La edad del deseo, Chèri.

A principios del siglo XX, París es el centro del mundo. Los artistas, la moda, el teatro, la música… y las cortesanas, esas mujeres tan bellas y experimentadas en el arte del amor que llegan a ser mantenidas con gran confort por los hombres poderosos de la época. Léa de Lonval (Michelle Pfeiffer) es una cortesana que ha conseguido llevar una vida agradable y ya no ejerce como tal. Una mañana va a desayunar con su antigua compañera Madame Peloux (Kathy Bates), que acude acompañada por un joven que resulta ser su hijo, Chéri (Rupert Friend), como ella le llama. Madame Peloux tiene grandes proyectos para él, pero Chéri debe convertirse primero en un hombre. Le pide a Léa que le enseñe, ella acepta y lo que comienza siendo un travieso flirteo se convierte en un apasionado amor que dura seis años. Pero la madre, Madame Peloux, planifica en secreto el matrimonio de Chéri con Edmée (Felicity Jones), la hija de otra cortesana rica, Marie-Laure (Iben Hjejle). Al acercarse la inevitable separación, Léa y Chéri intentan afrontar lo mejor posible la difícil situación, pero cuanto más tiempo pasa más conscientes son de que el amor que les une tiene unas raíces muy profundas.

Chéri es un producto de artesanía agradable, técnicamente academicista donde su principal tropiezo reside en un guión que no se decide entre la alegoría romántica y el drama decadente. Maravillosa Pfeiffer, imposible no enamorarse por última vez de la actriz más bella de los últimos 25 años, y que ahí está, dándolo todo en este papel que es casi un cierre a su carrera como actriz puramente romántica.

Stephen Frears hace un buen trabajo. Se ve que el proyecto no tenía mucho dinero y por ello los ceñidos planos en exteriores, muy comprensibles en este tipo de producción. Escenarios y vestuarios, notables.

Sin embargo, el guión es su mayor problema y es que la historia se vuelve lenta y pazguatona. Las imágenes son impecables pero el trazo lineal se siente cansada y torpe.

***/5

Te amaré por siempre

Te amaré por siempre, The Time Traveler's Wife, Robert Schwentke, 2009

¿De qué trata?: Un drama romántico acerca de un librero de Chicago (Eric Bana) con un gen que le causa involuntarios viajes en el tiempo, con las complicaciones que ello le causa en su matrimonio.

Rachel McAdams y Eric Bana lucen una agradable química.

Esta película es agridulce. Pareciera más cercana y real a todos nosotros, de lo que el título y la temática podrían dar a entender. Más en la línea de “Pide al tiempo que vuelva” que en la clásica temática de viajes en el tiempo, resulta para los que gustamos del genero, en la antitesis de “El efecto mariposa”. En este sentido, el mensaje primordial de la cinta es el disfrutar el aquí y el ahora. Y además, una dulce fantasía sobre el transitar las etapas del duelo a una dulce aceptación. Finalmente propone una elegante solución al problema de la paradoja del tiempo, que se ha esgrimido como una incongruencia en la mayor parte de estas cintas.

Adaptada de la novela "La esposa del viejero del tiempo" de Audrey Niffenegger

Así en frío, la idea me parecía algo rara y rebuscada como para interesarme más, pero cuando vas viendo la película y te metes en la historia, entras en el juego y te la crees y haces normal todo lo que va pasando, como si tuviese sentido y todo. Es una película muy romántica, con moraleja («vive el momento»), con bellos y correctos protagonistas y una producción muy cuidada.

Sin embargo, quedan huecos en la explicación del gen y hay algunas escenas un tanto forzadas para su entendimiento.

Al grano: Singular historia de amor que te deja un sabor de boca muy grato a pesar de sus pequeños defectillos inherentes al género.

* * * 1/2 /5

Recuerdos de un tonto

Recuerdos de un tonto, Flashbacks of a fool, Baillie Walsh, 2008

¿De qué trata?: Joe Scot (Daniel Craig) es un actor británico cuya carrera en Hollywood comienza a caer en picado cuando cumple cuarenta años. Cuando un amigo de la infancia muere, regresa a casa para el funeral y comienza a rememorar su pasado.

