Ha-Buah (The Bubble) – Sólos contra el mundo

Ha- Buah (The Bubble), Sólos contra el mundo, Eytan Fox, 2006

Ha- Buah (The Bubble), Sólos contra el mundo, Eytan Fox, 2006

¿De qué trata?:

Tres jóvenes israelíes comparten apartamento en un barrio hippie de Tel-Aviv. Lulu(Daniela Virtzer) es dependienta en una pequeña tienda; Yali(Alon Friedman) es el encargado de un café de moda y Noam(Ohad Knoller) pasa sus fines de semana sirviendo en puntos de control de la Guardia Nacional. Los tres amigos tratan de vivir al margen de conflictos sociales y políticos, a menudo son acusados, por ello, de vivir en una burbuja. Todo se complica cuando Noam se enamora de Ashraf(Yousef ‘Joe’ Sweid), un joven palestino.

Con “Yossi and Jagger” ya consiguió dejarme clavado en el sofá, con unas cuantas (por no decir muchas) lágrimas cayendo durante los títulos de crédito. Con “Caminar sobre las aguas” consiguió hacerme pensar, cuestionar muchas cosas, desmontar alguno de mis parámetros… Y ahora con “The Bubble” Eytan Fox va mucho más allá… La historia de estos cuatro chicos te envuelve desde su comienzo documental, te atrapa y te lleva por sus vidas, poco a poco, a retazos, y te lleva de cabeza a un final irreversible y tristemente a la orden del día…

De forma sorpresiva Eytan Fox y su guionista colaborador Gal Uchovsky tienen la habilidad para narrar la historia de amor imposible entre un hombre palestino y uno israelí, trasladarnos al contexto de cada uno para dejar ver la saturación de prejuicios y hostilidad que les acechan para desatar por medio de la agresión las respuestas a las diferencias. Esta habilidad se ve reflejada en pantalla con una historia sencilla y ágil, inmersa en problemas de índole político de la que los personajes principales tratan de escapar para refugiarse en una burbuja frágil.

Noahm y Ahraf

Noahm y Ahraf

“Sólos contra el mundo” es una radiografía de la juventud israelí. Está compuesta por un reparto 100% juvenil, que va más allá del chiste fácil o estúpido; que enseña posturas, motivos y dificultades de los habitantes de cada región para mantenerse en sus posiciones; y de lo que los sueños propician. Los personajes están perfectamente definidos, cada uno con su vida pero entre ellos son como uno. Igual cómo el palestino llega a la vida de los judíos es un poco confuso, pero a partir de ahí se genera un amor, una lucha por la paz y una visión muy mágica del lugar.

Uno de los aciertos de “Sólos contra el mundo” es que de nuevo, crea una película de carácter político encubierta en otros géneros. Dicho de otra manera, no impregna toda la cinta de ese carácter austero y serio que viene a ser seña de las películas de temática política. El humor es recurrente en su filmografía, y en este caso, quita tensión y seriedad a un tema tan peliagudo. Fox es otra de esas voces disconformes con la política de ocupación de Israel, un ser disidente que se sabe doblemente incómodo (por su activismo político y su manifiesta sexualidad) y que usa sus armas para reivindicar lo que considera necesario.

los protagonistas de Sólos contra el mundo

los protagonistas de "Sólos contra el mundo"

No le quito méritos ante una propuesta en la que acaba por exponer una realidad que es por todos conocida (aunque su conocimiento no implique tenerla en cuenta, desgraciadamente): la violencia genera más violencia.

Inicia su andadura con una secuencia dura, con cámara en mano -en un punto de control, una mujer palestina se pone de parto-. Es un excelente comienzo, y nos avisa, de que esta película no quiere dejarse cosas en el tintero. La pena es que Fox se pierde por las ramas, aunque aquí hago un inciso: La burbuja es una cinta que ha viajado a diferentes países con distinto metraje. Mientras que en Israel su duración es de 90 minutos, en otros países sobrepasa las dos horas. La película que yo he visto duraba casi dos horas, por lo que muchas de las escenas que considero innecesarias y algo triviales supongo que quedarían fuera del montaje en Israel.

Haz el amor, no la guerra... citan en la película

Haz el amor, no la guerra... citan en la película

De haber cuidado un poco más la película y haber centrado la trama en ese problema socio-político, sin por ello haber perdido el humor y frescura de la cinta, Fox podía haber conseguido un producto mucho más redondo. Sin embargo esta película es un homenaje al amor, a Tel-Aviv, a los jóvenes y a la paz….

Al grano: “Sólos contra el mundo” es un buen trabajo de sumo interés pero que su director no sabe rematar y que a mí juicio, estropea imponiendo un lirismo innecesario en su final.

* * * * / 5

Para los amantes del teatro, Noviembre.

Noviembre, Achero Mañas, 2003

Noviembre, Achero Mañas, 2003

¿De qué trata?: Empujado por un espíritu que todavía conserva su barniz de idealismo, Alfredo (Óscar Jaenada) decide crear “un arte más libre, hecho con el corazón, capaz de hacer que la gente se sienta viva”. Su concepto del teatro va más allá del escenario, se traslada a pie de calle, cara a cara con el público esperando que éste se implique, provocándolo si es necesario. Sus actuaciones cargadas de denuncia social, sin límites ni censuras, llevan a poner en alerta a las fuerzas del orden público…

Es posible que quien no se haya subido a un escenario no la entienda.

