Para rentar…. Mejor Imposible….

Mejor... Imposible, As good as it gets, James L. Brooks, 1997

Mejor... Imposible, As good as it gets, James L. Brooks, 1997

¿De qué trata?:Melvin Udall (Jack Nicholson), un escritor obsesivo y maniático, es uno de los seres más desagradables y desagradecidos que uno pueda tener como vecino. Pero, un buen día, tiene que hacerse cargo de un perro al que odia a muerte. La presencia en su vida del animal ablandará su corazón.

Película tan bipolar como su protagonista, que irrita y entusiasma a partes iguales. Narra  los amores de un escritor misántropo, odioso y maniático con una mesera golpeada por la vida (Helen Hunt) y como testigo de excepción, el vecino gay (Greg Kinnear) del primero y su carismático perrito. El guión está magníficamente diseñado y nos devuelve a los mejores tiempos de la comedia glamurosa e inteligente que abundó durante la edad de oro hollywoodiense. Pero no se le pueden negar los méritos propios a esta película que logró lo que en años y años deMeg Ryans y contemporáneos no habían logrado: devolver la dignidad a la comedia romántica.

Mejor…imposible invita a una nueva forma de entender el género. Nos encontramos con que resulta infinitamente más romántico ver a un tipo viejo y repelente decirle a una camarera feúcha que “tú me haces querer ser mejor persona” que ver a una pareja de guapetes brindando con champagne, como sucede en cualquier comedia romántica actual. Si existe algo más bonito que esa declaración en la que no se promete nada, es la aceptación incondicional de ella: como diciendo, eres insoportable y a ratos me caes como una patada en el estómago, pero igualmente te quiero. Eso es el amor, señores. Lo que sí es verdad que a la pareja le damos dos meses como mucho,

El perro es fundamental en la película...

El perro es fundamental en la película...

pero quizás sus dos meses contengan mucho más amor que los cincuenta años de aburrido matrimonio que sin duda les espera a los idiotas que brindan con champagne.

El romance se equilibra y pule las posibles tentaciones de la ñoñería con buenos golpes de humor y dotando de una saludable dosis de ironía a las interacciones entre los personajes. De los actores: Nicholson como histrión me sigue resultando insoportable y su personaje es como para sumergirlo en una bañera de ácido sin contemplaciones, pero Helen Hunt y Greg Kinnear calan en el corazón con unos personajes entrañables y vulnerables con los que no es difícil identificarse. Eso sí, el perrillo de Kinnear se lleva la palma interpretativa por una caracterización llena de matices que ya quisieran muchos actores humanos.

“Mejor…imposible” llegó como un vendaval, brilló en el reparto de los Oscars y se ganó el corazoncito del 90 por ciento de espectadores que tuvieron ocasión de disfrutarla en el cine y entre los que me cuento. Con el tiempo, se ha quedado a dos pasos de convertirse en clásico moderno. Una injusticia para la que quizás fuese la mejor comedia romántica americana de los noventa.

Al grano: Se puede decir que es la mejor comedia romántica de los 90’s (a mi criterio personal). Muy disfrutable y recomendable para estos tiempos de encierro…

* * * */ 5

Caminando sobre el agua – review para PueblaGay.