El film empieza con Daniel Craig abandonado a los placeres hasta el punto de poner en peligro la razón que le proporciona todo ese bienestar. Una llamada, un amigo ha muerto en su Inglaterra natal, pero tampoco eso lo decide a viajar. Todo va tan mal que decide suicidarse, pero sólo es capaz de dejarse llevar por la corriente. Cuando es rescatado de sus derivas, entonces decidirá emprender un camino en el que reescribir en la medida de lo posible su rastro de indolencia. Principio del flashback. el joven Joe es un muchacho al que las cosas se le dan fáciles. Vive en un lugar humilde, pero sereno y agradable. Su belleza le acerca a las mujeres más deseadas y sólo tiene que dejarse llevar para que su vida sea tan buena como él hubiera querido que fuera de haberse detenido a pensar. Pero en uno de esos erráticos golpes de mar, Joe se ve envuelto en una terrible situación que, para no variar, no es capaz de afrontar.

La película me ha parecido interesante, me ha gustado la caracterización de un personaje que es tonto, no por decir estupideces, si no por dejarse llevar a la deriva hasta tal punto que ha olvidado lo que es enfrentarse a la vida.

Me ha encantado el uso del score en todo el film (score de Richard Hartley), así como la fotografía a cargo de John Mathieson. La actuación de Daniel Craig es notable.

Al grano: Película que luce el talento de Craig como actor dramático, que aunque sea pequeña, cumple con hacernos reflexionar lo que dejamos atrás por los placeres de la vida

* * * 1/2 / 5

Un poco de gusto visual por Daniel Craig

Caminando sobre el agua – review para PueblaGay.

Caminando sobre el agua, Walk on water (Lalehet al hamayin), Eytan Fox, 2004

¿De qué trata?: Eyal(Lior Ashkenazi) es un “liquidador” profesional del Mosad, el servicio secreto israelí. Le encargan que localice a Alfred Himmelman(Ernest Lenart), un ex oficial nazi que, al parecer, sigue vivo. Eyal espía a Pia(Caroline Peters), la nieta de Himmelman, que se ha mudado a Israel después de romper con su familia en Alemania. Eyal se hace pasar por guía profesional y aprovecha que Axel(Knut Berger), el hermano de Pia, ha ido a Israel, para enseñarle Jerusalén y las orillas del mar Muerto. Aunque los dos hombres tienen personalidades muy diferentes, Eyal, el tío duro por excelencia, se deja conquistar por las ideas liberales y el inagotable entusiasmo del joven Axel. Una incómoda tensión se instala entre los dos hombres cuando Eyal descubre que Axel es gay. Axel regresa a Alemania, pero el Mosad sospecha que Himmelman podría salir a la luz para asistir a la fiesta de cumpleaños del padre de Pia y Axel. Eyal se marcha a Alemania donde debe ver a Axel para saber más acerca de la familia. Eyal, el asesino profesional, más vulnerable desde la muerte de su ex mujer, deberá descubrir y enfrentarse a algunas verdades sobre sí mismo…

Axel, Pia y Eyal

Ésta es a tercera película del director Eytan Fox, que nació en EEUU y emigró a Israel con sus padres cuando tenía dos años. Es la primera que llega a nuestro país. Fox es también responsable de Yossi & Jagger y The Bubble…

El discurso narrativo de Fox muestra las secuelas del Holocausto que todavía perduran en Alemania e Israel, invoca la necesidad de superar viejos prejuicios anacrónicos y la asunción de la cultura de la comprensión, la tolerancia y el respeto mútuo. También se ocupa, con dolor, del donflicto que enfrenta a judíos y palestinos. Trata, además, de las relaciones entre hombres heterosexuales y homosexuales. La agresión de cuatro «drag queens» agredidos por un grupo neonazi en los pasillos del metro en Berlín mueve a Eyal a intervenir hasta poner en fuga a los agresores. Muchas cosas han cambiado ya en él y muchas pueden y deben cambiar en Alemania, Israel y Palestina.

Dosis de acciòn con un poco de drama reflexivo...

