Dentro de mis apuestas a Mejor Película incluyo a: “The Artist”, “Caballo de Guerra (War Horse)”, “Hugo”, “The Descendants”, “Destinos Cruzados (The Help)”, “The Girl With The Dragon Tattoo”, “Medianoche en París”, “Poder y Traición (The Ides of March)”, “El Conductor (Drive)” y “Moneyball”.  Estas son películas que han sonado mucho en otras premiaciones y seguramente serán miradas por Oscar.

En el peldaño de Mejor Director podrían sonar nombres como el de Terrence Malick (“El árbol de la vida”), Steven Spielberg (“Caballo de Guerra (War Horse)”), Martin Scorsese (“Hugo”), Michel Hazanavicius (“The Artist”), Alexander Payne (“The Descendants”) y Woody Allen (“Midnight in Paris”).

El Mejor Actor está casi asegurado para George Clooney (“The Descendants”)  , sin embargo, en la competición también podrían estar nominados Brad Pitt (“Moneyball”), Jean Dujardin (“The Artist”), Leonardo DiCaprio (“J. Edgar”), Michael Fassbender (“Shame”) y hasta el mexicano Demian Bichir (“A Better Life”). Para Mejor Actriz la rencilla va a estar entre tres magníficas actrices: Viola Davis (“The Help”), Meryl Streep (“The Iron Lady”) y Glenn Close (“Albert Nobbs”) y para completar el peldaño podrían entrar a la batalla Michelle Williams (“My Week with Marilyn”) y Tilda Swinton (“We Need to Talk About Kevin”).

Entre la categoría de reparto masculino se manejan los nombres de Christopher Plummer (“Beginners” ), Albert Brooks (“Drive”), Kenneth Branagh (“My Week with Marilyn”), Nick Nolte (“Warrior”) y el ascendiente actor Armie Hammer (“J. Edgar”). Para la categoría de reparto destacan dos actrices en la misma cinta: Octavia Spencer y Jessica Chastain por “The Help”, cerrarían el bloque Berenice Bejo (“The Artist”), Janet McTeer (“Albert Nobbs”) y la revelación del año Melissa McCarthy por “Damas en Guerra”.

Muchos nombres son esperados para la máxima entrega, pero estos serán sin duda, mis esperanzas de nominaciones. Veamos a cuantos acierto.

10.- “For the Damaged Coda” – Blonde Readhead. Esta canción la descubrí en un montaje y me encantó. Hasta la fecha sigue sonando en mi iPod.

Escucha aquí: “For the damaged coda”

9.- “La Descarada” – Reyli Feat. Tommy Torres. Un cover de una de mis canciones favoritas de Reyli. Esta versión le dió frescura aunque le cambió la personalidad desfachatada que tiene la original.

Escucha aquí: “La Descarada”

8.- “The Edge of Glory” – Lady Gaga. Yo no soy fan de esta mujer, pero esta canción simplemente me ganó.

Escucha aquí: “The Edge Of Glory”

7.- “Fire with Fire” – Scissor Sisters. Desde mi secundaria este grupo me ha impactado constantemente. Esta canción no es la excepción, sobretodo por que marcó una etapa en mi vida.

Escucha aquí: “Fire With Fire”

6. “On the Floor” (Feat. Pitbull) – Jennifer Lopez. El regreso de la Lopez, con una canción pegajosa, se me antojó bailarla en todos lados.

Escucha aquí: “On The Floor”

5. “La niña que llora en tus fiestas” – La Oreja de Van Gogh. Mucho mejor disco que el que antecedió esta nueva etapa, fue el primer sencillo, simplemente espectacular.

Escucha aquí: “La niña que llora en tus fiestas”

4. – “Corre!” - Jesse & Joy – ¿Con quién se queda el perro? marca una ligera evolución, canciones más concretas, letras con mayor soltura, su mejor producción hasta la fecha. Y esta canción me hizo llorar muchas noches.

