Las Buenas Hierbas, entrevista a María Novaro y Úrsula Pruneda

Las buenas hierbas, 2009. Dir. María Novaro

c7_hierbas2 La Universidad de las Américas, Puebla bajo el sello del Cineclub de las Américas invitó a la directora María Novaro a presentar en la ciudad de Puebla su más reciente película llamada “Las Buenas Hierbas”, acompañada de la actriz Úrsula Pruneda. La rueda de prensa organizada por la institución sirvió de contacto con la directora quien habló de la experiencia de realizar una cinta con muchos emblemas y símbolos. Una película con muchísimas texturas y mucha viveza de color.

Las Buenas Hierbas” es una película que habla sobre la vida, el tiempo y la memoria. A través de Dalia somos testigos de cómo enfrentar una cruel enfermedad, el Alzheimer. Novaro hila una historia donde nos simboliza la importancia de vivir y la relación que generamos con las plantas. En esta cinta, la herbolaria adquiere un valor protagónico al ser la clave que une al hombre con una filosofía de vida ancestral, con una perspectiva hacia el principio más básico, somos todos, un elemento más en la naturaleza, las plantas no son adorno si no también son nuestros acompañantes y sus propiedades naturales son de suma vitalidad para todos.

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Una cinta bastante naturalista, “Las buenas hierbas” es un ejemplo claro de la actual cinematografía nacional; Novaro escribe una historia que los actores van encarnado de una manera autónoma, el actor no es una marioneta dentro de la función de la dirección, sino se vuelve una pieza en el engranaje. “No adquiere un valor más importante, todo es un trabajo en equipo” comentó Pruneda en este evento. Sin embargo, es la imagen que adquiere un simbolismo especial, es interesante la relación que existe entre la estética, la música y la fotografía, pues da la película una tonalidad rica en texturas y matices.

Esta es la cinta más personal que María Novaro ha realizado. Sus anteriores trabajos “Lola” (1989), “Danzón” (1991), “El jardín del Edén” (1994) y “Sin dejar Huella” (2000) han recorrido diversos festivales, y esta cinta, no es la excepción. En el Festival Internacional de cine de Guadalajara le significó 8 premios a la cinta, incluyendo el premio a la mejor actriz Úrsula Pruneda.

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A mi gusto personal es una cinta bastante fresca que se agradece entre tanta cinta nacionalista es una historia que viene a plantear un dilema de vida bastante complejo, y que con un buen manejo de dirección, Novaro regresa a la cinematografía nacional con una buena cinta. Además, la cinta goza de la mejor actuación en los últimos trabajos que le he visto a Ofelia Medina y un gran personaje de reparto interpretado por Ana Ofelia Murguía.

En esta visita Novaro aprovechó para darle una plática a los alumnos de Ciencias de la Comunicación de la UDLAP sobre las diferentes etapas en las que ella desarrolla un guión. Por lo que esta visita no sólo es para traer su arte a la capital Poblana sino para también acceder a un ambiente universitario para ofrecernos su experiencia en la cinematografía.

Esto fue lo que María Novaro comentó en esta plática:

2050_1231novaro_pruneda_plati0003 Una de las directoras que han explorado la feminidad y su relación con la otredad es María Novaro que con películas como “Danzón” (1991) y “Las Buenas Hierbas” (2010) han definido un estilo narrativo bastante natural al ejercer un estudio sensorial sobre las relaciones humanas. En este caso, alumnos de la Universidad de las Américas, Puebla del curso de guionismo asistimos a una plática donde la directora nos brindó algunas técnicas propias para poder escribir historias apasionantes donde el principal elemento es tener una mirada abierta a lo que sucede en nuestro alrededor. Hay que estar alertas con las conexiones que ofrece la vida.

