Amor por contrato (The Joneses)

Los actores estadounidenses David Duchovny y Demi Moore encarnan a una «pareja ideal» formada por necesidades publicitarias en la comedia dramática titulada «Amor Por Contrato«. Esta comedia independiente cuenta con el debut en la realización de Derrick Borte, quien también escribe el guión.

Duchovny es un padre de familia aparentemente normal que se muda a un suburbio estadounidense junto a su esposa (Demi Moore). Pero realmente la pareja forma parte de una estrategia publicitaria para promover artículos de lujo. Tras una crisis de Duchovny por sentir que vive en una mentira, Moore irá poco a poco enamorándose de su «marido de vista».

A Duchovny y a Moore los acompañan Amber Heard, Ben Hollingsworth y Gary Cole; en una cinta que se estrenará este viernes en la capital. “Amor por Contrato” retoma la base de las películas sencillas y bien contadas. La química funciona, casi, como un producto. Resulta agradable y paisajista. Esta comedia nos viene a hablar sobre la superficialidad en la que vivimos pues a partir de que son una familia falsa introducen ciertos productos para vender conforme a su estilo de vida.

Sin duda que un argumento muy interesante. Sobre todo en la sociedad híper consumista en la que estamos inmersos. David Duchovny regresa al cine con Amor en contrato, justo tras seguir con su triunfal carrera en la pequeña pantalla con la serie Californication, nunca olvidaremos al señor Duchovny con su participación en “Los Expedientes Secretos X”.

También es grato ver que Demi Moore retome su carrera cinematográfica, Moore ha causado polémica por su relación con Ashton Kutcher, y se ha mantenido alejada de los medios. Recientemente participó en una cinta independiente. Es grato que está buscando proyectos que la mantengan en el gusto de la crítica.

La película tiene un argumento original, sin embargo, la premisa se diluye para ser condescendiente y romántica. Tiene un comienzo intrigante que engancha, el espectador tiene curiosidad por saber qué está pasando y la película dosifica muy bien las pistas. Lo malo es que la clave de la trama se descubre demasiado pronto y hasta llegar al desenlace el metraje se rellena con demasiadas anécdotas simpáticas pero sin mucho contenido ni objetivo.

La historia de amor entre los protagonistas avanza con tanta facilidad y está contada con tanta distancia que no resulta interesante; se podría haber sacado más jugo de esta sub-trama amorosa o haberla tratado como una lucha de sexos. Los cuatro personajes principales tienen gancho porque están bien interpretados y porque, además de sus apariencias, la película se preocupa por definir bien sus cualidades más elementales.

* * * 1/2  /5

Fuego (1996):: Apertura de la Jornada contra la Homofobia Puebla 2010

Fuego, Fire, Deepa Mehta, 1996

Ashok (Kulbhushan Kharbanda) lleva casado 15 años con Rahda(Shabana Azmi), que es la que lleva el peso del negocio familiar y se ha convertido en el alma de la casa. Con ellos viven la madre y el hermano del marido en aparente armonía. Pero la entrada en el clan de Sita(Nandita Das), la joven esposa de su cuñado, revolucionará el entorno de Rahda. «Fuego» Primera obra de la conocida trilogía de Deepa Mehta, le siguirían «Tierra» (1998) y «Agua» (2005).

Dos mujeres desatendidas amorosa y sexualmente por sus respectivos maridos, comienzan a intimar entre ellas mismas, se hacen amigas y dan el paso de acariciarse, abrazarse y amarse; a partir de ahí la relación amorosa entre ambas se va intensificando, una a otra van enseñándose cosas, adquiriendo confianza en sí mismas y sobre todo van descubriendo lo subestimadas y esclavizadas que han vivido hasta entonces (siempre subyugadas a la tradición, a los dogmas, a los hombres, a las tareas del hogar que en su caso concreto pasa por atender a una anciana que siempre está llamándolas con su campanilla para que sean ellas las que la limpien y la asistan en lugar de su propio hijo).