Escucha aquí: “Corre!”

3. “Más” – Ricky Martin – Una canción poderosa, te pone a bailar, te pone contento. Y verla en vivo fue, increíble.

Escucha aquí: “Más”

2. “Epifanía” – La Oreja de Van Gogh – La canción de regalo en la compra del disco en iTunes, cuando la escuché por primera vez me puso chinita la piel. Será de mis canciones favoritas por siempre.

Escucha aquí: “Epifanía”

1. “Para volver a amar” – Kany García. Esta canción me marcó todo el año. Me llenó de mucha alegría, tristeza, fuerza e ilusión. Y hasta la fecha sigue siendo mi himno.

Escucha aquí: “Para Volver a amar”

10. La nana (Dir. Sebastián Silva, 2009) Cooproducción México – Chilena, La nana es parte de la familia y no quiere perder su sitio, por lo que recurre a tretas crueles e infantiles para echar de “su casa” a cualquier nueva criada que pretenda ocupar su territorio. La protagonista se le presenta al espectador como un ser antipático, amargado y triste. Y así es, pero, no obstante, habrá imágenes y escenas donde se compadecerá de ella, en otras le comprenderá y en otras le resultará incluso entrañable.

9. Así es la suerte (Dir. Juan Carlos de Llaca, 2011) Divertida comedia de enredos sobre la suerte, protagonizada por Mauricio Isaac, Alfonso Herrera e Irene Azuela. De esas comedias que México necesita producir más seguido y evitar los clichés que suele realizar, esta cinta se salva de eso y resulta fresca y original.

8. Victorio (Dirs. Noppel, Croda, 2011) Una cinta que recurrió muchos festivales internacionales, Luis Fernando Peña vuelve a transformarse en mara salvatrucha (Lo hizo antes en la cinta “Sin Nombre”). He aquí un compendio de todas las desgracias y vejaciones que un ser humano podría sufrir. Conocemos el mundo hostil donde se desarrollan este tipo de personas y lo difícil que puede ser, pero de algún modo los personajes que tenemos ene este film son la tragedia pura.

7. Bala Mordida (Dir. Diego Muñoz, 2011) La cara más corrupta, oscura y maloliente de la policía mexicana, llevada a examen en el primer largometraje de Diego Muñoz, que dirige, escribe y produce la película. Con claras intenciones documentales, el disfrute y sensación de interés por lo que se narra es elevado durante toda la duración del metraje, pudiendo asistir a una serie de actos prácticamente inimaginables en muchos países del mundo pero al parecer muy cercanos a la realidad que se vive dentro de los cuerpos policiales de México.

6. Los inadaptados (Dirs. Colinas, Constandse, Ramírez Suárez, Tovar Velarde) Cuatro directores muestran cuatro cortometrajes unidos por una misma temática, seres que no encajan en una sociedad predeterminada por los estereotipos y los prejuicios. Un solitario muchacho no quiere vivir más hasta que conoce a una muchacha que lo hace pasar por un actor estrella con su familia. Un arrogante abogado recibe una lección al quedarse atorado en un elevador con una sirvienta fuera de serie. Un computer-freak no tiene amigos ni novia y hace una cita a ciegas por internet con una desconocida que resulta no serlo tanto. Cinco ancianos deciden acabar con el aburrimiento y planean asaltar un banco. Si lo miras bien todos somos unos inadaptados.

5. La otra familia (Dir. Gustavo Loza, 2011) Desde hace algún tiempo la controversia por la adopción de niños a parejas del mismo sexo ocupa la atención de los mexicanos, y ha acaparado la noticia, el reportaje y este año la ficción, contraponiendo perspectivas entre grupos aludidos en favor de la iniciativa, contra un sector de la población agraviado además de instancias religiosas y en pro de la familia. Esta película muestra un interesante punto de vista, en algunos momentos llena de estereotipos, su punto fuerte es generar una reflexión. Interesante el trabajo de dirección y Naile Norvind realiza un trabajo espectacular.