            Para Novaro es necesario tener un espectro abierto, observar todas las texturas y sensaciones que nos afectan como seres humanos. Una historia es más que una problemática es comprender todo el conjunto de relaciones y redes que se van tejiendo son producto de cuasalidades y casualidades. La magia del cine está en poder capturar estas redes a base de descubrir las miradas, las miradas que con una expresión tienen la fuerza de narrar, de contar una sensación, de dar vida a un hecho. “El cine es un juego de miradas y el director es un orquestador de estos juegos, el espectador de sienta en la butaca para ver la vida del otro…” comentó Novaro.2050_1231novaro_pruneda_plati0012

             Dentro del proceso con el que Novaro trabaja está el pasar por tres fases en la construcción del guión. En la primera fase, la escrita, se da el paso de crear la historia a grandes rasgos, sustentarla; ir navegando y analizar a dónde se espera uno como creador llegar. En la segunda fase viene un proceso donde todo el equipo de trabajo de la cinta aporta ideas, los actores no adquieren un peso protagónico si no que tienen claro que son la imagen externa, pero que sin su trabajo el cine no tendría magia. Aquí los creativos que conformar la dirección de arte y la fotografía cambian aspectos en el guión y realizan otros que brindan más texturas o ejes que no estaban previstos en el guión principal pero que dan aporte de ideas. En la tercera parte, se da una edición, donde insertar imágenes que se ha grabado, elementos que se obtuvieron, etcétera.

            En todos los procesos hay que tener en claro que para poder hacer arte es necesario utilizar la intuición como clave, escucharse así mismo y así poder discernir entre diversos elementos. Además se debe de realizar historias que no juzguen sino que pongan dilemas sobre la mesa. Se debe de tener consciencia de que hacer cine es trabajar en equipo y nadie es más importante. Todos aportan magia al concepto. En esta nueva era digital Novaro afirma que esto es un avance importante para la cinematografía mexicana pues además de que abarata los costos, también brinda elementos nuevos, cercanía y flexibilidad de creación.

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Kick Ass!

ddfd ‘Kick-Ass’ (film no apto para menores) gira en torno a Dave Lizewski (Aaron Johnson), un estudiante de instituto que pasa desapercibido por todos, aficionado a los cómics, de dónde saca un día la idea de convertirse en un superhéroe, aunque no tenga superpoderes, no haya seguido un duro entrenamiento y ni siquiera tenga una significativa razón para ello. Pero la vida de Dave cambiará para siempre cuando se encuentre con un par de locos vigilantes -la explosiva niña de 11 años Hit Girl (Chloë Moretz) y su padre, Big Daddy (Nicolas Cage)- y forje amistad con otro joven luchador contra el crimen, Red Mist (Christopher Mintz-Plasse). Y cuando todos se tengan que enfrentar al jefe de la mafia local, Frank D’Amico (Mark Strong), sus alianzas y sus verdaderas habilidades serán puestas a prueba.

Los trabajos de Matthew Vaughn han seguido un hilo conductor, han sido cintas de personajes que se convierten en héroes a pesar de no tener la madurez necesaria para ser héroes. En “Nada es lo que parece” (Layer Cake, 2004) protagonizada por Daniel Craig, el personaje principal realiza una evolución para defenderse de una organización criminal. “El misterio de la Estrella” (Stardust, 2007) es el madurar de adolescente a hombre en un viaje lleno de magia y personajes increíbles. Con esta cinta, Vaughn le da poder al adolescente de soñar y no sólo eso, si no de dejarte con un grato sabor de un cine adolescente bien logrado con muchos toques de comedia negra y gore.

kickass-film-still-01 Lo más destacado es su originalidad. Una especie de Watchmen y American Splendor mezclado. Porque si en Watchmen se planteaba quien vigilaba a los vigilantes, aquí se plantea que pasaría si la gente que admira los comics, películas y videojuegos de súper héroes intentara emularlos, con todo lo que ello conlleva. No todo es glamour, reconocimiento y problemas personales estúpidos (no señalo a nadie hombre araña), aquí los personajes realmente pagan la osadía de emular a sus héroes. Muerte, destrucción familiar y demás tragedias es lo que tienen que asumir los personajes.