Noviembre es mas que un “docudrama sobre un grupo teatral idealista” como han remarcado algunos; es la ilusión que todos los que nos hemos sentido atraídos hacia el mundo de Tespis hemos tenido. Una reflexión sobre la vida y los ideales: como nacen, crecen se fortalecen, y por desgracia, acaban convirtiéndose en meros sueños de juventud.

Todo el mundo me hablaba de esta película; la mayoría de ellos los nuevos “indies” que pueblan nuestras universidades, para los cuáles Noviembre es una obra de culto.

Mi predisposición a la hora de veerla era algo negativa ya que el tema del teatro en el cine quizás no me parecía lo más interesante, si bien al terminar de verla mi opinión ha sucumbido ante esta obra de arte.

Alfredo caracterizado...

Alfredo caracterizado...

Nos encontramos ante una película con un argumento inusual pero a la vez visto mil veces; está rodada con la inocencia de una mirada limpia pero con la resabiduría del perro más viejo; es dulce y amarga; utópica y realista al límite. Será que en esta serie de paradojas basa su esencia.

No es sólo teatro lo que esta película abarca. Llega más allá, al arte en general, a la comercialización de todo, a dejar de hacer las cosas por placer, por honrar el arte… consumismo consumismo y más consumismo…

El teatro es arte, y como toda arte, debe expresar sentimientos, ideas (o ideologías en su defecto); una actuación no debe crearse con la intención de ser un éxito, con la intención de ganar dinero. Eso debe ser algo secundario.

Noviembre es Alfredo, un chaval que supera las pruebas de una escuela de interpretación y que, tras un inicio decepcionante y humillante, decide luchar por realizar un arte auténtico, directo y provocativo junto a otros compañeros. En esa búsqueda artística serán tan importantes las actuaciones, su resultado, como no traicionar los principios sólidos de su manifiesto.

Nuevas formas de representación

Nuevas formas de representación

Achero Mañas afronta con acierto el reto de rodar los números en la calle con pasión e improvisación, pues es ahí donde el teatro es más limpio, independiente, dinámico y agresivo con la gente que, a diferencia de la que se acomoda al acudir a estrenos, no está preparada, y necesita en mayor medida de la reflexión no encubierta. Su mayor error radica en la elección del falso documental, que no sería tan desastroso sino fuera por la interpretación de los actores que lo componen. No obstante, suple este desequilibrio con otras muchas virtudes. Se le agradece en esta segunda película su apuesta por la libertad creativa en vez de por inflar el presupuesto, su esfuerzo por retratar la crónica viva de unos ideales (desde su efervescente y comprometido nacimiento hasta su desaparición), su compromiso con la esperanza, su valentía, su humildad, su técnica, su sinceridad…

Unión entre teatro y cine

Unión entre teatro y cine

El director consigue sortear el ridículo (la falta de motivación en algunos momentos deja entreverlo), y arriesga su caché en busca de una cinta de tintes populares con trabajo, inspiración y originalidad. Porque esta iniciativa para cambiar el mundo sin ánimo de lucro goza de una presencia física tan constante, bestial, fresca y emotiva, que uno no tiene más remedio que implicarse o salir de la sala, ya que esta amarga historia de entusiasmo combativo y contagioso despierta los sentimientos más primitivos, y convierte en modélica la ilusión que desprende.

Al grano: Una reflexión bienintencionada sobre las artes, el compromiso o el carácter utópico de las generaciones más jóvenes pero, pese al estimulante envoltorio visual, no consigue hacerse totalmente creíble.

* * * 1/2 /5

La novia de la novia…. Imagine Me & You

La novia de la novia, Imagine Me & You, Ol Parker, 2005

La novia de la novia, Imagine Me & You, Ol Parker, 2005

¿De qué trata?: En el día de su boda, camino del altar, Rachel(Piper Perabo) ve a la persona con la que quiere pasar el resto de su vida. No es su prometido, ni siquiera un invitado apuesto… es la chica encargada de las flores de la ceremonia(Lena Headey).

Rachel and Lucy

Rachel and Luce

Algo a su favor es lo corta que se te hace esta película, nada más comenzar: la boda… y a partir de ahí una espiral de acontecimientos que van uniendo a las 2 protagonistas en algo que se huele desde el primer momento en el que cruzan miradas. La vida puede cambiar en tan sólo dos segundos. Cuando parece que todos los cabos de tu vida están más que atados, puede aparecer algo o alguien que te desmonte todos los esquemas que ya habías planeado con minucioso esmero. Así se debe sentir la protagonista de este film, Piper Perabo, que vuelve a hacer de lesbiana en un papel divertido y tierno a la vez.

No es una comedia romántica típica ni muchísimo menos (pero tampoco es extremadamente original) y funciona, sabe transmitir bien los sentimientos de los personajes, el ambiente de la pareja de Rachel y Heck(Matthew Goode), los sentimientos que hay entre Rachel y Luce… Es una película bastante graciosa (un factor importante en esto es el personaje de Cooper(Darren Boyd )) pero sin pasarse, en su justa medida, humor perfecto para una comedia romántica. Y es una película bonita, como no podía ser de otro modo

Lucy despierta el interés de Rachel con una mirada

Luce despierta el interés de Rachel con una mirada

Generalmente, los filmes sobre homosexualidad femenina, ya sean creación de hombres o mujeres, describen a una de las partes con características masculinas físicas y/o psicológicas. Sin embargo, Ol Parker las “ve” como dos seres femeninos, dulces, sensibles, sin problemas de comunicación con el sexo opuesto ni con el resto de la humanidad. Ni siquiera considera que el lesbianismo tiene su origen en la ausencia de una madre o un padre, o en la imagen negativa de una madre o en una mala relación. Simplemente, es lo que creo que Ol Parker intentar expresar es que la vida es dinámica y que siempre se puede mejorar su calidad. Exceptuando el personaje de la amiga, que sigue sola, el resto atraviesa cambios profundos y positivos.