5. Don Gato y su pandilla (Dir. Alberto Mar, 2011) Con encanto “retro” pero incorporando los efectos de la tecnología 3D, el famoso gato callejero de los años sesenta vuelve junto a sus inocuos amigos pandilleros y su enemigo íntimo, el bueno del oficial Matute, sumándose a la tendencia de recobrar dibujitos clásicos de los sesenta. La gente dudaba de su calidad y el resultado fue muy grato, entretuvo, fue fiel a la caricatura y todos quedamos contentos. Un avance en la animación mexicana.

4. Presunto Culpable (Dirs. Hernández, Smith, 2011) Presunto Culpable es un trabajo enfático acerca de los atropellos cometidos en contra de quienes son detenidos, encerrados y juzgados sin oficios que lo avalen. Muestra los rostros de la impunidad y no se detiene ante posibles represalias. Abogados como los que realizan esta defensa, son pocos que buscaron la manera de sacar a su cliente de la cárcel y que con cámara en mano han llegado a los medios masivos para balconear que sucede en los juicios. Los valores éticos continúan en gente que todavía cree en su profesión y que no han sucumbido ante los beneficios de la corrupción.

3. Alamar (Dir. Pedro González-Rubio, 2011) Son pocas las películas que parecen llegarnos como un recuerdo propio; una especie de imagen de nuestra vida interpretada por diferentes personajes. Son pocas porque un film así, no pretende llenar una pantalla con efectos y explosiones o decálogos meta narrativos; un film así tiene una intención mas honesta y clara: emocionar a su espectador y hacerlo parte de su historia. La película transgrede los limites de la ficción y el documental, introduciendo un conflicto inexistente en personajes reales que antes de actuar recrean su propia historia.

2. Viaje Redondo (Dir. Gerardo Tort, 2011) Tort a través de un guión de Beatriz Novaro (Las buenas hierbas, Danzón) nos muestra un road movie de dos mujeres de diferentes clases sociales que se intersectan para complementarse. Las circunstancias las obligan a convivir y pasar dos noches juntas en un paisaje que les es por completo ajeno, confrontando sus realidades, sus deseos y sus sueños; y también permitiendo que aflore aquello que como mujeres las hermana y las acerca. Gran trabajo de Tort, que aparte de sus “Gritos de Amor y libertad” destaca como un cineasta profesional.

1. Miss Bala (Dir. Gerardo Naranjo, 2011)  Sin duda la película más arriesgada, difícil de digerir, pero tan necesaria para la realidad que vivimos. Puede escucharse como todo un cliché en el cine nacional al hablar de narcotráfico, tema recurrente y muy explotado, aún así, nunca he sido escéptico ante un tema que ha sido muy explotado y explorado en un sinfín de películas; siempre he pensado que lo que importa es la forma en que lo cuentas. Naranjo logra su mejor trabajo hasta la fecha. Miss Bala no se va por el camino fácil de mostrar descabezados, violencia y cocaína por todos lados. No, la historia de Laura te lleva a un lugar más íntimo, te muestra la perspectiva de una persona que es arrastrada sin querer a un mundo corrupto, peligroso e inhumano; haciéndote sentir desesperación, frustración, miedo y asco por el mundo en el que vivimos.

10. Loco y estúpido amor (Crazy, Stupid, Love Dirs Ficarra, Requa, 2011) Con un estupendo guión, un hombre (Steve Carrell) retoma su vida ante su divorcio, coucheado por un hombre rico (Ryan Gosling). Sin embargo las mujeres en la vida de ambos enfrentan a estos caballeros, demostrándoles que su superficialidad es aparente si no tienen una verdadera felicidad. Complementan el cast Julianne Moore, Emma Stone, Kevin Bacon y un divertidísimo personaje de Marisa Tomei. La comedia romántica del año.