La trama oscila entre el thriller, en el que el «cazanazis» (oculto bajo la apariencia de guía turístico) debe averiguar el paradero (si es que vive) del abuelo del joven alemán (que está en Israel, visitando a su hermana Pia, «retirada» voluntariamente en un Kibutz, porque en su día descubrió que su familia le había mentido acerca del pasado), y una especie de «drama costumbrista», en la que la convivencia temporal entre los dos personajes les va a permitir conocerse mutuamente, pulir sus diferencias y salvar ese abismo que parecía infranqueable entre dos personalidades aparentemente incompatibles. Así Fox se permite reflexionar acerca de las diversas visiones sobre la familia, la religión, la cultura, aspectos geopolíticos y psicológicos, como la culpabilidad, la responsabilidad, etc, apostando por una mirada humana sin dejar de ser crítica. Al mismo tiempo se nos brinda la posibilidad de ver bonitas estampas de ese país, como el Mar de Galilea, el Mar Muerto, Jerusalén, etc, todo ello bien aderezado por la excelente banda sonora a cargo de Ivri Lider.

Eytan Fox

Caminando sobre el Agua, es un magnifico ejemplo de convivencia entre el judío (obsesionado) y el alemán (avergonzado), dónde cada uno aprende del otro, de su forma de vida, de comprender el pasado, de seguir viviéndolo o tratar de redimirlo. Sin caer en la exageración y el abuso de situaciones de discriminación a lo largo de la película, hacen un trabajo minucioso y destacado de otros de su misma temática. Trata de que los pueblos no se reputen por las acciones de algunos y que los errores del pasado no interfieran con la posibilidad de conocer nuevas convicciones.

Al grano: Interesante mezcla de melodrama clásico e intriga política que explora, con suma sensiblidad, la posibilidad de una auténtica amistad.

* * * * / 5

Hancock – Fate doesn’t decide everything. People get to choose.

Hancock, Peter Berg, 2008

¿De qué trata?: Hay héroes, hay superhéroes… y luego está Hancock (Will Smith). Un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Todo el mundo lo sabe. Todo el mundo, menos Hancock. Insatisfecho, atormentado, sarcástico e incomprendido, las acciones heroicas y bienintencionadas de Hancock cumplen su objetivo y salvan muchas vidas, pero siempre provocan unos tremendos desaguisados. La población ya no puede más y, aunque está agradecida de tener a su héroe local, los buenos ciudadanos de Los Ángeles se preguntan «qué es lo que han hecho para merecer a este tipo». Hancock no es alguien al que le importe lo que piense la gente, hasta el día en que salva la vida de Ray Embrey (Jason Bateman), alto ejecutivo de una empresa de relaciones públicas. Y es entonces cuando el impopular superhéroe se da cuenta de que, al fin y al cabo, tiene un lado vulnerable.

Buen arranque, mal seguimiento...

La verdad es que una historia que cuente acerca de un superhéroe que no es querido, no es tan innovadora…pero si en esta historia al superhéroe tampoco le importa esto, entonces es completamente distinto, y ESA es la historia que iba a convertir esta película en una obra maestra. PERO al final el guionista opta por una historia completamente distinta que prácticamente anula totalmente la primera. Empieza fenomenalmente bien, y te echas unas risas viendo a tan calamitoso personaje meter la pata una y otra vez empapado en Whisky y causando todo tipo de destrozos.

Mantiene durante bastante rato un ritmo muy alto y divertido hasta que de pronto el guionista se mete en un agujero del que ya no sabe salir, te empiezas a aburrir y finalmente te importa un bledo todo lo que está pasando. La media hora final se puede calificar hasta de horripilante, pierde totalmente la gracia y hasta resulta bastante absurda, muy por debajo de los primeros 45 minutos.

Charlize Therón cumple con un personaje importante para Hancock

No obstante es una entretenida peli para pasar el rato y sobre todo divertirse en su primera hora, y quizás es con lo que debamos quedarnos. El resultado es un típico producto veraniego en el que destaca la torpeza del director a la hora de transitar a su personaje principal de vagabundo a superhombre como esa forma que tiene de hacer avanzar la historia hacia su espectacularmente absurdo final no sólo sin desarrollar una mitología rigurosa o lógica, sino reescribiendo constantemente sus propias reglas narrativas y dramáticas.

Hancock está perdido, no se encuentra a si mismo, no sabe quién es. Sólo sabe que tiene unos poderes increíbles y esto le convierte en un gamberro peligroso, falto de cariño y sobre todo de sentido en la vida. El personaje es simpático, Will Smith lo es, y cae bien haga lo que haga. No es una comedia al uso, ni un drama tradicional, ni una película de acción convencional, no encuentra, diría yo, una clasificación clara dentro de un género. Hancock, no es ni un Spiderman ebrio, ni un Superman tarado, quiere ser él mismo, distinto a todos. Si descartamos los efectos especiales, que son inmejorables como en cualquier película actual, nos quedamos con una cinta de muchas pretensiones pero pocos logros. Un héroe distinto que manifiesta su desagrado hacia los uniformes de los superhéroes clásicos juzgándolos como ridículos pero se cuida bien de no mencionar a los superhéroes consagrados. Su propio uniforme, una vez que acepta embutirse dentro de él, le parece demasiado ajustado. Fuerza un final feliz rescatando de la muerte a los dos protagonistas cuando el fin natural hubiera sido el sacrificio de uno de los dos.