Caminando sobre el agua, Walk on water (Lalehet al hamayin), Eytan Fox, 2004

Caminando sobre el agua, Walk on water (Lalehet al hamayin), Eytan Fox, 2004

¿De qué trata?: Eyal(Lior Ashkenazi) es un “liquidador” profesional del Mosad, el servicio secreto israelí. Le encargan que localice a Alfred Himmelman(Ernest Lenart), un ex oficial nazi que, al parecer, sigue vivo. Eyal espía a Pia(Caroline Peters), la nieta de Himmelman, que se ha mudado a Israel después de romper con su familia en Alemania. Eyal se hace pasar por guía profesional y aprovecha que Axel(Knut Berger), el hermano de Pia, ha ido a Israel, para enseñarle Jerusalén y las orillas del mar Muerto. Aunque los dos hombres tienen personalidades muy diferentes, Eyal, el tío duro por excelencia, se deja conquistar por las ideas liberales y el inagotable entusiasmo del joven Axel. Una incómoda tensión se instala entre los dos hombres cuando Eyal descubre que Axel es gay. Axel regresa a Alemania, pero el Mosad sospecha que Himmelman podría salir a la luz para asistir a la fiesta de cumpleaños del padre de Pia y Axel. Eyal se marcha a Alemania donde debe ver a Axel para saber más acerca de la familia. Eyal, el asesino profesional, más vulnerable desde la muerte de su ex mujer, deberá descubrir y enfrentarse a algunas verdades sobre sí mismo…

Axel, Pia y Eyal

Axel, Pia y Eyal

Ésta es a tercera película del director Eytan Fox, que nació en EEUU y emigró a Israel con sus padres cuando tenía dos años. Es la primera que llega a nuestro país. Fox es también responsable de Yossi & Jagger y The Bubble

El discurso narrativo de Fox muestra las secuelas del Holocausto que todavía perduran en Alemania e Israel, invoca la necesidad de superar viejos prejuicios anacrónicos y la asunción de la cultura de la comprensión, la tolerancia y el respeto mútuo. También se ocupa, con dolor, del donflicto que enfrenta a judíos y palestinos. Trata, además, de las relaciones entre hombres heterosexuales y homosexuales. La agresión de cuatro “drag queens” agredidos por un grupo neonazi en los pasillos del metro en Berlín mueve a Eyal a intervenir hasta poner en fuga a los agresores. Muchas cosas han cambiado ya en él y muchas pueden y deben cambiar en Alemania, Israel y Palestina.

Dosis de acciòn con un poco de drama reflexivo...

Dosis de acciòn con un poco de drama reflexivo...

La trama oscila entre el thriller, en el que el “cazanazis” (oculto bajo la apariencia de guía turístico) debe averiguar el paradero (si es que vive) del abuelo del joven alemán (que está en Israel, visitando a su hermana Pia, “retirada” voluntariamente en un Kibutz, porque en su día descubrió que su familia le había mentido acerca del pasado), y una especie de “drama costumbrista”, en la que la convivencia temporal entre los dos personajes les va a permitir conocerse mutuamente, pulir sus diferencias y salvar ese abismo que parecía infranqueable entre dos personalidades aparentemente incompatibles. Así Fox se permite reflexionar acerca de las diversas visiones sobre la familia, la religión, la cultura, aspectos geopolíticos y psicológicos, como la culpabilidad, la responsabilidad, etc, apostando por una mirada humana sin dejar de ser crítica. Al mismo tiempo se nos brinda la posibilidad de ver bonitas estampas de ese país, como el Mar de Galilea, el Mar Muerto, Jerusalén, etc, todo ello bien aderezado por la excelente banda sonora a cargo de Ivri Lider.

Eytan Fox

Eytan Fox

Caminando sobre el Agua, es un magnifico ejemplo de convivencia entre el judío (obsesionado) y el alemán (avergonzado), dónde cada uno aprende del otro, de su forma de vida, de comprender el pasado, de seguir viviéndolo o tratar de redimirlo. Sin caer en la exageración y el abuso de situaciones de discriminación a lo largo de la película, hacen un trabajo minucioso y destacado de otros de su misma temática. Trata de que los pueblos no se reputen por las acciones de algunos y que los errores del pasado no interfieran con la posibilidad de conocer nuevas convicciones.

Al grano: Interesante mezcla de melodrama clásico e intriga política que explora, con suma sensiblidad, la posibilidad de una auténtica amistad.

* * * * / 5

Película de la semana de Puebla Gay: Una casa al final del mundo..

Una casa al final del mundo, A home the end of the world, Michael Meyer, 2004.