Estamos rodeados de decisiones

Estamos rodeados de decisiones

Pero lo que siento que Ol Parker fundamentalmente desea expresar es que el amor tiene diversas fuentes y senderos, y que la vida se convierte en un paraíso cuando dejamos respirar y vivir a nuestro corazón, ya se trate de homosexuales, heterosexuales, bisexuales, asexuales u omnisexuales. Sin dudas, ni patologías, ni desafíos, ni conflictos de ningún tipo en los involucrados, familiares, amigos, conocidos o desconocidos. Simplemente dejando al amor ser. Cuando esto sucede, la vida se convierte en una celebración.

Al grano: Simpática comedia romántica que estudia el proceso de enamoramiento de dos mujeres dando como resultado un ejemplo de libertad y una buena intensión de sus creadores.

* * * 1/2 / 5

Quemar las naves

Quemar las naves, Francisco Franco Alba, 2007

Quemar las naves, Francisco Franco Alba, 2007

¿De qué trata?: Sebastián(Ángel Onésimo Nevares) y Helena(Irene Azuela) son dos hermanos adolescentes que viven con su madre moribunda en una ciudad colonial de provincia. Encerrados en una casona que se está cayendo a pedazos, lo único que los sostiene es su relación simbiótica y dependiente. La llegada de Juan(Bernardo Benítez), un adolescente de clase baja que viene del mar, desencadena un enfrentamiento entre los hermanos, que los obliga a definir su actitud hacia el amor, el sexo, la amistad, el poder, la traición; en definitiva, su actitud ante la vida.

Francisco Franco no titubeó al construír una historia difícil de ser concebidad dentro de un contexto social como lo es el Mexicano. Dejando atrás el tabú, la imagen solemne de una Columba Rodríguez o la arquetípica figura de un charro y más aún, la mil veces citada historia de pobreza y drogadicción que nada propone; nos entrega una honesta cinta donde aquello “improbable” de ser, puede ocurrir.

Los hermanos (Helena y Sebastián) han convivido toda una vida a la sombra del éxito de su madre, quien, por alguna circunstancia, pasa los últimos años de su vida postrada en una cama. Motivo por el cual, la joven Helena se ha visto obligada a desempeñar el rol de madre-padre, sin que esto signifique la fragmentación de sus deseos de volar.

A su vez, y como consecuencia de ello, el surgimiento de una obsesiva relación de posesión y control para con su hermano, misma que se enfatiza con la llegada de un tercer elemento, que a primera instancia parecería incidental o poco revelador y por el contrario, aporta el sentido real para el descubrimiento colectivo de los implicados.

Fotografías de la película...

Fotografías de la película...

Nada mal, si tomamos en cuenta que el director renunció al estereotipo de actores de gran escuela. Destacable la actuación de Irene Azuela; pocas veces un personaje femenino con tal actitud y sin pose de diva. La película contiene sus errores, claro está pero salvables al margen de haber presentado un filme arriesgado y si no excelentemente logrado, en vías de una trasgresión al actual cine mexicano.

Unidad y responsabilidad

Unidad y responsabilidad

“Para poder manejar tu vida con total libertad, es necesario abandonar el nido familiar”. Este mensaje más o menos afortunado según los gustos, se convierte en el hilo conductor de este filme mexicano donde, contra todo pronóstico, dos hermanos adolescentes y una madre moribunda se convierten en los principales protagonistas a pesar de una insufrible masa de personajes secundarios que invaden descaradamente una historia sencilla y la cargan con tópicos tan manidos como la homosexualidad, el incesto, la dependencia o la búsqueda de identidad típica de la juventud.

Quemar las naves supone una película con ritmo, con actuaciones dignas, una fotografía aceptable pero mejorable, con un guión que no es muy descabellado y que intenta dar una moralina que resulta muy válida para un público fácil. Es una cinta amable y previsible, políticamente correcta en temas que a ninguno ya nos sorprenden y que con el paso del tiempo, en vez de quedarnos un regustillo agradable nos deja una impresión insípida e indiferente.

Sebastián

Sebastián

Al grano: Una de las propuestas más honestas del cine mexicano, Irene Azuela demuestra que va a crecer muchísimo como actriz y que puede ser de las grandes con gran soltura.

* * * 1/2 / 5

Azuloscurocasinegro (DarkBlueAlmostDark)

AzulCasiOscuroNegro, Daniel Sánchez Arévalo, 2006

AzulCasiOscuroNegro, Daniel Sánchez Arévalo, 2006

¿De qué trata?: AzulOscuroCasiNegro es un estado de ánimo, un futuro incierto, un color que, dependiendo bajo qué prisma se mire, cambia. Jorge(Quim Gutiérrez) ha heredado el trabajo de su padre después de que éste sufriera un infarto cerebral. Sin embargo, lucha contra un destino que parece inevitable. En los últimos años se ha esforzado por hacer su trabajo, cuidar de su padre y estudiar una carrera. Ahora su empeño es encontrar otro trabajo. A través de su hermano Antonio(Antonio de la Torre ), conoce a Paula(Marta Etura), con quien entablará una extraña relación que impulsará a Jorge a dejar de sentirse responsable de todo y enfrentarse a sus deseos, obviando lo que los demás esperan de él. Entonces todo podría ser diferente… o no.