Es una obra que deambula entre el homenaje y la parodia sin alejarse del filo de la navaja en la que se apoya para entretener a los amantes del cómic. Dave encarna al típico personaje Marvel en el que sus poderes lo superan. Inspirado en la primera etapa de Spiderman, la cutredad se convierte en arte: un gran poder cutre conlleva una gran responsabilidad igual de cutre. Por otro lado, el traje heroíco de Cage no deja lugar a dudas sobre su paralelismo con Batman y su cruzada particular ante el crímen, apoyado en este film por su hija pequeña experta en artes marciales (Robin).

photo_13_hires Lo gracioso de todo esto es que por fin Nicolas Cage actúa con un mínimo de decencia en un cartel predestinado de antemano al olvido, consiguiendo forjar un personaje carismático. Un héroe. El ritmo y la información que M. Vaughn traslada al espectador durante las distintas secuencias de su película es un acierto. El humor, también presente, se limita a resaltar las obviedades y carencias de unos personajes elegidos para conmover desde el absurdo de sus acciones y erigiéndose como un elegante actor secundario.

Punto y aparte merecen las escenas de acción, rodadas con un ritmo salvaje y con una musicalidad digna de destacar (si vinieran firmadas por Tarantino a algunos críticos se les caería la baba). No se limita en violencia, sangre y determinación. A pesar de estar protagonizada por adolescentes, eso no hace más que desarrollar la sensación de que todo duele más, es más físico.

0415_kick-ass_390x220 Nicolas Cage está bastante bien dotando a su personaje de madurez y poniendo el balance entre tanto adolescente. Mintz-Plasse sigue siendo un gran descubrimiento por el patetismo que inundan todos sus personajes. Mark Strong sigue fascinándome, desde Sherlock Holmes me ha demostrado que tiene gran potencial. Aaron Johnson asume con sencillez y tablas el protagonismo. El resultado final quizás podría haber sido más original, pero igualmente "Kick-Ass" se trata de una de las propuestas más frescas y estimulantes del momento, un western pop cuya mejor ganancia es su independencia del espíritu franquicia que suele ahogar las producciones Marvel. 16kickassspan-1-articleLarge Y no perderos la aparición de una enorme Chloe Moretz, una cría de once años que pelea como Chuck Norris y habla como Harry el Sucio. Sádica, dulce, asesina, madura, un personaje redondo interpretado brillantemente. Ídola total.

Enamorándome de mi Ex

its_complicated ¿De qué trata?: Jane (Meryl Streep), madre de tres hijos ya adultos, es la propietaria de un restaurante pastelería de Santa Barbara y, tras una década divorciada, mantiene una amigable relación con su ex-marido, el abogado Jake (Alec Baldwin). Pero cuando Jane y Jake tienen que salir de la ciudad para la graduación universitaria de su hijo, las cosas comienzan a complicarse. Una inocente comida lleva a lo inimaginable: un reencuentro. Con Jake casado de nuevo con una mujer mucho más joven, Agness (Lake Bell), Jane se convierte de pronto en "la otra". Y en medio de todo este embrollo se ve envuelto Adam (Steve Martin), un arquitecto contratado para renovar la casa de Jane.

La autora de la cinta repite la fórmula que no le diera mal resultado hace seis años en "Something’s Gotta Give", acompañando la escritura de su propia mano de un guión agridulce lleno de encanto con una interesante y fresca partitura de Hans Zimmer, una más que correcta fotografía, y una elección de reparto y dirección de actores que se convierten en la llave que hace que todo funcione sobre ruedas.

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La pareja protagonista está en este caso formada por Meryl Streep, la actriz en activo con seguramente mejor currículum y de la que poco puede comentarse -basta quitarse el sombrero-, y por un Alec Baldwin de aspecto fondón que confirma que cuanto mayor es su deterioro físico como galán más maduras parecen sus cualidades interpretativas. Ambos combinan con perfección expresiva momentos de alocada comedia de enredo con reflejos dramáticos interiorizados sobre el amor, el desamor, la pasión, la duda y las huellas que va dejando el inexorable paso de los años. Mención aparte para la vis cómica -no fácil por un papel de reparto con el riesgo de quedar sobreactuado- de un joven John Krasinski, quien consigue el tono ideal para hacer reír al espectador sin resultar grotesco.