9. Contagio (Contagion, Dir. Steven Soderbergh, 2011) Una cinta con un ingenio visual y construida con maestría gracias al inigualable talento del director. Sin embargo no es perfecta por algunos baches del guión, es una de esas películas que se tienen que ver y comentar. Provoca una gran reflexión en como la destrucción humana aparece a partir de las crisis. Un cast tan impresionante en el que destacan Matt Damon, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Bryan Cranston

8. Nunca me abandones (Never let me go, Dir. Mark Romanek, 2010) Adaptado de un libro de Kazuo Ishiguro era casi imposible que esta cinta no tuviera el poder que el libro maneja. Romanek pule esta historia llena de melancolía y romance. Un internado poco común es el marco de una historia romántica entre Andrew Garfield, Carey Mulligan y Keira Kightley. El arte, la fotografía y el diseño de producción son una proeza.

7. El discurso del rey (The King’s Speech, Dir. Tom Hopper, 2010) La ganadora del Oscar no podía faltar en esta lista, sorprendió a todos y se llevó los máximos premios incluyendo, actor, director y película. La película resultó ser más que un biopic y dotó a Jorge VI de una humanidad casi táctil al darnos un ejemplo de cómo superar un defecto personal y vencer las barreras que nos imponemos. Un ejemplo de cómo hacer una película, score, fotografía, arte, todo embona perfectamente.

6. Más allá de la vida (Hereafter, Dir. Clint Eastwood, 2010) Este año se estrenó esta cinta del maestro Eastwood sobre el poder de la muerte: 3 historias diferentes que en un punto llegan a encontrarse, una periodista francesa que sobrevive al tsunami del 2004, un hombre que tiene la capacidad de comunicarse con los muertos, y un adolescente que sufre tras la muerte de su hermano gemelo. Una cinta poderosa, emotiva, no te deja indiferente. Además con ese ritmo elegante que maneja muy bien el gran Eastwood.

5. Beginners, Así se siente el amor (Begginers, Dir. Mike Mills, 2011) Una cinta demasiado introspectiva, pero con mucho corazón. Mills cuenta una historia personal y lo lleva a la pantalla grande. Puede que para algunos la historia sea simple, pero es un hecho, esa es su fortaleza. Un hombre sobrelleva una depresión después de la muerte de su padre, que a su vez, antes de morir le confesara que era gay. Y además tiene que adaptarse al noviazgo con una actriz francesa. Goza de buena factura.

4. Miss Bala (Dir. Gerardo Naranjo, 2011) La cinta mexicana del año. Goza de una estupenda factura, una gran cinematografía y un ojo crítico bastante bien llevado. A mi gusto, sorprendió, cautivó, y me impactó. No es tan digerible para el público habituado  a lo comercial ya que abusa de cámaras fijas y eso la hace sentir lenta- Pero como alguna vez defendí esta cinta, “en su defecto lleva su gracia”.

3. Medianoche en Paris (Midnight in Paris, Dir. Woody Allen, 2011) Con un gran mosaico de personajes de la literatura, música, arte, Allen expresa sus inquietudes en voz en de un escritos frustrado que vive un romance falso con su prometida, quien al no entender sus pasiones, decide recorrer solo las calles de Paris adentrándose en su magia. Es ahí cuando la ciudad le cambia el destino y le abre los ojos. Una película ideal para los amantes del arte.

2. El cisne negro (Black Swan, Dir. Darren Aronofsky, 2010) Una cinta que nos llegó en febrero, mientras cautivó a USA en diciembre del 2010. Natalie Portman lucha contra la locura de una bailarina que comienza a desarrollar una dualidad entre la realidad y lo irreal, mientras se destaca como la protagonista del nuevo baile de la compañía, el mágico “Lago de los Cisnes”. De una propuesta visual muy sencilla, característica del director, el creador nos transporta en la mente de Nina Syers hasta su gran transformación de ser un cisne blanco a convertirse en un majestuoso Cisne Negro. Con todo lo que ello implica. Simplemente magistral.