Al grano: No es la gran película de Superhéroes. No viene precedida por una gran (ni pequeño) comic. Le falta un poco de fuerza y se hace corta. Pero al final es una película fresca y entretenida.

* * / 5

Película de la semana de Puebla Gay: Una casa al final del mundo..

Una casa al final del mundo, A home the end of the world, Michael Meyer, 2004.

¿De qué trata?: En 1967, Bobby es un niño de nueve años muy sensible que observa los años 60: su mensaje de amor y libertad parece embargarle por completo. A principios de los 70, una súbita tragedia deja a Bobby sin familia. El niño establece una relación especial con Jonathan y la madre de éste, Alice (Sissy Spacek), quienes ofrecen a Bobby refugio y un renacido sentimiento de estar vivo. La amistad entre Bobby y Jonathan se extiende a lo largo de los años hasta la década de los 80 en la ciudad de Nueva York, un lugar donde la gente está constantemente rehaciéndose y redefiniéndose. Allí, Bobby (Colin Farrell) conoce a Clare (Robin Wright Penn), la pintoresca compañera de habitación de Jonathan (Dallas Roberts) cuyo reloj biológico suena con fuerza, alterando ya para siempre el destino de Bobby y complicando en adelante su relación con Jonathan. La trayectoria de este trío completa la película cuando los tres exploran nuevos territorios, deviniendo pioneros en un terreno virgen.

Esta película con buenos sentimientos respecto del ser humano contemporáneo, retrata la vida a priori desgraciada de un muchacho que pierde a su familia, pero es adoptado rápidamente por otra que necesita amor. Todo ello ocurre en los EEUU de los sesenta, con una cierta relajación moral respecto a las formas de amar y las drogas.

 Una historia dura, pero también dulce. Sentimental, pero también violenta en un sentido metafórico cuando del alma humano se trata. La violencia de la vida, de los sueños frustrados y de un vacío que cada vez parece más cerca de nosotros y en el que, inexorablemente, acabaremos cayendo.

Destaca Colin Farrell

«Una casa en el fin del mundo» es la historia de un muchacho que busca su sitio en el mundo y para ello solo reparte amor allá por donde va, Colin Farrell ha sabido plasmar la intensidad y dulzura necesaria al personaje para que asi fuera. Cabe destacar tambien la actuación aunque en segundo plano de Sissy Spacek  una madre adelantada a su tiempo quien pasa a ser un pilar muy importante en la vida de Bobby.

Está basada en la novela de Michael Cunningham, escritor de «The Hours» y «Pasión al atardecer«. Si bien no llega a ser tan visceral y apasionante que Las horas, esta película se queda con el estudio de la necesidad de amor que necesitamos. La historia te va llevando de la mano y al final el buen tratamiento de la historia sobre el SIDA te da un interesante revez de cuan dura puede ser la vida, enfrentando pérdidas, amores y muchas alegrías.

Al grano: Película sentimental y delicada donde detaca sólo el amor, más allá de las formas convencionales o habitualmente más canalizadas de expresarlo.

*  *  *  1/2  / 5

let’s talk about sex…. Kinsey

Kinsey, El Científico del sexo, Kinsey, Bill Condon, 2004

¿De qué trata?: Alfred Kinsey(Liam Neeson) fue un hombre que, en 1948, cambió la cultura Americana creando una gran sensación con su libro «El comportamiento sexual en hombres varones». Con él consiguió que cientos de personas se preguntaran sobre los aspectos más íntimos de sus vidas, aumentando la duda y la vergüenza en una sociedad donde el sexo era algo prohibido. Su trabajo se convirtió en uno de los debates más intensos del siglo pasado. Esta es su historia.