AzulOscuroQuéManíaDeEscribirloTodoSeguidoCasiNegro podría presentarse como paradigma de lo que es una película española:

  • Se ambienta en Madrid.
  • Los personajes tienen importantes y rebuscados problemas sexuales.
  • El tono oscila entre lo social y lo cómico.
  • Los defectos residen principalmente en las deficiencias del guión, en su tendencia al efectismo y a la dispersión.
Paula y Jorge

Paula y Jorge

Es una película española prototípica, sí, pero también hay que redondearlo diciendo que es una buena (y más que buena) película española, entretenida, bien interpretada (los actores, sobre todo los masculinos, son estupendos).

Paula encerrada...

Paula encerrada...

De entrada comentar que no he visto nada anteriormente de su director, Daniel Sánchez Arévalo, y el primer film que veo de él me pareció una muy buena película. Al margen de la eterna discusión sobre el cine español/cine americano, creo que esta película merece ser comentada independientemente de este dilema. Daniel Sánchez Arévalo,  nos presenta un nuevo color, una propuesta muy interesante y nos anuncia una carrera brillante. Azuloscurocasinegro, es una historia, de esperanzas, de sueños, de superación, donde los personajes perfectamente trazados y con evoluciones muy bien desarrolladas, nos pueden parecer cercanos y sentir lo que ellos mismos estan sintiendo. El guión es insólito, lleno de metáforas y de verdades como templos.

Jorge empata con Paula

Jorge empata con Paula

A mi entender la película tienen un claro tema carcelario. No sólo de la cárcel donde donde están encerrados los personajes de Antonio y Paula y se conocen por casualidad en un taller (un medio de escapar de la dura realidad de la vida de la prisión), dos personajes encerrados por motivos diversos, incluso no llegamos a saber porqué está encerrado Antonio, algo que al final no importa para nada, y que intentan escapar por todos los medios posibles, sobretodo Paula, que busca desesperadamente quedarse embarazada para tener una vida mejor dentro de la cárcel. También es una cárcel la vida de Jorge, acentuada esta percepción con diversos planos de la entrada de la portería a través de unos barrotes. De hecho prácticamente todos los personajes del film son vistos a través de estos barrotes demostrando el encierro que sufren todos ellos: El padre encerrado en sí mismo, Jorge atrapado por unas circunstancias de las que intenta salir desesperadamente, Antonio que pasa de la cárcel a vivir en una casa de donde fue expulsado, Paula cuya vida pasó del cielo al infierno sin casi ni enterarse, Natalia atrapada por el cariño que siente por Jorge y que no acaba de aclarar sus sentimientos y Andres atrapado en su casa con un doble dilema sobre las inclinaciones sexuales de su padre y suyas própias.

Al grano: En resumen una película hecha con mucho sentimiento, que sientes como muy cercana y próxima. Una película que no te deja indiferente y que una vez que empieza no puedes dejar de verla a ver que pasa a continuación. Un director a tener muy en cuenta en el futuro por mi parte.

* * * */ 5

Notes on a Scandal – Escándalo

Escándalo, Notes on a Scandal, Richard Eyre, 2006

Escándalo, Notes on a Scandal, Richard Eyre, 2006

¿De qué trata?:

Barbara (Judi Dench) es una despótica y solitaria profesora que gobierna su aula con mano de hierro en una ruinosa escuela pública secundaria situada en Londres. Con la excepción de su gata, Portia, Barbara vive sola, sin amigos ni confidentes, pero su mundo cambia cuando conoce a la nueva y atractiva profesora de arte de la escuela, Sheba Hart (Cate Blanchett). Sheba parece ser el alma gemela y la leal amiga que Barbara siempre ha estado buscando. Pero cuando descubre que Sheba mantiene una tórrida relación con uno de sus jóvenes alumnos (Andrew Simpson), su naciente relación da un peligroso giro. Entonces, cuando Barbara amenaza con revelar el terrible secreto de Sheba al esposo de ésta (Bill Nighy) y al mundo entero, los propios secretos y las siniestras obsesiones de Barbara salen a primer plano, exponiendo los engaños que se ocultan en el núcleo de las vidas de las mujeres.

Judi Dench y Cate Blanchet en un magnífico duelo actoral

Judi Dench y Cate Blanchet en un magnífico duelo actoral

Escándalo es una acertada aproximación a dos carácteres y dos formas de ver la vida desde el punto de vista emocional, pero también desde el punto de vista social. Por que los juicios que emite el personaje de Judi Dench sobre las diferencias sociales, raciales y económicas de la actual Gran Bretaña son de los más tajantes. Escándalo es también una interesatísima reflexión sobre la soledad, la soledad real y la soledad sentida, ambas igual de dolorosas. Es una película de terror urbano, axfisiante y realista. Es un duelo de máxima altura entre dos de las mejores actrices de la actualidad. Dench, intensa, emocional, dura, fría, a la que hay que reconocer la gran capacidad camaleónica que consigue con cada personaje a pesar de su edad. Blanchet pura, cálida pero ambigua, triste, sóla aun con su compañía. Ambas demuestran a través de sus ojos sus emocionales interpretaciones, pasando con asombrosa facilidad del cariño al miedo y de este al odio. Pero podemos decir que sus interpretaciones también transpasan lo emocional y se convierten en física, por la fragilidad de Blanchett y la dureza de Dench, la debilidad de una y la tosquedad de otra.