Una casa al final del mundo, A home the end of the world, Michael Meyer, 2004.

¿De qué trata?: En 1967, Bobby es un niño de nueve años muy sensible que observa los años 60: su mensaje de amor y libertad parece embargarle por completo. A principios de los 70, una súbita tragedia deja a Bobby sin familia. El niño establece una relación especial con Jonathan y la madre de éste, Alice (Sissy Spacek), quienes ofrecen a Bobby refugio y un renacido sentimiento de estar vivo. La amistad entre Bobby y Jonathan se extiende a lo largo de los años hasta la década de los 80 en la ciudad de Nueva York, un lugar donde la gente está constantemente rehaciéndose y redefiniéndose. Allí, Bobby (Colin Farrell) conoce a Clare (Robin Wright Penn), la pintoresca compañera de habitación de Jonathan (Dallas Roberts) cuyo reloj biológico suena con fuerza, alterando ya para siempre el destino de Bobby y complicando en adelante su relación con Jonathan. La trayectoria de este trío completa la película cuando los tres exploran nuevos territorios, deviniendo pioneros en un terreno virgen.

Esta película con buenos sentimientos respecto del ser humano contemporáneo, retrata la vida a priori desgraciada de un muchacho que pierde a su familia, pero es adoptado rápidamente por otra que necesita amor. Todo ello ocurre en los EEUU de los sesenta, con una cierta relajación moral respecto a las formas de amar y las drogas.

 Una historia dura, pero también dulce. Sentimental, pero también violenta en un sentido metafórico cuando del alma humano se trata. La violencia de la vida, de los sueños frustrados y de un vacío que cada vez parece más cerca de nosotros y en el que, inexorablemente, acabaremos cayendo.

Destaca Colin Farrell

Destaca Colin Farrell

Una casa en el fin del mundo” es la historia de un muchacho que busca su sitio en el mundo y para ello solo reparte amor allá por donde va, Colin Farrell ha sabido plasmar la intensidad y dulzura necesaria al personaje para que asi fuera. Cabe destacar tambien la actuación aunque en segundo plano de Sissy Spacek  una madre adelantada a su tiempo quien pasa a ser un pilar muy importante en la vida de Bobby.

Está basada en la novela de Michael Cunningham, escritor de “The Hours” y “Pasión al atardecer“. Si bien no llega a ser tan visceral y apasionante que Las horas, esta película se queda con el estudio de la necesidad de amor que necesitamos. La historia te va llevando de la mano y al final el buen tratamiento de la historia sobre el SIDA te da un interesante revez de cuan dura puede ser la vida, enfrentando pérdidas, amores y muchas alegrías.

Al grano: Película sentimental y delicada donde detaca sólo el amor, más allá de las formas convencionales o habitualmente más canalizadas de expresarlo.

*  *  *  1/2  / 5

FICG24 – Gomorra

Gomorra, Matteo Garrone, 2008

Gomorra, Matteo Garrone, 2008

¿De qué trata?: Poder, dinero y sangre: estos son los valores a los que los residentes de la provincia de Nápoles y Caserta tienen que enfrentarse cada día. Casi nunca tienen la posibilidad de elegir, y casi siempre están obligados a obedecer las reglas del “sistema” de la Camorra. Sólo un pocos afortunados pueden llegar a pensar en llevar una vida normal.

Película basada en el best-seller de Roberto Saviano, construida en torno a cuatro temas que controla la camorra, a saber:

Las historias que enmarcan esta película

Las historias que enmarcan esta película

1) Las velas de Scampia, un complejo arquitectónico degradado, compuesto por 7 “velas” de las cuales hay demolidas ya 3. Escenario de la lucha entre 2 clanes. Droga. Rito iniciático. Pagos/cobros, traiciones. Muerte.