En un momento dado, la más joven de las dos, la recién casada, le confiesa a su amiga y amada: «Estoy harta de tanta devoción. ¿Por qué no buscar otras opciones?», y con esa declaración de intenciones proseguirá el grueso del film. Así mismo en otro diálogo su enorme necesidad de salvación y liberación femenina clama: «El concepto del deber se sobreestima».

Deepa Mehta, lanza con ésta y con las otras dos películas de su trilogía hindú («Tierra», «Fuego», «Agua») una importante crítica a la tradición, porque la tradición está bien y es noble si favorece a todos, pero no si sólo beneficia a los hombres. Una de las dos mujeres protagonistas en este film, lleva 13 años viviendo como hermana de su marido porque éste ha decido hacerse religiosamente casto, según el sentido budista de que el deseo es la causa de todos los males. Pues bien, ella a raíz de la relación amorosa con su amiga, se hace reivindicativa y consciente: «Sin deseo la vida no tiene sentido». Y realmente tiene razón, porque si bien es cierto que el deseo, como decía Buda, es la fuente de todos nuestros males, no lo es menos que si no deseamos dejamos de ser humanos y nos convertimos en ¿qué?, ¿en vegetales meditativos?; para bien y para mal, lo natural en el ser humano es el deseo, es característica intrínseca y fundamentalmente humana.

Sin embargo, ya poniéndonos técnicos narrativamente la película es mucho contexto y el conflicto se desarrolla más de la mitad de la película. Lo que la hace a ratos ligeramente pesada, sin embargo, la estupenda factura con la que está hecha te brinda una interesante refelexión. Deepa Mehta plantea «Fuego» para mostrar el conflicto resultante de una sociedad masculinizada, tradicionalista y hermética, que no admite cambios chocantes, aunque estos sean, no ya positivos o negativos, sino inevitables y nada agresivos o dañinos. A fin de cuentas, Mehta proclama el valor del amor, del placer, de la sensualidad, del momento. Algo universal, pero obviamente díficil en una nación dónde la feminidad estás secuestrada – la mujer ha de ser sumisa, infeliz, receptiva y trabajadora – y no hay recompensa de rescate.

* * * * / 5 :: Interesante cinta, muy recomendable

Otra a la renta, Pequeña Miss Sunshine

Pequeña Miss Sunshine, Little Miss Sunshine, Jonathan Dayton y Valerie Faris, 2006

¿De qué trata?:Los Hoover son una familia conflictiva: el abuelo (Alan Arkin) es adicto a la cocaína, el padre (Greg Kinnear) da cursos motivacionales con estrepitoso fracaso, la madre (Toni Collette) es el único ser que embona a la familia, el tío (Steve Carell) se recupera de un suicidio frustrado al ser abandonado por su novio, el hijo adolescente (Paul Dano) lee a Nietzsche y se niega a hablar, y la hija pequeña, Olive (Abigail Breslin),  una niña con gafotas y ligeramente gordinflona, quiere ser una belleza. Cuando un golpe de suerte lleva a Olive a ser invitada a participar en el muy competitivo concurso de ‘Pequeña Miss Sunshine’ en California, toda la familia Hoover se reúne para ir con ella. Se apilan en su oxidada furgoneta Volkswagen y se dirigen hacia el Oeste en un trágicómico viaje de tres días lleno de locas sorpresas que les lleva al gran debut de Olive, el cual cambiará a esta familia de inadaptados de una forma que nunca hubieran imaginado.

Una disfuncional familia...

«Little Miss Sunshine» es un canto a la diferencia, al ser uno mismo y no tener complejos, al saber disfrutar de nuestras limitaciones y aprovecharlas, es un canto a la vida. Además de una comedía cínica con un reparto de lujo, que emociona y saca lo más bonito de todos nosotros. La galería de personajes que forma la disparatada familia protagonista es excelente. Mezcla perfectamente lo cómico con lo dramático, lo freak con lo cotidiano, lo absurdo con lo profundo.