Alfred Kinsey (1894 - 1956)

Alfred Kinsey, A partir de unas 18.000 entrevistas personales, publica dos obras: «El comportamiento sexual en el hombre» (1948) y «El comportamiento sexual en la mujer» (1953). La primera dio lugar a reacciones de protesta y la segunda provocó escándalo y denuncias de corrupción de las costumbres. Las dos obras, entre otras muchas cosas, establecen los porcentajes de personas que practican relaciones extramatrimoniales, prematrimoniales, homosexuales, orales, etc. Afirmó que la masturbación no es causa de ceguera ni es una perversión, que la homosexualidad no es una enfermedad. No habló de conductas normales/anormales, sino de conductas frecuentes/no frecuentes. Habló del imperativo de la sexualidad biológica, de la singularidad sexual de cada persona y de las consecuencias observadas de la represión sexual.

La acción tiene lugar entre los primeros años del XX y los 50. Kinsey, que nace en 1894 y fallece en 1956, estudia en New Jersey, Maine y Harvard. Ejerce el magisterio en la Universidad de Indiana. Especializado en entomología, realiza un estudio exhaustivo y modélico sobre la avispa de agalla. A partir de 1938 dirige una amplia investigación sobre la conducta sexual de los seres humanos. Estudios posteriores no han contradicho las tesis de Kinsey, aunque las han matizado y mejorado. La película muestra el error de Kinsey al establecer en la comunidad de investigadores la utopía de las relaciones sexuales libres, múltiples y cruzadas. Reconoció las limitaciones de su investigación, que no explica los arcanos del amor. Es reconocido, con elogios de unos y críticas de otros, como el desencadenante de la revolución sexual americana y europea de los 60.

Interesante actuación de Liam Neeson

La música incluye una partitura original que resalta el espíritu tranquilo y fuerte de Kinsey. La fotografía hace uso frecuencte de colores matizados, incluye escenas de juventud en b/n y exalta la luz sombría del bosque. El guión glosa la figura de Kinsey con objetividad y sin apologías. Las escasas referencias temporales pretenden destacar la actualidad de la obra. Las interpretaciones de Neeson, como protagonista, y Laura Linney, como la esposa enamorada (Clara Bracken McMillen) son excelentes. La dirección construye una narración bien documentada, de gran interés.

Al grano: Biopic de un personaje clave de la historia contemporánea. Controvertido y difamadado, ha contribuído a la liberación y normalización de la vida de muchos, especialmente personas reprimidas, marginadas y proscritas.

* * * * / 5

El beso de la mujer araña…

El beso de la mujer araña - 1985

¿De qué trata?: En una prisión latinoamericana, Molina –William Hurt– le cuenta a su nuevo compañero de celda, Valentín –Raul Julia-, su historia favorita. Molina es un homosexual encarcelado por seducir a un menor. Valentín es un revolucionario que todavía sangra por los interrogatorios…

Sin lugar a dudas, un clásico del cine independiente… El beso de la mujer araña es más que la historia de un homosexual. Es la historia de dos seres  humanos diferentes que logran converger en un mismo lenguaje.  Es una historia que por demás fascinante y bien trazada.  Hector Babenco dirige con sobriedad esta lírica y trágica historia, bella y desgarrada, que debería de ser visionada simplemente por ver dos de las mejores interpretaciones de sus protagonistas, unos antológicos William Hurt y Raúl Julia, en el que son capaces de mostrar casi todas las emociones humanas posibles, una clase de interpretación en estado puro.
Está basada en una obra literária que el escritor Manuel Puig terminó en 1976. Esta novela también se convirtió en una comedia musical de gran éxito en Broadway en 1983, en una ópera con música del alemán Hans Werner Henze y en una obra de teatro escrita por el propio Puig.

Es de esas cintas que siempre recuerdas por el impacto de su fuerza interpretativa y el desarrollo del planteamiento de ese amor con mayúsculas. Amor que se plantea en una celda cochambrosa y tercermundista de una cárcel sudamericana, entre dos personajes diametralmente opuestos (uno tosco, violento, machista, homófobo, activista revolucionario, etc. y el otro sensible, valiente, homosexual con mucha pluma, compañero solidario, entregado ) y que sino hubiese sido por la humillación cotidianamente sangrante de estar en una cárcel de este inmundo nivel, donde todo lo humano que les rodeaba brillaba por su ausencia, este maravilloso cóctel hubiera sido inimaginable.

Al grano: Pequeña gran obra clásica del cine independiente que merece una relectura en diversos niveles.

* * * * */ 5