1. La Mujer que Canta (Incendies, Dir. Denis Villeneuve, 2010) Adaptada de la impactante obra de teatro “Incendios” del dramaturgo Wajdi Mouawad, considero que esta película canadiense es lo mejor que se nos ofreció en cartelera este año. Una historia alejada de su material original, sin embargo, si se aprecia visualmente, es impactante, soberbia y espectacular. Devastadora historia que retrata una crisis familiar como sólo una gran tragedia moderna puede ser. Dos gemelos tienen que viajar de Canadá a Líbano para descubrir los orígenes de su madre, donde está su hermano y padre, los cuales desconocían su existencia. Al final ellos van hilando todos los enigmas del pasado y se enfrentan a su presente. Actuada con enorme pericia, una propuesta indispensable.

El mundo de cine ha visto películas muy buenas sobre los mutantes (X-Men y X-Men 2), regulares (X-Men. La decisión final) y malas (X-Men orígenes: Wolverine), pero esta vez, los mutantes regresan para contarnos la historia desde el principio. Sabemos que los mutantes dan para tener muchas películas de cada personaje por que es un universo basto de diferentes caracteres, en esta ocasión estamos ante el inicio de la famosa escuela de mutantes, en una cinta que nos cuenta de cómo Charles Xavier pasa de ser amigo del gran Magneto a ser su enemigo.

X-Men: Primera generación se sitúa en una época sesentera donde la paz estaba en la cuerda floja por las disputas que había entre Rusia y USA, pero lo que la película nos cuenta, es que también los mutantes tuvieron que ver en esa rencilla internacional.  La cinta es dirigida por Matthew Vaughn cuyos anteriores trabajos destacan la fantástica “Kick-Ass (2010)” y “Stardust (2007)”, un director que ha probado que es muy bueno haciendo películas aventuras y superhéroes (ficticios o no), a ratos Vaughn logra una pericia narrativa interesante sin embargo al momento de ponerse al tú por tú con el CGI no sale tan bien librado, sin embargo su dirección es notable y funcional.

Una película con un gran elenco encabezado por James McAvoy (Wanted – Se busca (2008), Expiación, más allá de la pasión (2007)) como el enigmático Profesor X; el impresionante Michael Fassbender es Magneto; la nominada al Oscar, Jennifer Lawrence es Mystique, January Jones que cautiva con su belleza como Emma Frost y Nicholas Hoult, galán de muchas adolescentes tendrá muchos pelos para ser Bestia. Quizás es por la vuelta de Bryan Singer (director de las cintas X-Men y X-Men 2) a las labores de producción y creación de la historia. Quizás es por el reparto. Quizás es por el guión. O quizás es por todo ello.. pero esta X-Men es una auténtico entretenimiento para los fans de los mutantes más célebres de la ficción, y debería serlo también para todos los cinéfilos en general.

El guión de la película combina a la perfección espectacularidad con intimismo, humor con violencia, drama y política; sin embargo, algunos detalles del guión son muy artificiosos y manipuladores. La cámara de Matthew Vaughn nos enseña el desenvolvimiento de la relación entre los dos grandes amigos que se convirtieron en rivales. James McAvoy, en la piel de Xavier, muestra una vez más que es el mejor actor de su generación (sus ojos lo dicen todo), mientras que Michael Fassbender, el mejor del reparto, transmite todo lo que su personaje ha de transmitir (dolor, ira, amor, amistad) en apenas una mirada. El resto del reparto, en interpretaciones más que correctas, acompaña perfectamente a esta pareja estrella.

Por cierto, busquen los cameos de Hugh Jackman y de Rebecca Romijn, simplemente, sensacionales!