Grandes actrices

Grandes actrices

Es un film pulcro en su dirección (Un exquisito Richard Eyre), con un guión muy bien estructurado por  Patrick Marber (Escritor de Closer) en el que no hay buenos ni malos, solo gente que se equivoca en sus acciones y en sus incontrolables sentimientos, amorales todos ellos, pero nunca inmorales.

Bárbara y Sheba

Bárbara y Sheba

Es inevitable estremecerse al contemplar a esa imponente Judi Dench, esa anciana profusamente arreglada y con un ramo de flores en sus brazos, sentada en la sala de esa joven mujer, hermosa, heterosexual, casada y con hijos de la cual se ha enamorado… Pese a todo esto, esta allí; sonriendo, viéndola bailar lascivamente al ritmo de un compás cadencioso. ¿Que ve en ella? Una oportunidad, una amistad, una ilusión, una pasión… Muchas cosas. Ha sido tanto el tiempo que ha pasado en la desesperanza teniendo como única compañía interminables filas de libros y adolescentes rebeldes que Sheba es como el Sol que nunca había iluminado su cielo grisáceo. Un tesoro muy brillante que no piensa dejar escapar. Pero no cuenta con que Sheba vivirá su propia historia de pasiones imposibles al tener una aventura con unos de sus alumnos.

Sheba Heart

Sheba Heart

A Sheba le pasa lo mismo que a Bárbara. Ambas acaban de despertar después de mucho tiempo. Algo nuevo a llegado sus existencias haciéndolas sentirse vivas, deseadas, felices, ilusionadas… Algo que las aleja de sus realidades carentes de satisfacción y plenitud… Para ella no es de ninguna manera sólo sexo casual, caricias prohibidas y besos furtivos en la oscuridad; es sentir de nuevo su corazón palpitando a mil por hora mientras su alma es acunada por la sensación de estar recibiendo un poco de amor…

Pero, ¿Que pasaría si tuviéramos en nuestras manos a ese ser que deseamos? ¿Si su secreto nos diera poder y fuera la presa que en cualquier momento podríamos matar fácilmente? ¿Nos aprovecharíamos de esa situación, de tenerlo dominado para así poder retenerlo a nuestro lado? Probablemente. Tras descubrir su secreto, Bárbara pronto disfruta acorralándola, jugando con ella; viendo en eso la posibilidad de llegar a algo más íntimo; utilizando el miedo de Sheba como su principal arma.

Un romance peligroso

Un romance peligroso

La película también nos habla de los errores que cometemos a lo largo de nuestra vida y que con el paso del tiempo se van haciendo cada vez más evidentes, hasta llegar a puntos como el de Sheba. Por fuera, es la imagen de la perfección, de la mujer moderna y exitosa; pero su realidad es muy distinta. No es una mujer feliz porque esta casada con un hombre que no ama. Y esta debe ser la realidad de muchas personas, quienes comparten su vida con alguien a quien dejaron de amar hace mucho o que sencillamente nunca amaron, pero a quien sin embargo besan cariñosamente en la boca todos los días diciéndole que lo quieren mucho.

La fortaleza de una es la debilidad de la otra.

La fortaleza de una es la debilidad de la otra.

¿Por qué los seres humanos nos entregamos a pasiones en ocasiones casi enfermizas sin contemplar las consecuencias que nos puedan traer? ¿Por qué llegamos a adorar con locura y fervor a musas y a dioses cuyo amor, belleza, esplendor y pureza nunca serán para nosotros? Los deseos no se pueden domesticar y siempre están allí, latiendo en el inmenso y profundo mar donde habitan. Siempre nos aferramos a sueños y esperanzas que nos gusta disfrazar de posibilidades verdaderas. Pero todo corresponde a dos cosas. La primera, es lo que todos anhelamos en esta vida, nuestra meta podría decirse. Esa búsqueda eterna, ese dulce paraíso con el que soñamos todas las noches. La recompensa por la que a veces se nos exige derramar nuestra propia sangre: la felicidad. Lo segundo es algo más profundo. Es de lo que todos quieren huir. Algo que a la mayoría le aterra pero que muy pocos saben apreciar y disfrutar, pero que indudablemente nadie quiere tener como destino final. Esa respuesta fría, cruda, seca, tal vez poética… Nunca estúpida ni absurda… Siempre ambigua e inextricable, cubierta a veces por el sutil y melancólico perfume del dolor: la soledad.

Al grano: Poderoso duelo entre dos grandes actrices cuyos personajes tan complejos como humanos viven una correlación que te hace pensar sobre la fuerza y la debilidad. Impecable drama.

* * * * 1/2 / 5

Lost in translation….. Perdidos en Tokio

Bob Harris(Bill Murray) es un conocido actor norteamericano cuya carrera ha decaído últimamente. A cambio de una generosa remuneración, acepta participar en un anuncio de whisky japonés que se va a rodar en Tokio. En su visita a Japón, experimenta un considerable choque cultural, por lo que pasa la mayor parte del tiempo libre en su hotel. Precisamente en el bar del hotel conoce a Charlotte(Scarlett Johansson), una mujer de veintitantos años que está casada con un joven fotógrafo de renombre. Éste se encuentra en Tokio cumpliendo un encargo profesional y, mientras trabaja, su mujer distrae el tiempo como puede. Además del común aturdimiento ante las imágenes y los sonidos de la inmensa ciudad, Bob y Charlotte comparten el descontento con sus vidas. Poco a poco se hacen muy amigos y a medida que exploran la urbe juntos empiezan a preguntarse si su amistad se transformará en algo más.