2) Residuos tóxicos que durante décadas se entierran en Nápoles contaminando toda la región y que -cito del libro- la mortalidad por cáncer en Campania ha aumentado en los últimos años un 21%. Utilización de niños para conducir los camiones en el vertedero por el “paro desorganizado” de los transportistas. Aparición del único personaje que dice “no” y decide abandonar esa actividad, Roberto(Carmine Paternoster).

3) Dos adolescentes intentos gansteriles de cine, no están dispuestos a someterse a nadie, con una pistola en sus manos el mundo es suyo. Robos de poca monta, tráfico de armas. Advertidos y sentenciados.

4) Un sastre que lleva trabajando desde que era casi un niño en una fábrica de confección. La partida “comprada” por 30 euros el vestido, pero se trata de alta costura que luego lucirán las estrellas de Hollywood. El sastre para ganar dinero extra decide aceptar la proposición de un empresario-explotador chino para enseñar a su cohorte de esclavos frente a la máquina de coser. Dinero, explotación y muerte si fuera necesario.

A pesar de ser realista, se siente un dejo de no enmarcar toda la violencia

A pesar de ser realista, se siente un dejo de no enmarcar toda la violencia

Roberto Saviano, el autor del libro en el que está basada la película, ha recibido amenazas de muerte de algunas de las principales familias mafiosas. Santos cojones tuvo Matteo Garrone para adaptar el libro de Saviano.

Gomorra“, la película, es una historia hiperrealista sobre la Camorra italiana. Garrone cuenta casi de forma documental los “tejemanejes” de la mafia en los barrios napolitanos. Como si de un estudio sociológico se tratase, el director italiano desmitifica la figura yuppy del mafioso traficante vividor, mata al mito Tony Montana y lo baja al infierno, lo sumerge en una guerra en la que si te revelas, te suicidas. Sacar el arma y ponerse a pegar tiros para ascender está bien para las películas, en “Gomorra” como mucho asciendes a los cielos.

Escenarios duros de Italia...

Escenarios duros de Italia...

“Gomorra” es un film denuncia. En Europa la Camorra ha matado más que todas las organizaciones criminales, 4.000 muertes en los últimos treinta años. Una víctima cada tres días. Es muy fácil caer en uno de sus clanes, y así se muestra en el film. Si entras ya no sales y si sales será en una bolsa de plástico y enterrado bajo toneladas de residuos ilegales. Este film, al igual que el libro, debería de avergonzar a los dirigentes italianos. No lo hará porque como los nuestros, hace mucho tiempo que perdieron la vergüenza.

Excelente trabajo actoral. Del mismo modo la utilización de la cámara actuando como testigo de lo que ocurre.

Al grano: A pesar de la increible factura que tiene tras de si, Gomorra se siente un tanto fría a lo que muestra, la falta de más dureza y el centramiento del personaje como un ser que decide que camino optar a pesar de sus condiciones gobierna la trama.

* * * 1/2 / 5

Doubt / La duda

Doubt, John Patrick Shanley 2008

Doubt, John Patrick Shanley 2008

¿De qué trata?: Es 1964, parroquia de San Nicolás en el Bronx. Un vibrante y carismático sacerdote, el padre Flynn (Philip Seymour Hoffman) está tratando de cambiar las estrictas normas del colegio, que durante años han sido fieramente salvaguardadas por la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep), una directora con mano de hierro que cree firmemente en el poder de la disciplina. Vientos de cambio político están barriendo la comunidad, y de hecho el colegio ha aceptado a su primer alumno negro, Donald Miller. Pero cuando la hermana James (Amy Adams), una pobre inocente, le comenta a la hermana Aloysius sus sospechas de que el padre Flynn presta “demasiada atención” a Donald, la superiora comienza una cruzada personal para sacar a la luz la verdad y expulsar a Flynn del colegio por abusar del alumno. Sin una sola prueba aparte de su convicción moral, la hermana Aloysius comienza una batalla con el padre Flynn, que amenaza con desgarrar la comunidad con consecuencias irrevocables. Basada en una obra ganadora del Premio Pulitzter y de un Premio Toni en su adaptación teatral.

