroso grupo de seres humanos, no sólo a unos cuantos si no a toda la raza humana. El umbral, o mejor dicho, el hueco que se forma entre nuestro conocimiento limitado y los hechos que acontecen ante nuestros ojos, abre las puertas a la divagación, la exposición de teorías, la formulación de incógnitas. Es la parte más jugosa para el guionista y el escritor. Por desgracia, Jonathan Mostow reduce este jugo a unas lágrimas en un par de personajes y unas cuantas críticas sin dirección a la sociedad de plástico y videojuego. Ni siquiera consigue conmover en su oda a la belleza de la imperfección.

Así que al final la película es una paradoja en sí misma: una crítica a la falta de inquietudes del ser humano, a la mecanización de la sociedad, a la imagen como referente social, realizada con un cine estético, robotizado y mecánico como el que más, al que le faltan todas esas inquietudes que nos parece recriminar.
Al grano: Intento reflexivo que queda en mero entretenimiento palomero.
* * * / 5

Inglorious Basterds….

Inglorious Basterds, Bastardos sin gloria, Tarantino, 2009,

Inglorious Basterds, Bastardos sin gloria, Tarantino, 2009,Resúm

Resumen de la crítica enviada a LA VERDAD para el 11 de octubre.

¿De qué trata?: Durante la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados judíos para tomar represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “The Basterds”, los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreto que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse…

Quentin Tarantino tiene un gran poderío cinematográfico que trenza, sobre diferentes tonos y géneros, un historial fílmico cuya personalidad supera el conjunto que ofrece el mosaico de referencias. No se trata de una conexión directa con el género o el filme, sino el talento y estilo propio del cineasta que se impone estableciendo una nueva visión dimensionada del autor. Es así que Bastardos sin gloria es un filme puramente tarantiniano cuyos orígenes quedan borrados y ametrallados por la cinefilia y la genialidad.

Tarantino realiza su narración mediante capítulos, desgranando situaciones y sucesos que, poco a poco, conformarán un todo hasta desembocar en un final muy coherente y bien atado que transgrede la historia reconstruyéndola mediante una pantalla de cine. Todos los capítulos mostrados forman una unidad perfecta, es delicioso ver los diferentes estilos remezclados y que da enorme riqueza al contenido como los muchísimos detalles que contiene y que seguro se valorarán mejor en posteriores revisiones.

Mélanie Laurent, muy buena actuación...

Mélanie Laurent, muy buena actuación...

Los diálogos, las interpretaciones, las referencias cinéfilas y las esporádicas incursiones de la violencia, en brutales estallidos que consumen y aderezan un dramatismo producido sin prisa alguna, constituyen las herramientas de un director que, con Bastardos sin gloria ha creado una de las películas más interesantes y audaces de los últimos años. Tarantino ha vuelto a demostrar que no hay en él nada conformista y que continúa renovándose a sí mismo, evitando resultar plano y predecible.

Bastardos sin Gloria exhibe a uno de los villanos más maquiavélicos de la historia del cine, el coronel Hans Landa, que construye en la comienzo el leitmotiv de toda la cinta: un simple disparo puede cambiar toda una guerra como si de un efecto mariposa se tratase. No sólo es una representación conocida del concepto del azar sino del conocimiento personal y las experiencias. Es significativo el juego de idiomas en el guión y el pasado que arrastran los personajes como los actos que desencadenan.

La recreación de la Segunda Guerra Mundial no es un retrato de las trincheras, ni del campo de batalla sino de pura negociación (las situaciones en todas las secuencias se resuelven siempre así).

Gran actuación de Christoph Waltz

Gran actuación de Christoph Waltz

Al grano: Bastardos sin gloria es un monumento cinematográfico a la historia del cine. Un acto de amor brutal, combativo y suicida donde la ficción se mantiene de la mano de una realidad que ha impactado a la humanidad.

* * * * * / 5