Perdidos en Tokio, Lost in Translation, Sofía Coppola, 2003

Perdidos en Tokio, Lost in Translation, Sofía Coppola, 2003

¿De qué trata?:

Desde la altura del lujoso e impersonal hotel-rascacielos se posa una mirada distante sobre Tokio, que sirve de fondo como cualquier otra gran ciudad moderna. Esa mirada tranquila encuentra la empatía idónea para acercarse a los protagonistas, que son un actor en decadencia, con cara de pocos amigos, de estar anímicamente en las últimas, y una licenciada inactiva, casada con un fotógrafo que la ignora y por las noches ronca. Insomnes ambos protagonistas, sufren un ‘jetlag’ existencial que va más allá de los desfases horarios y de los bostezos que no pueden reprimir en el ascensor, cuando se ven por primera vez. Gran parte del encanto de la película está en la poética sugerencia de un reencuentro platónico entre almas gemelas que se reconocen y establecen en el acto una corriente de comunicación directa, de mutua simpatía y complicidad.

Hasta la fecha, el mejor trabajo de Scarlett Johansson

Hasta la fecha, el mejor trabajo de Scarlett Johansson

El mayor acierto de Sofia Coppola es no definir esa conexión sólo en positivo, detallando su contenido, sino definirla también por claro contraste con la incomunicación como rasgo característico de la sociedad contemporánea, un mundo tan superpoblado y complejo que los mensajes se pierden inexorablemente en la traducción entre idiomas, entre códigos, entre mentalidades. De esto va mostrando el film numerosos ejemplos, empezando por el cómico rodaje del spot de un whisky o las conversaciones telefónicas con la familia, diálogos de sordos (uno dice Te quiero, el otro ya ha colgado). Charlotte escucha un audilibro sobre el sentido de la vida. Él juega al golf a solas. Ella callejea entre la muchedumbre extraña, visita templos que nada le dicen. En las ruedas de prensa todo es parloteo, tontería, expresión insuficiente y comunicación superficial.

Y cuando coinciden hay sonrisa, todo se llena de confianza, de un incesante reconocerse, tratarse delicadamente.
Unos planos cenitales toman las confidencias susurradas en la cama. Cuando la conversación languidece, una mano roza apenas un pie. La ternura es infinita. Ellos se encuentran melancólicamente en un lugar de paso, para establecerse en una continua identificación, por encima de las múltiples barreras de obviedad y convención que interpone el lenguaje, barreras que absorben los mensajes y los apagan, dejando que se pierdan en la traducción, entre los inútiles códigos comunicativos.

emotividad y expresividad

emotividad y expresividad

La fotografía es deslumbrante y abundan los planos de la ciudad (las luces de neón, los carteles publicitarios, los variopintos edificios, las multitudes, los transportes…), recreando hermosas escenas que parecen casuales y mostradas como el que no quiere la cosa, pero que en realidad encierran significados espirituales, vinculados a la visión subjetiva de los personajes. La fotografía es increíblemente expresiva y posee una elocuencia que va de lo sosegado a lo vibrante, comunicando mensajes mucho más hondos de lo que lo hacen los propios diálogos. Las conversaciones, sencillas e intrascendentes, como podría ser cualquier conversación corriente, con sus rasgos de humor, de ridiculez, de sinceridad, de falsedad, de diversión y de tristeza; los personajes con los que se cruzan los protagonistas, a menudo chocantes y llamativos en su variedad.

Romance moderno...

Romance moderno...

Historia sencilla sin nada extraordinario a la vista, pero que oculta en sus venas un latido que transporta fragmentos del alma y del corazón. Para todos ustedes, los que se han perdido alguna vez en sí mismos o en las revueltas del entorno y de la falta de comunicación.

Al grano: Sencilla y a la vez compleja película de una de las directoras más interesantes y versátiles, no sólo por que es hija de un director de cine de renombre, si no por que se ha ganado por sí misma que se le reconozca como una gran directora. Hermosa película casi poética que para algunos es lenta pero para otros es soberbia. Para mí lo es.

* * * * * / 5

The Hours….. Las horas

Las horas, The Hours, Stephen Daldry, 2002

Las horas, The Hours, Stephen Daldry, 2002

¿De qué trata?: Historia de 3 mujeres a la búsqueda de un sentido en sus vidas. Cada una de ellas vive en una época diferente, pero las tres están unidas por sus anhelos y sus miedos. Virginia Woolf (Nicole Kidman), en un suburbio de Londres a principio de los años veinte, lucha contra su locura mientras empieza a escribir su primera gran novela, “Mrs. Dalloway”. Laura Brown (Julianne Moore), una esposa y madre de Los Ángeles a finales de la Segunda Guerra Mundial, lee “Mrs. Dalloway” y la encuentra tan reveladora que empieza a considerar un cambio radical en su vida. Clarissa Vaughan (Meryl Streep), una versión contemporánea de “Mrs. Dalloway”, vive en la actualidad en la ciudad de Nueva York, y está enamorada de su amigo Richard (Ed Harris), un brillante poeta enfermo de SIDA.

A veces, sólo algunas veces, el cine se convierte en un vehículo capaz de arañar lo más profundo de nuestro ser, capaz de adentrarse en las profundidades del alma y mostrarnos alguno de los grandes secretos de la existencia. “Las horas” no es una obra maestra, ese adjetivo se queda muy corto para describir la profundidad, la sensibilidad, el arte y el buen hacer que esconde esta irrepetible película, pero, sobre todo, se queda corto para definir la gran verdad que revela y que resulta común para cualquier ser humano sobre la Tierra que alguna vez haya sentido la necesidad de elegir el camino que le conduzca a la felicidad.