Meryl Streep, haciendo una interpretación muy bien lograda

Meryl Streep, haciendo una interpretación muy bien lograda

Un año después del asesinato de JFK, una escuela católica de los EEUU se debate entre el tradicionalismo docente de su directora, interpretada por la veterana Meryl Streep, y el aperturismo humanista del párroco del colegio, personaje a quien da vida Philip Seymour Hoffman. Entre ambos hallamos ejerciendo de unión a la hermana James, una joven monja, profesora del colegio, cuyas dudas a la hora de tomar partido por uno u otro bando serán plenamente compartidas por el espectador.

Galardonada con los premios Pulitzer y Tony, “La duda” se trata de una pieza teatral adaptada a la gran pantalla por su propio autor, John Patrick Shanley, director también de la intrascendente Joe contra el volcán (1990). Shanley no sólo se muestra mucho más serio y profundo que en su debut cinematográfico, sino que, lejos de conducir su nuevo film por los fáciles derroteros del maniqueísmo más primario y visceral, mantiene hasta los créditos finales nuestra incerteza acerca de los verdaderos sentimientos y motivaciones de los dos “contendientes”. ¿Es la hermana Aloysius Beauvier una malintencionada mujer interesada en desacreditar al padre Brendan, o bien es la única que ve las secretas e indecentes intenciones que éste tiene sobre un alumno?. Quizá deliberadamente, esta duda irresoluta acabará eclipsando el debate educacional planteado minutos antes y confundirá las verdaderas intenciones del film, haciendo así honor al título de la película y alejándose de otras que, como Priest o Las hermanas de la Magdalena, únicamente pretendían afrentar a la Iglesia católica.

Meryl Streep le da clases de actuación a Amy Adams en pleno Doubt

Meryl Streep le da clases de actuación a Amy Adams en pleno Doubt

Como no podía ser de otra manera, La duda se mueve por unos parámetros bastante teatralizados. Sus acciones, que transcurren en interiores y escenarios limitados visualmente, encuentran en la dialéctica y en los envites verbales su principal dinamizador. Indudablemente, la severa interpretación de Streep y la apaciguada melancolía que casi siempre desprende Seymour Hoffman dotarán a estos diálogos de mayor profundidad y carga dramática. Sin embargo, no nos encontramos ante un mero ejercicio de teatro filmado. John Patrick Shanley acompaña diálogos e interpretaciones con un buen surtido de imágenes simbólicas que de forma bella y constante subrayarán muchos de los sentimientos de sus personajes, confirmándole de paso como un director conocedor del medio, y no como un prestigioso literato que se sitúa detrás de una cámara para adaptarse a sí mismo.

Amy Adams luce temerosa y frágil ante los monstruos que la acompañan

Amy Adams luce temerosa y frágil ante los monstruos que la acompañan

Curiosamente junto con “Revolutionary Road“, esta “Doubt” forma una pareja de ejemplos recientes de premiados dramas que siendo apreciables y contando con muy buen material detrás no acaban de despuntar al terreno de lo perdurable. Uno lamenta que la tensión no estalle con más fuerza, la que sea necesaria al menos para que los mensajes subyacentes de la película lleguen con más garra y le tatuen a uno el corazón con fuego ardiente. Porque siendo ambas tan dadas a la lucidez interpretativa (nominados al Oscar andan los cuatro actores principales de “Doubt”), tan fenomenalmente teatrales uno no alcanza a entender porqué no traspasan más las lineas, porqué el espectador no se queda noqueado en los créditos finales. Y las razones a las que uno puede aferrarse tal vez radiquen en demasiado academicismo, falta de riesgo tanto en realización como en construcción del guión. Y la verdad es que todo esto da que pensar en que estas películas que son interesantes, recomendables y dignas son criticadas porque sus posibilidades son enormes en cuanto que films más limitaditos que sorprendentemente llegan a ser reseñables son destacados como si fueran descubrimientos de culto. “Doubt” sea como fuere, mantiene el suspense hasta el final, tiene a un señor actor Seymour Hoffman que está inmenso y un desenlace cuando menos medianamente inquietante y reflexivo. Tal vez el problema lo tenga quien esto escribe por esperar más pero lo cierto es que esta película podría haber golpeado más fuerte. Siempre me quedará la duda.