Gran comedia sobre una familia norteamericana

La incansable e infatigable madre que no exenta de sufrimiento consigue mantener unida a la familia; el padre que se encuentra en la búsqueda constante de ese éxito que nunca llega porque no había mirado en el sitio correcto; el abuelo disfrutando sus últimas bocanadas de vida, su naturalidad es admirable; el tío con tendendencias suicidas se siente rechazado, su trabajo y su relación se han perdido por su timidez, su cobardía y sus complejos; el hijo aislándose en su mundo, no habla con nadie, se siente extraño y sólo desea lograr su sueño, sueño que a la postre le resulta imposible y le abre las puertas del mundo real; y esa niña, es todo dulzura, encanto, alegría, ingenuidad, amor, felicidad… para ser feliz sólo hace falta mirarla a la cara. Ella cambia a su familia, nos cambia a todos.

Jonathan Dayton yValerie Faris debutan con un film espléndido que hace las delicias de todo espectador que busque algo más que echarse unas risas. Pequeña Miss Sunshine es una cinta que puede jactarse de poseer uno de los guiones mejor escritos de cuantas películas pudimos presenciar en el fructífero año 2006.

Viaje a familiar, con todo lo que eso implica...

Y es que hay que dejar bien claro que escribir comedia de calidad nunca ha sido fácil. El hecho de que podamos ver una película en la que prácticamente cada chiste sea recibido con gracia y empatía por parte del espectador tiene mucho merito, porque cuando lo normal es que sean uno o dos los gags dignos de ser recordados, con Abigail y compañía no es fácil elegir con que broma quedarse. Son tantos los momentos en los que esta familia me ha sacado una sonrisa que por más que lo intento me es imposible. Desde luego podemos esperar con tranquilidad nuevas sorpresas de Michael Arndt porque semejante guión no creo que haya sido obra de un aficionado.

Tampoco hay que olvidar su acertada banda sonora, con melodías de lo más risueñas cuyo principal objetivo es acompañar con finura las aventuras de tan excéntrica familia. Tiene mérito que la partitura de una película tragicómica pueda escucharse de manera independiente y es algo que tantoMychael Danna comoDeVotchKa consiguen desde el primer compás de canción.

Al grano:Una comedia sobre perdedores, aunque quizás sean más ganadores que nadie. Una comedia entrañable, inteligente que no te puedes perder.

* * * * 1/2 / 5

Mi vida sin mi…

Mi vida sin mi, Isabel Coixet, 2003

¿De qué trata?:  Ann(Sarah Polley) tiene 23 años, dos hijas, un marido que pasa más tiempo en paro que trabajando, una madre que odia al mundo, un padre que lleva 10 años en la cárcel, un trabajo como limpiadora nocturna en una universidad a la que nunca podrá asistir durante el día… Vive en una caravana en el jardín de su madre, a las afueras de Vancouver. Esta existencia gris cambia completamente tras un reconocimiento médico. Desde ese día, paradójicamente, Ann descubre el placer de vivir, guiada por un impulso vital: completar una lista de «cosas por hacer antes de morir».

Sarah Polley sorprende en esta película...

Presenciamos el veloz declive progresivo de una mujer de veintitrés años. Veintitrés. Como quien dice, poco más de dos décadas atrás era un nuevo pedacito palpitante que fue creciendo y en el que varias personas fueron vertiendo ilusiones y esperanzas. Dos décadas que se pasan en un suspiro, aprendiendo apenas los pasos para transitar por este mundo tan inexplicable y complicado. Y ese pedazo de vida joven pero que ha tenido que madurar deprisa, a su vez trae nuevos pedacitos de vida, y avanza junto a los pedazos que la rodean, formando ese círculo misterioso de corriente eléctrica invisible llamado amor.

Muy buena actuación de soporte por parte de Mark Ruffallo

Desgarrador, sencillo, entrañable, cercano y valeroso viaje de una madre, de una esposa, de una hija, de una amante y de una amiga que camina hacia su final con la mirada serena, con un propósito firme y un amor inmenso e infinito que anida en ese cuerpo que se apaga, en ese espíritu que resplandece. Tal vez la memoria de los demás es lo que, de alguna forma, nos mantiene vivos cuando ya nos hemos ido.