Virginia Woolf definiendo Las horas

Virginia Woolf definiendo Las horas

Stephen Daldry hace un trabajo impecable, medido y rebosante de talento;  todos los actores y actrices -incluso los secundarios- alcanzan niveles de interpretación sorprendentes. La perfección ronda por esta película de forma omnipresente, adueñándose de cada plano, de cada gesto y de cada segundo de metraje.

Las horas” escupe ante nuestra cara el gran secreto de nuestra capacidad o incapacidad de tomar decisiones. Esas grandes decisiones que determinan los caminos por los que andamos y que nos conducen adonde queremos o no queremos estar. La felicidad es difícil de alcanzar, es sólo un instante, un tesoro precioso que llega de pronto y se escurre entre nuestros dedos, una sensación reservada sólo a unos pocos; a aquellos capaces de ser fieles a sí mismos, a sus deseos y a sus sueños.

La vida, frágil e irrecuperable, mantiene su férreo latido como un pulso ininterrumpido, con su lento devenir hacia esa muerte que, irremediablemente, nos espera a todos al final del camino. Y todos tenemos la capacidad de elegir cómo vivir, de elegir con quién queremos vivir y lo que queremos hacer. Ser felices depende de nosotros, y no serlo también… y ser infeliz es la mayor tortura del ser humano, una tortura que puede conducir a la peor consecuencia de la infelicidad: desear la muerte.

Meryl Streep en una película magistral

Meryl Streep en una película magistral

Las tres mujeres de esta película afrontan el reto de forma muy diferente. Una elige la muerte, otra la huida y otra la resignación. Y al final sólo queda esa vida vivida que jamás volverá, con el fin definitivo para Nicole Kidman, con el premio que no supimos ver ante nosotros en el caso de Meryl Streep y con el merecido perdón en el caso de Julianne Moore. Tres senderos diferentes, tres senderos forjados en el tiempo con cada uno de los años, los días y las horas de nuestra preciosa e irrepetible existencia.

Esta película se basa en un guión adaptado de una novela titulada “Las horas”, que a su vez está inspirada en el libro de Virginia Woolf, “Mrs. Dalloway”. Para mí, es una obra de arte porque posee imágenes portadoras de una belleza hipnótica. La calidad de los planos, el color, la expresividad, las emociones que despiertan y las reflexiones que conllevan, hacen de ella una obra interactiva con el espectador, que se ve envuelto por las historias descritas y es capaz de disfrutar tanto de lo que se muestra como de lo que se intuye.

Julianne Moore en una de sus mejores actuaciones...

Julianne Moore en una de sus mejores actuaciones...

Por otra parte, la película no sólo entra por los ojos; también lo hace por los oídos. La música que nos acompaña durante la visualización es del todo apropiada, y se convierte en una gran aliada que nos empuja irremediablemente hacia el terreno de las emociones, algo que considero esencial en una obra de arte. Es una experiencia audio-visual bella y placentera.

Al grano: Fina, elegante, reflexiva, bella, soberbia, impactante. No hay más palabras para definir esta pieza que debe de ser colocada dentro de las mejores películas en la historia del Cine.

* * * * * / 5

Proof (La Prueba)

La prueba, Proof, John Madden, 2005

La prueba, Proof, John Madden, 2005

¿De qué trata?:

En la víspera de su vigésimo séptimo cumpleaños, Catherine(Gwyneth Paltrow), una joven que ha pasado años cuidando a su brillante pero inestable padre, un genio de las matemáticas llamado Robert(Anthony Hopkins), no sólo deberá sobrellevar la llegada de una hermana con la que apenas tiene relación, Claire(Hope Davis), sino también atender a Hal(Jake Gyllenhaal), un antiguo alumno de su padre, que espera encontrar datos de gran importancia en los 103 cuadernos de trabajo de Robert. Al tiempo que comienza a entablar una profunda amistad con Hal y a hacer frente a los estrictos planes que tiene Claire para su vida, Catherine lucha por resolver una incógnita mucho más desconcertante: ¿Heredará ella la locura – o la genialidad – de su padre?

Catherine y Hal

Catherine y Hal

Los seres humanos estamos cargados de miedos, tanto conscientes como inconscientes: el miedo a la muerte, al dolor, a no valerte por ti mismo, a la incertidumbre, a lo desconocido,…etc. Pero a mí particularmente siempre me ha parecido más aterrador el miedo a la locura. Y supongo que por eso esta película me ha gustado y a mucha gente no. Contrariamente a lo que la gente cree, son los matemáticos y no los poetas los que están más expuestos a la locura.

Claire consuela a Catherina

Claire consuela a Catherina

Y este es el miedo que atenaza al personaje de Gwyneth Paltrow. Su padre es un antiguo genio matemático que ha perdido la cordura, y ella, que sabe que ha heredado su genialidad, tiene pavor a que le suceda lo mismo. Le da igual el reconocimiento social y otro estatus, sólo espera que no le suceda lo mismo que a su padre, y teme que ya esté cruzando ese umbral. Debe ser horrible esa sensación. Porque una vez ya loco supongo que uno ya no tiene esa impotencia e igual es feliz y todo, no se sabe, pero cruzar esa puerta debe ser tremendo, se cruza sólo, y con la incomprensión de todo el mundo, hasta de los más cercanos.