* * * 1/2  de 5

Mark Romanek muestra un drama en el que los personajes no tienen salidas a sus predicamentos, son personajes que fueron creados y que tienen un destino marcado, pero que dentro de ese camino a seguir ellos viven con los dilemas de aceptarse como lo que son, y vivir desarrollando sentimientos. Una fábula distópica en la que se nos narra un pasado alternativo en el que las fronteras de la ciencia no están delimitadas por la ética, sino por la matemática del bien mayor. Si bien básicamente es un drama romántico, un triángulo amoroso que sirve de excusa para hablar sobre la importancia de amar y el tiempo que se nos concede para hacerlo, su fin no es otro que el exponer la auténtica naturaleza de unas criaturas que son tan humanas como cualquier persona “normal”; de la nula diferencia que puede haber entre aquello “artificial” cultivado con un único propósito y nosotros mismos, hombres y mujeres que regimos y decidimos sobre nuestras propias vidas.

Es “Never Let Me Go” una obra que se cocina a fuego lento, concediendo valor a los silencios y a la capacidad de observación. Su sensacional fotografía y una melancólica banda sonora contribuyen a crear una ambientación casi de cuento de hadas. Y como en todas estas historias, nada es lo que parece

* * * 1/2 / 5

Matt Damon

Para comenzar hablaré del argumento, David Norris (Matt Damon), un carismático congresista americano destinado a triunfar dentro de la política nacional, conoce a una guapa bailarina de ballet llamada Elise Sellas (Emily Blunt), que alterará completamente su vida. Sin embargo, cuando empieza a sospechar que ciertas fuerzas sobrenaturales intentan separarlos, tratará de descubrir las causas.

Las novelas de Philip K. Dick han dado mucho juego al cine, en algunos casos con excelentes adaptaciones, aunque hay que destacar que las que lo son, casi siempre funcionaron por la pericia de sus directores. La magia de esta cinta está en las cuestiones tales como sí somos quienes creemos ser o hasta qué punto controlamos nuestras decisiones, siempre en clave de thriller de suspense o sicológico de ciencia ficción. La combinación de ambas tramas en principio funciona bien, siempre y cuando el espectador sepa mantener su mente abierta a un relato de tal índole y no sea demasiado exigente desde un punto de vista científico o racional, la clave está en dejarse llevar por lo bonito de la historia de amor entre los dos protagonistas y por lo asombroso de la realidad alternativa al mundo que conocemos que se nos plantea.

Con el punto comercial, “Los agentes del destino” se convierte en una obra que seguramente atraerá a cantidad de público a las grandes salas de cine, su reparto y su hilo argumental la hacen apetecible y seguro que cumplirá con la premisa de gustar en general, aunque su tinte amoroso a muchos les cause insatisfacción. Pero hará que las mentes más inquietas extrapolen la esencia del guión a su propia vida.

Sin embargo, a la hora de ponerme técnico creo que la cinta funciona únicamente como una película romántica ya que la ciencia de la ficción queda colgando y al final, un resultado muy condescendiente no es tan climático como la película exige. A mí me dejó un gusto agradable en el estómago sin quererle buscar la exigencia que uno les pide a las cintas de ciencia ficción y muy linda para un romance común y corriente.

*** de 5

Partiendo de este argumento como base, se consigue una propuesta que llama al espectador y le lleva de la mano con bastante soltura logrando entretener correctamente y crear situaciones que te hacen pensar. Todo bien hasta llegada la mitad de la película, cuando en un determinado punto en el que la trama pierde su ritmo y los diálogos comienzan a flojear.

Una lástima porque parte de una premisa que, bien desarrollada, podría haber tenido un mayor calado. Muchos artistas han desarrollado parte de su obra bajo los efectos de algún tipo de estimulante (llámese droga, alcohol u otros), lo cual le da un plus de veracidad al tiempo que la hace interesante para analizar el proceso de creación, pero desgraciadamente, esto se deja de lado para adentrarse en un mar de aburridas incongruencias del tipo de cómo hacerse rico al instante, tramo donde interviene el que otrora fuera el mejor actor, ahora secundario de lujo, un Robert de Niro al que le va haciendo falta ya un papel de mayor relevancia.