Viola Davis, se luce en Doubt

Viola Davis, se luce en Doubt

El drama se centra en varios frentes, ahondando en el enfrentamiento entre una visión retrógrada y severa de la religión, de la moral y de la conducta, y una perspectiva abierta, sustentada en la comunicación, el diálogo y el fluir espontáneo y recíproco del afecto. Por otro lado, también presenta el eterno problema de la intolerancia, del racismo, de las desigualdades y del maltrato tanto físico como psicológico.
El problema que no dejo de percibir en el desarrollo de la película es que, exceptuando algunos pasajes de gran carga reflexiva, crítica y afectiva, el resto lo veo bastante plano, algo insulso y los temas que aborda no son tratados con la suficiente profundidad ni la dedicación que requieren. Al finalizar, me quedé con la sensación de “¿y esto es todo?”

Al grano: Producto vendido con mucha calidad que al final de cuentas te deja un sentimiento de que le falta algo.

* * * / 5

El curioso caso de Benjamin Button

El curioso caso de Benjamin Button (Fincher, 2008)

El curioso caso de Benjamin Button (Fincher, 2008)

¿De qué trata?:

Basada en un relato de F. Scott Fitzgerald, cuenta la historia Benjamin Button (Brad Pitt), un hombre que nace con el cuerpo de una persona de 80 años, tiene cataratas, artrosis y esta lleno de arrugas.

Pero pese a la prediccion del medico no muere, todo lo contrarío, lentamente, a lo largo de los años, rejuvenece para llevar una vida llena de pasion y aventuras que abarca todo el Siglo XX.

La historia se entrelaza con otras, en particular la de su primer amor (Cate Blanchett). Eventualmente se enfrentara a la adolescencia y el miedo de ser un estorbo a sus personas queridas.

Hay películas que te llegan muy profundo de un modo extraño. Al igual que hay canciones que te abruman, paisajes que te deslumbran o personas que te impactan de lleno…

Esta película no me ha parecido que trate acerca de un caso médico extraordinario, curioso o diferente,… Me ha parecido una de las narraciones sobre la vida más completas, hermosas y bien contadas que he visto, leído, escuchado o imaginado.

Con un cierto aire a realismo mágico, Fincher nos envuelve durante casi tres horas en la piel de Benjamin Button y nos muestra la vida tal y como es. Hace ya horas que la vi y cientos de escenas aun surcan mi mente y mi estómago sigue encogido como ocurre cuando algo inesperado te “embiste” por sorpresa. El paso del tiempo, lo efímero de la felicidad, la dualidad realidad-sueño, la brevedad de la existencia, la eternidad del amor… son algunos de los interrogantes que componen la película y son también interrogantes de la vida, del hombre en general.

Las caracterizaciones son más que fascinantes

Las caracterizaciones son más que fascinantes

David Fincher toma una historia fantástica y la traslada a un marco real, le da vida, apoyado por un reparto entregado a la causa, consiguiendo crear el milagro de que todo funcione como el mecanismo de un reloj, sin momentos torpes, sin escenas que sobren, estando todo calculado al máximo para lograr esa “comunión” que mencionaba más arriba. La brillante dirección de Fincher es sólo una de las muchas cosas que elevan Benjamin Button a la categoría que merece, a las que habría que sumarle el diseño artístico, su impecable banda sonora, momentos de asombrosa imaginería visual y una historia que trasciende de su punto de partida: no es sólo la fábula de un niño que nace viejo, ni un romance, ni un drama. Es una historia sobre la vida, sobre las casualidades, sobre la superación personal, sobre la búsqueda de uno mismo, y en definitiva, sobre cómo afrontar nuestra existencia. Fincher nos acostumbro a su particular forma de dirigir, un poco oscura para mi gusto pero igualmente solvente, en Benjamin Button Fincher se calma, con una sobriedad exquisita nos cuenta los hechos, un trabajo que consigue un ritmo impresionante que jamás decae, el publico quedara hipnotizado, embobado con esta producción.