Isabel Coixet

«Mi vida sin mí» es hermosísima, sincera, sobria, contenida, desgarradora y optimista. Las formas puede que sean algo irregulares pero el fondo es una genialidad. El mérito es hacerlo desde la sencillez, contar un dramón como la copa de un pino desde el optimismo, no debe ser nada fácil.
Hablar de algo tan desgarrador como la muerte con fecha anunciada y empapar toda la historia de calidez, ilusión y ternura es una proeza digna de mi admiración y mi aplauso. Esta es la mejor obra de Isabel Coixet sin duda.

Al grano: Bien intencionado drama que con finura te lleva a diversas sensaciones y te pone a valorar la muerte como un punto cercano para todos.

* * * * * / 5

FICG24 – The guitar

La guitarra, The guitar, Amy Redfore, 2008

¿De qué trata?: En el espacio de una misma mañana, Mel (Saffron Burrows) pierde su trabajo, a su novio… y le informan de que tiene un cáncer terminal. Ante esa situación, decide perseguir sus sueños durante los dos meses que le quedan de vida.

«The Guitar» es una historia de como retomar lo que verdaderamente nos hace vivir a sabiendas que lentamente dejaremos de existir. Es retomar lo que dejamos perdidos por caer en la monotonía cotidiana y revivir eso que alguna vez dejamos atrás, que nos hacía verdaderamente vivir para afrontar una vida acorde a todo lo que alguna vez nos dijeron que era la vida.

Seguramente recordarán a la actriz que hacía de Andrómaca en Troy, Saffron Burrows, la protagonista de esta película. Saffron sostiene está película que va de la muerte a la vida. La actuación de ella es tan pura y contenida que vives toda esa desgracia personal tan directamente que experimentas un acercamiento al personaje.  Mel vivía practicamente tan cotidiana que hasta la ropa que usaba, gris sobre todo, demostraba a alguien deprimido, tal vez sin caracter, sin esperanzas, que cuando le dicen que va a morir realiza un proceso de purificación que le hace entender todo aquello que la hacía vivir intensamente.

Desde su nombre, «Melody» se hace referencia a esa vida musical. En un principio ella es una guitarra sin ser tocada, que cuando comienza a entender su propia melodía alcanza esa paz que tanto necesitaba, ese alcance de la libertad que llega a obtener, demuestra que esa guitarra puede llegarnos a dar tantos bellos momentos, tanta pasión desbordada.

Una estupenda Saffron Burrows

El film es un recorrido de la «vida sin saberla vivir» a la «vida aprovechada intensamente», es un viaje en el psique de la protagonista. Todos los personajes secundarios son aquellos que logran entrar dentro de la burbuja en la que Mel se protege, logrando mucha interacción y sobre todo son contagiados de este proceso de valorarse y entenderse. Destaca Isaach De Bankolé (Roscoe) como el repartidor de las compras que realiza Mel para saborear todo eso que no vivía anteriormente y Paz de la Huerta (Cookie) como una repartidora de pizzas que le enseña Mel a experimentar y dejarse llevar por ese sabor pasional que tanto tenía contenida.

La música como la pasión que gira tu vida...

Al grano: Película honesta y sencilla que te deja el sabor de aprovechar cada segundo al máximo. Amy Redford tuvo muy buen inicio, espero ver más de ella. Y lo vuelvo a repetir, Saffron Burrows es un talento increible, merece ser más aprovechada en otros proyectos.

* * * * / 5

Eternal sunshine of the spotless mind

Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, Eternal sunshine of the spotless mind, Michel Gondry, 2004

¿De qué trata?: Joel (Jim Carrey) se queda asombrado y aturdido cuando se entera de que su novia Clementine (Kate Winslet) ha borrado de su cerebro los recuerdos de su tumultuosa relación. Desesperado, Joel contacta con el inventor del proceso, el Dr. Howard Mierzwiak (Tom Wilkinson) para eliminar cualquier recuerdo de Clementine de su propia memoria. Pero sucede que, mientras los recuerdos progresivamente desaparecen, Joel comienza a redescubrir su pasión inicial.

Una película real como a vida y sin embargo de ciencia ficción. Una película divertida, trágica, romántica, dolorosa hasta el infinito. Los pequeños detalles te ayudan a comprender la situación temporal de las escenas en el contexto del film, escenas perfectas que pasan de un escenario a otro con luces apagándose por un pasillo, con puertas que dan a donde no deberían.