Lo que parecía una interesante historia de cómo un hombre, abatido por una depresión brutal acepta al ingerir esta sustancia como una entrada a un aparente cielo, que se torna infierno (como la vida misma) desluce este conflicto para hacerse más algo atractivo a los ojos del público y dejarla como una película de acción más que de reflexión.  En fin, que es una película con algún que otro hallazgo visual y salpicado de un estilo videclipero de ágil banda sonora, pero al fin y al cabo, prescindible, con una molesta voz en off (que a ratos es bastante fastidiosa) y una trama llevadera hasta cierto punto en que, como el protagonista, despertamos y nos acordamos que no hemos tomado nuestra dosis de pastilla que nos haga ver las cosas de manera diferente, en este caso esta olvidable película.

Así el director de “El ilusionista” deja de la lado lo que sorprendió a muchos en aquella película y aquí lo muestra como un director ambicioso, que con una historia entretenida (a secas) deja que perdamos dos horas de nuestro tiempo con una mano en la cintura, a algunos les será entretenida, a muchos otros, insulsa como a mí. Pero para las chicas que adoren y quieran a Bradley Cooper (¿Qué pasó ayer?) aquí lo podrán gozar y admirar en su faceta de verse sucio hasta como un ejecutivo de la bolsa de valores. Una cinta que pude haber sido más certera si hubiera dejado de lado la espectacularidad por un efecto más reflexivo.

*** de 5

Esta cinta tiene todo lo que puedes esperar de un buen drama romántico, elementos donde te enganchas a la historia y momentos en los que deseas que los protagonistas luchen la adversidad y estar juntos. Tiene por lo pronto, el guión de Richard LaGravenese , y aunque este hombre ha sido director de cintas como “Escritores de la libertad” o “Posdata, te amo” ahora toma la pluma para escribir un drama que dirige el mismo director de la cinta “Constantine” y “Soy leyenda”, Francis Lawrence, ¿Qué hace un director de cine de acción haciendo un drama romántico? Yo no sé, pero creo que tuvo la suficiente visión y grandilocuencia para cambiar de ese género y hacer grande, lo dramático con el fastuoso diseño de arte y de producción que tiene la cinta, que sin duda, es lo mejor de su contenido. Además otro punto a favor de la cinta es que luce hermosa la fotografía del maestro Rodrigo Prieto.

 La cinta muestra en este triángulo amoroso una historia contada a través de un recuerdo de un hombre, así como en Titanic entramos al recuerdo de una anciana. Así que, si bien la historia arranca con un prefacio nada bondadoso en sus matices de infelicidad, pronto a través de simbolismos, y “las miradas de los personajes”; sentimos la rectificación de las almas que piensan que hace falta formar parte esencial de la vida, para ser felices y es por eso, por lo que no podemos dejar de sentir como espectadores, cierta indagación y conexión a la alteridad de lo semejante.

*** 1/2 de 5

“El Jardín de los Cerezos”

De. Anton Checjov

Dir. Luis de Tavira

Creo que tenía demasiada expectación con este montaje y terminé un tanto decepcionado. Era la primera vez que asistía a ver un montaje de Luis de Tavira y realmente quería saber por que todo mundo dice que es un buen director, pero le encontré muchas fallas. Desde el inicio la obra comenzó con un ritmo extraño, algunos actores no estaban en la misma sintonía de los demás y es que mientas unos estaban en realismo otros se lanzaban abismalmente al melodrama. Pero lo que más me mortificó fue el hecho de que hubiera una pésima organización del evento, pues a pesar de que hubo butacas vacías, el taquillero me hizo comprar los boletos de hasta atrás lo que me permitió ver algunos errores de la dirección.