Catherine y su padre...
Catherine y su padre…

La película explora el mundo complejo y oscuro del estrés que padecen las personas que asumen el cuidado domiciliario de familiares enfermos mentales. El relato se centra en Catherine, joven, inteligente y bien dotada para las ciencias exactas. Tras años de plena dedicación al padre enfermo, se encuentra deprimida, descuida con frecuencia los trabajos de investigación que realiza en casa, se siente insegura del entorno y se recluye en la casa, presa de dudas sobre su propio equilibrio mental. Incrementa la presión sobre su ánimo la actitud de Claire, convencida de que ha heredado la enfermedad del padre. Se añade la decisión de ésta de vender la casa, el refugio de Catherine, y de llevarla a Nueva York, donde la cuidará como ella cuidó al padre. La tensión psicológica de Catherine aumenta aún más cuando ni Hal ni Claire admiten que ella es la autora de un trabajo, que atribuyen al padre. El relato sitúa a los personajes por encima de la trama y Catherine protagoniza un más que interesante, elegante y desolador drama psicológico, de tintes clásicos. Es admirable el duelo entre la lucidez de Catherine y el pragmatismo interesado, intrusivo y de escasas luces de Claire.

Las hermanas enfrentando sus propias realidades

Las hermanas enfrentando sus propias realidades

La música se apoya en una partitura de Stephen Warbeck, que ofrece variaciones sobre un tema principal intimista e inquietante.  La fotografía ofrece planos secuencia muy emotivos, encuadres de detalle, primeros planos psicológicos, flasbacks explicativos, imágenes que sugieren sentimientos (escena TV, estantería vacía), contraluces, luces doradas de ambiente y claroscuros suavemente contrastados. El guión aporta unos diálogos excelentes y personajes bien definidos. La dirección de John Madden crea una obra que suma, con acierto, misterio, intriga y drama.

Catherine

Catherine

La actuación de Gwyneth Paltrow es memorable. La de Hopkins es correcta, y la de Hope Davis muy buena. Jake Gyllenhaaal cumple su papel del personaje que es una intermitente tabla de salvación para la protagonista, ya que ella espera ser salvada por lo contrario de lo que se excede, por la sinrazón, o sea la poesía, el amor.

Tengo que decir que vi la puesta en escena de esta obra en el 2003 con Plutarco Haza y Ludwika Paleta y que me dejó un grato sabor de boca, la película no me defraudó pues exprime los personajes tan bien como en la obra y es que el mismo dramaturgo, David Auburn colaboró en el guión :-).

Montada en el 2003 con Plutarco Haza, Ludwika y Dominika Paleta

Montada en el 2003 con Plutarco Haza, Ludwika y Dominika Paleta

Al Grano: Interesante relato sobre un tema poco tratado, el estrés psicológico, perfilado con habilidad y emoción.

* * * * / 5

Changeling…. El sustituto

El sustituto, Changeling, Clint Eastwood 2008.

El sustituto, Changeling, Clint Eastwood 2008.

¿De qué trata?: Los Angeles, año 1928. Christine Collins (Angelina Jolie) es una madre soltera de los suburbios cuyo hijo desaparece sin dejar rastro. Meses después la policía dice haberlo encontrado, pero nada más verlo asegura que ese chico no es su hijo. A pesar de estar segura de ello, y en medio de la confusión, Christine se lleva a casa al niño, pero insiste en que se continue la búsqueda de su verdadero hijo. Tachada de loca e incapacitada por la policía, por fin encuentra un aliado en el reverendo Briegleb (John Malkovich), que la ayudará en su lucha contra la mentira del “sustituto”…

El sustituto” es un espectacular drama de época que retrata los años 20 y 30 de forma ejemplar, que radiografía la sociedad de la época mientras narra una historia real que se centra en una mujer, Christine Collins, desesperada por encontrar a su hijo desaparecido. Y cuando la policía dice encontrarlo y se lo entrega, ella poco a poco va sospechando que, sin embargo, no es él, iniciándose un juego en el que el espectador se ve arrastrado sin remedio.

¿Cómo afronta el señor Clint Eastwood esta historia? Pues de forma seria, formal, sin exagerar los gestos, sin engrandecer un relato de forma artificial. En un apasionante ejercicio de intriga en el que cada cosa tiene su razón de ser y cada personaje funciona en un perfecto engranaje, dando lugar a una película dura, atrevida y con alma. Las interpretaciones tienen parte de culpa de la grandeza del film, comenzando por una Angelina Jolie irreconocible, entregando uno de los mejores papeles femeninos del año y siguiendo con una contenida interpretación de Malkovich, un curioso papel secundario de Amy Ryan y una portentosa representación de la locura -casi autista- de mano de Jason Butler Harner.

Una irreconocible Angelina Jolie

Una irreconocible Angelina Jolie

“El sustituto” es un ejemplo de cómo un director clásico puede convivir en nuestros días sin caer en las nimiedades y la simplicidad de buena parte del cine reciente. Eastwood coge unos personajes, los moldea, les da vida y finalmente los pone en pantalla creando una historia, una película completa. Dos horas y media de cine del grande, que además se pasa volando gracias a sus múltiples virtudes. Su duración puede parecer exagerada pero durante la proyección estás tan metido en la historia que no notarás el paso del tiempo y aunque a ratos busque la “lágrima fácil”,  Clint sabe encauzarnos en todo momento hacia un buen desarrollo emotivo y real.

Al grano: Elegante y contundente drama de esos que te dejan sin palabras que decir después de veerlo. Es grato ver a Angelina Jolie en un personaje que realmente le exige mucha capacidad histriónica.

* * * * / 5