Gran química entre Jim Carrey y Kate Winslett

«Eterno resplandor…» utiliza una técnica narrativa que para mí evoca y rinde homenaje a películas como «Mulholland Drive» de David Lynch, pues no despliega la trama de manera lineal y, además, rompe con las tramas habituales que se limitan a mostrar a los personajes desde un ángulo externo. En esta película la realidad, los recuerdos, los deseos, los impulsos que salen desde lo más visceral, todo el inabarcable universo caleidoscópico del subconsciente se mezclan, de manera que la historia que presenciamos, si pudiéramos compararla con algo, sería tal vez con las pinturas cubistas como las de Picasso o con cualquier obra que presente un contenido, sin seguir las reglas de la razón ni de la objetividad, ni de un orden preestablecido.

Viaje por los confines de la mente

Si bien la historia comienza de forma lineal, mostrando unos sucesos reales tal como suceden, pronto se da marcha atrás en la trama y, entrando en un prolongado flashback que dura casi hasta el final, nos introducimos en el mundo subconsciente de Joel, el cual arrastra en su pasado reciente una intensa historia de amor con Clementine, una relación tan viva, tan llena de matices, altibajos, momentos felices y momentos vacíos, como podría serlo cualquier relación.

La película propone una original alternativa: imagina que se inventara una máquina que fuese capaz de eliminar los recuerdos que una persona no quiere conservar y que necesita expulsar definitivamente de su mente para olvidar algo o a alguien y así empezar de nuevo, sin remembranzas de eso que resultó tan doloroso. Pues bien, en «Eterno resplandor..» se ha inventado esa máquina, que rastrea los recuerdos que el paciente desea borrar.

¿Huirías de tus recuerdos?

En un principio, el invento parece brillante, otorgando a la gente la posibilidad de deshacerse de sus memorias desagradables. Pero muy pronto se advierte que los mecanismos del cerebro humano son tan infinitamente complejos que es imposible controlarlos y abarcarlos. El poder del subconsciente, la inmensa profundidad de los sentimientos, así como el hecho de que en la mente humana no es posible separar la felicidad de la tristeza, lo bello de lo amargo, lo luminoso de las tinieblas. Los sentimientos no se pueden catalogar, no se pueden dividir en compartimientos inócuos. Entonces, ¿cómo puede una máquina borrar unas memorias, unas sensaciones, tantas cosas vividas que son imposibles de cercenar, de apartar? Como si se tratara de la memoria de una compútadora,  la máquina destruye todo lo que se ha vuelto «indeseable». Y cuando alguien se somete al proceso, no hay marcha atrás. Pero cabe la posibilidad de arrepentirse, porque no somos computadoras y las personas no se pueden borrar de la noche a la mañana.

I'm fine without you

You can erase someone from your mind. Getting them out of your heart is another story… (ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND, 2004)

Al grano: Gran película romántica que está dentro de los primeros lugares de las más grandes historias del cine. Un clásico dentro de la narrativa cinematográfica contemporánea.

* * * * * / 5

Juegos del corazón….

Jugando con el corazón

¿De qué trata?: Un grupo de personas que pertenecen a distintas generaciones y tienen estilos de vida muy distintos, coinciden en un punto común: buscan el amor y la amistad en Los Ángeles de hoy en día. Entre ellos están Hannah (Gena Rowlands) y Paul (Sean Connery), un matrimonio que se verá amenazado por los fantasmas del pasado. Meredith (Gillian Anderson), una soltera dedicada a su trabajo. Hugh (Dennis Quaid), un solitario, que va de bar en bar contando tristes historias de amor. Gracie (Madeleine Stowe) y Roger (Anthony Edwards), una pareja que ha encontrado la diversión sexual en una relación clandestina, o Joan (Angelina Jolie) y Keenan(Ryan Phillippe), dos jóvenes que pasan el tiempo soñando en los locales nocturnos de Los Ángeles. Todas estas personas experimentarán una transformación a causa de una cadena de acontecimientos imprevistos que harán que salga a la luz lo fugaz, complejo, y, a menudo, milagroso que puede ser el amor en según que circunstancias.