Cate Blanchett y Brad Pitt

Cate Blanchett y Brad Pitt

Actuada con gran destreza, Brad Pitt encarnando a este particular personaje esta perfecto, Cate Blanchett brilla tanto como su personaje “Daisy”, es totalmente impresionante el talento de esta actriz (soberbia), y su conexión con Pitt es muy solvente, desde “Babel” esta pareja dejo mucho que desear en la gran pantalla, Tilda Swinton me parece exquisita en su rol, un papel que le sienta perfecto y aunque su aparición es relativamente corta, esos minutos hacen de ella una de las mejores actrices del momento, pero quien realiza un papel absolutamente admirable es Taraji P. Henson, una perfecta actuación y personificación de este importante personaje, de ella se espera mucho en las próximas premiaciones.

En la pantalla no vemos actores en la piel de personajes, vemos personas. Y por muy increíble que resulte lo que se nos narra, es todo tan veraz como la vida misma, consiguiendo emocionar o divertir según la situación, algo meritorio considerando que es una historia tristísima. “The Curious Case of Benjamin Button” es el sucesor directo de “Big Fish“, una historia envuelta en fábula que transmite algo en cada una de sus secuencias.

Baile a media noche

Baile a media noche

La calidad técnica habla por si misma, la caracterización y las actuaciones creo que también. La dirección es impecable y el metraje quizá un poco excesivo aunque supongo necesario para narrar tal cantidad de cosas. Benjamin Button no equivale a una superproducción de Hollywood, Benjamin Button es algo totalmente diferente, es un diamante precioso que anhela ser visto, tocado y saboreado.

No hay imagen sin carga emotiva

No hay imagen sin carga emotiva

Al grano: Película con fastuosos recursos técnicos y visuales dónde lejos de ser un enorme pastel dulce (Australia) se convierte en un vehículo reflexivo hacia la vida y el tiempo. Y sobre todo, las oportunidades que dejamos en la vida y los efectos de nuestras decisiones cotidianas.

*  *  *  *  1/2 / 5

“Ni en tu casa ni en la mía”…. NI EN EL CINE….

Four Christmases - 2008

Four Christmases - 2008

¿De qué trata? : Brad (Vince Vaughn) y Kate (Reese Witherspoon) son una  exitosa pareja de San Francisco que ven cómo sus planes iniciales de pasar el día de Navidad en un lugar exótico, alejados de su ciudad y de sus propias familias, se convierten en algo muy diferente. Obligados y sin escapatoria, ambos se ven envueltos en una Navidad de lo más familiar. La situación hace que tengan que pasar la navidad con las familias de sus padres divorciados.

Las cuatro celebraciones navideñas hacen que salgan a la luz los miedos de la infancia, se reabran las heridas de la adolescenciae incluso que se den cuenta de lo que significa su relación. Pero mientras Brad cuenta las horas para quitarse de encima ese mundo de padres, suegros, sobrinos y hermanos, Kate empieza a ver las cosas de un modo diferente y, al final del día llegarse a preguntar si la vida que ha elegido el resto de su familia no es tan mala después de todo.