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Esta película sin embargo va algo más allá que sus predecesoras. Además de valerse de un solvente conjunto de actores, apuntala un guión cuidadosamente elaborado que aunque tal vez no pase a los anales de la cinematografía debido a cierto convencionalismo olvidable de fondo, se ve reforzado por una puesta en escena con detalles bastante bien resueltos. Entre los cuales, por citar un par de ejemplos, podría recordarse la escena de la cocina en la que Jake observa nostálgico a su familia esperando la mirada de su ex mujer que sólo llega cuando de espaldas ya sin verla él abandona la casa…; o esa otra secuencia que se cierra casi sin palabras en la última toma de Jane y Jake sentados en el banco del jardín para continuar con un salto de plano en el tiempo al mismo lugar vacío arreciando la lluvia.


Como en la complicada vida, con nuestros complicados amores, desamores, dudas y pasiones, Nancy Meyers nos deja un final abierto tras enseñarnos durante este agradable metraje a sonreír al tiempo que pensamos que en nuestras vidas también todo queda abierto si seguimos caminando al son que marca el inexorable paso de los años.

Al grano: Agradable comedia romántica, opacada por la genialidad de Alguien tiene que ceder, pero que, tiene un encanto tan sabroso y disfrutable.

* * * 1/2  / 5

Película de la semana de Puebla Gay: Una casa al final del mundo..

Una casa al final del mundo, A home the end of the world, Michael Meyer, 2004.

Una casa al final del mundo, A home the end of the world, Michael Meyer, 2004.

¿De qué trata?: En 1967, Bobby es un niño de nueve años muy sensible que observa los años 60: su mensaje de amor y libertad parece embargarle por completo. A principios de los 70, una súbita tragedia deja a Bobby sin familia. El niño establece una relación especial con Jonathan y la madre de éste, Alice (Sissy Spacek), quienes ofrecen a Bobby refugio y un renacido sentimiento de estar vivo. La amistad entre Bobby y Jonathan se extiende a lo largo de los años hasta la década de los 80 en la ciudad de Nueva York, un lugar donde la gente está constantemente rehaciéndose y redefiniéndose. Allí, Bobby (Colin Farrell) conoce a Clare (Robin Wright Penn), la pintoresca compañera de habitación de Jonathan (Dallas Roberts) cuyo reloj biológico suena con fuerza, alterando ya para siempre el destino de Bobby y complicando en adelante su relación con Jonathan. La trayectoria de este trío completa la película cuando los tres exploran nuevos territorios, deviniendo pioneros en un terreno virgen.

Esta película con buenos sentimientos respecto del ser humano contemporáneo, retrata la vida a priori desgraciada de un muchacho que pierde a su familia, pero es adoptado rápidamente por otra que necesita amor. Todo ello ocurre en los EEUU de los sesenta, con una cierta relajación moral respecto a las formas de amar y las drogas.

 Una historia dura, pero también dulce. Sentimental, pero también violenta en un sentido metafórico cuando del alma humano se trata. La violencia de la vida, de los sueños frustrados y de un vacío que cada vez parece más cerca de nosotros y en el que, inexorablemente, acabaremos cayendo.

Destaca Colin Farrell

Destaca Colin Farrell

Una casa en el fin del mundo” es la historia de un muchacho que busca su sitio en el mundo y para ello solo reparte amor allá por donde va, Colin Farrell ha sabido plasmar la intensidad y dulzura necesaria al personaje para que asi fuera. Cabe destacar tambien la actuación aunque en segundo plano de Sissy Spacek  una madre adelantada a su tiempo quien pasa a ser un pilar muy importante en la vida de Bobby.

Está basada en la novela de Michael Cunningham, escritor de “The Hours” y “Pasión al atardecer“. Si bien no llega a ser tan visceral y apasionante que Las horas, esta película se queda con el estudio de la necesidad de amor que necesitamos. La historia te va llevando de la mano y al final el buen tratamiento de la historia sobre el SIDA te da un interesante revez de cuan dura puede ser la vida, enfrentando pérdidas, amores y muchas alegrías.

Al grano: Película sentimental y delicada donde detaca sólo el amor, más allá de las formas convencionales o habitualmente más canalizadas de expresarlo.

*  *  *  1/2  / 5