Meredith y Trent

Construida como una versión ligera y optimista de «Magnolia«, la película nos muestra fragmentos de la vida de varias personas, de diferentes edades y en muy diferentes circunstancias, donde el común denominador es el amor en sus diferentes facetas: amor filial, romántico, sexual, etc. Esto mismo hace que la película sea dinámica y llevadera. Está formado por los consabidos clichés románticos y lacrimosos: encuentros fortuitos, malos entendidos, enfermedad del ser amado, etc. Pero por trilladas que sean las situaciones, cuando son realizadas por Sean Connery, Dennis Quaid o Gena Rowlands, nos envuelven por su pasión, más que por su contenido. Aunque el guión acierta  en los inteligentes diálogos y en la espléndida descripción y relación de personajes.

Los personajes están muy bien definidos, lo que hace que cada historia parezca un corto en dónde al final todas encajan en un todo, logrando perfecta coherencia a un conjunto interesante. Es impresionante ver a un reparto multiestelar logrando una bella propuesta coral, donde ninguno puede ser calificado como «principal», pero del cual sobresale Angelina Jolie en el papel de Joan. Un papel que podría haber sido completamente plano en manos de otra persona toma una maravillosa tridimensionalidad gracias al gran talento expresivo de esta actriz. La Jolie llena de naturalidad, energía, elegancia, de un magnetismo absoluto (sino vean simplemente la primera secuencia de la cinta, clave por otra parte de todo el mensaje de esta) como nunca antes vista. Son sus escenas las que captan más emoción y atención de una película pequeña y recomendable, sincera y emocionante.

Joan y Keenan

Al grano: «Jugando con el corazón» es una pequeña y olvidada joya de ese cine pequeño y mal promocionado que habla de temas universales mil veces hablados  con una madurez y naturalidad. Y en ese sentido, la película se puede disfrutar como una obra escapista, sin grandes pretenciones de originalidad.

* * * 1/2   / 5

El beso de la mujer araña…

El beso de la mujer araña - 1985

¿De qué trata?: En una prisión latinoamericana, Molina –William Hurt– le cuenta a su nuevo compañero de celda, Valentín –Raul Julia-, su historia favorita. Molina es un homosexual encarcelado por seducir a un menor. Valentín es un revolucionario que todavía sangra por los interrogatorios…

Sin lugar a dudas, un clásico del cine independiente… El beso de la mujer araña es más que la historia de un homosexual. Es la historia de dos seres  humanos diferentes que logran converger en un mismo lenguaje.  Es una historia que por demás fascinante y bien trazada.  Hector Babenco dirige con sobriedad esta lírica y trágica historia, bella y desgarrada, que debería de ser visionada simplemente por ver dos de las mejores interpretaciones de sus protagonistas, unos antológicos William Hurt y Raúl Julia, en el que son capaces de mostrar casi todas las emociones humanas posibles, una clase de interpretación en estado puro.
Está basada en una obra literária que el escritor Manuel Puig terminó en 1976. Esta novela también se convirtió en una comedia musical de gran éxito en Broadway en 1983, en una ópera con música del alemán Hans Werner Henze y en una obra de teatro escrita por el propio Puig.

Es de esas cintas que siempre recuerdas por el impacto de su fuerza interpretativa y el desarrollo del planteamiento de ese amor con mayúsculas. Amor que se plantea en una celda cochambrosa y tercermundista de una cárcel sudamericana, entre dos personajes diametralmente opuestos (uno tosco, violento, machista, homófobo, activista revolucionario, etc. y el otro sensible, valiente, homosexual con mucha pluma, compañero solidario, entregado ) y que sino hubiese sido por la humillación cotidianamente sangrante de estar en una cárcel de este inmundo nivel, donde todo lo humano que les rodeaba brillaba por su ausencia, este maravilloso cóctel hubiera sido inimaginable.

Al grano: Pequeña gran obra clásica del cine independiente que merece una relectura en diversos niveles.

* * * * */ 5