Por donde empezar, bueno empezando por el elenco, el cuadro de los padres es elegante (Robert Duvall, Sissy Spacek, John Voight y Mary Steenburger), cualquier drama lucharía por un elenco así, sin embargo, en este bodrio film, están completamente desaprovechados. Después la química entre los protagonistas es nula.
Lo que pudo haber sido una buena radiología de las relaciones contemporaneas, las relaciones libres donde  no existe un matrimonio como contrato, queda diseccionado en algo moralista y manipulador. Una película de comedia donde eso es lo que menos hay y en donde a la mitad de la película ya pides que se dejen de tonterias.
Kate y Brad

Kate y Brad

Al grano: Es la película que le dió de comer a Reese Witherspoon este año, en dónde ni su carisma pudo salvar esto, por que en esta película no se le nota. Vince Vaughn sin chiste como siempre. Una película tonta, en toda la extensión de la palabra. No vale la pena que se vea Ni en tu casa ni en la mía ni en el cine. Aparte que pésimo tino para su nombre en español.
* / 5

Juegos del corazón….

Jugando con el corazón

Jugando con el corazón

¿De qué trata?: Un grupo de personas que pertenecen a distintas generaciones y tienen estilos de vida muy distintos, coinciden en un punto común: buscan el amor y la amistad en Los Ángeles de hoy en día. Entre ellos están Hannah (Gena Rowlands) y Paul (Sean Connery), un matrimonio que se verá amenazado por los fantasmas del pasado. Meredith (Gillian Anderson), una soltera dedicada a su trabajo. Hugh (Dennis Quaid), un solitario, que va de bar en bar contando tristes historias de amor. Gracie (Madeleine Stowe) y Roger (Anthony Edwards), una pareja que ha encontrado la diversión sexual en una relación clandestina, o Joan (Angelina Jolie) y Keenan(Ryan Phillippe), dos jóvenes que pasan el tiempo soñando en los locales nocturnos de Los Ángeles. Todas estas personas experimentarán una transformación a causa de una cadena de acontecimientos imprevistos que harán que salga a la luz lo fugaz, complejo, y, a menudo, milagroso que puede ser el amor en según que circunstancias.

Meredith y Trent

Meredith y Trent

Construida como una versión ligera y optimista de “Magnolia“, la película nos muestra fragmentos de la vida de varias personas, de diferentes edades y en muy diferentes circunstancias, donde el común denominador es el amor en sus diferentes facetas: amor filial, romántico, sexual, etc. Esto mismo hace que la película sea dinámica y llevadera. Está formado por los consabidos clichés románticos y lacrimosos: encuentros fortuitos, malos entendidos, enfermedad del ser amado, etc. Pero por trilladas que sean las situaciones, cuando son realizadas por Sean Connery, Dennis Quaid o Gena Rowlands, nos envuelven por su pasión, más que por su contenido. Aunque el guión acierta  en los inteligentes diálogos y en la espléndida descripción y relación de personajes.

Los personajes están muy bien definidos, lo que hace que cada historia parezca un corto en dónde al final todas encajan en un todo, logrando perfecta coherencia a un conjunto interesante. Es impresionante ver a un reparto multiestelar logrando una bella propuesta coral, donde ninguno puede ser calificado como “principal”, pero del cual sobresale Angelina Jolie en el papel de Joan. Un papel que podría haber sido completamente plano en manos de otra persona toma una maravillosa tridimensionalidad gracias al gran talento expresivo de esta actriz. La Jolie llena de naturalidad, energía, elegancia, de un magnetismo absoluto (sino vean simplemente la primera secuencia de la cinta, clave por otra parte de todo el mensaje de esta) como nunca antes vista. Son sus escenas las que captan más emoción y atención de una película pequeña y recomendable, sincera y emocionante.

Joan y Keenan

Joan y Keenan

Al grano: “Jugando con el corazón” es una pequeña y olvidada joya de ese cine pequeño y mal promocionado que habla de temas universales mil veces hablados  con una madurez y naturalidad. Y en ese sentido, la película se puede disfrutar como una obra escapista, sin grandes pretenciones de originalidad.

* * * 1/2   / 5