Yo creo que para poder controlar un espectáculo de una magnitud cultural tan importante como lo es el recinto de Bellas Artes el director se debería de preocupar por que toda la visión sea llevada hasta la última silla del espacio pues, me tocó sufrir mucho para escuchar a los actores y lo que más me dolió fue el no poder disfrutar de el escenario por que la perspectiva no me dejaba ver más allá de la cintura de los actores. Esto habla de que el director sólo se preocupó por que la butaca que daba directo al escenario fuera la única que acaparara la atención, por lo que los que estábamos en un lugar superior nos tocaba apreciar las sobras del espectáculo.

Otro problema importante que tiene esta obra es el manejo del tiempo, la obra dura cuatro horas con intermedios de media hora cada uno. Esto para mí es un error garrafal, pues en cada acto los actores tenían la tarea de recapturar a los espectadores que se fugaron de la ficción durante la media hora de interrupción en una historia de por sí, lenta, cansada y esquemática. Se podrá decir mucho de Anton Chéjov, pero para mí sólo “La Gaviota” tiene esa maestría narrativa que tanto se le refiere. “El jardín de los Cerezos” es reiterativa, el conflicto para mí es meramente anecdótico y los personajes están totalmente estereotipados. Vemos la decadencia de una familia rusa que se ve obligada a vender la finca repleta de cerezos, el conflicto de la historia es simple, aprender a soltar el pasado, lo que los personajes de esta obra se tardan cuatro largos actos para hacerlo.

A mi gusto el montaje se siente demasiado ambicioso, que aunque tengo que reconocer que tiene un diseño de arte hermoso, el manejo del escenario es exquisito y la escenografía es linda, a pesar de tener el defecto, que sólo los de los primeros pisos podían apreciar las diferentes perspectivas que ofrece el diseño espacial. El score original es otro de los detalles que aplaudo enormemente, era un completo deleite escucharlo.

El montaje tenía muchos ojos encima debido a que era la primer actividad del recién inaugurado Palacio de Bellas Artes, el cuál perdió mucho de su arquitectura art nouveau, pero si alguna vez me toco ver en este mismo recinto un Don Juan Tenorio con un exceso de carnalidad gráfica, sólo me quedaba esperar que este montaje se mantuviera fiel a su texto, que si bien lo hizo, le faltó que los actores comprendieran que existe una finita línea entre el realismo y el melodrama y la solución está en entenderlo.

Para mí el realismo tiene un esquema muy sencillo a seguir: la pugna entre dos personajes mientras ambos luchan por un conflicto social. El que entienda esa fórmula puede generar un estilo realista, por el estilo marca el conflicto interno de los personajes y un conflicto externo, que en este caso no aprovecharon la riqueza dramática que ofrece el autor al vincular su texto con la revolución rusa. El melodrama es evidentemente más sencillo, conflicto entre dos personajes enfrascados en ellos mismos, donde los personajes caen en el sufrimiento total y en el exceso.

En el momento pensaba que la iluminación que a ratos se volvía ténue, en otros momentos excesivamente brillantes y algunos momentos casi oscuros eran intención del iluminador, leyendo después algunos periódicos leí que era problema de una máquina que compraron para el montaje. Aquí es donde también valdría la pena señalar que a veces la tecnología no está de nuestro lado al momento de hacer un arte, todo se debería de checar una y otra vez antes de ser lanzada, para evitar este tipo de accidentes.

Por lo pronto mi resultado final es una obra que a ratos captó mi ficción y por momentos muy grandes me provocaron un enorme aburrimiento, por lo que me pregunto, ¿fue una mala elección del texto?¿fueron los actores que no estaban en la sincronía correcta? ¿fue realmente una mala dirección? O todo al final de cuentas resultó ser excesivo y esquemático que se siente como un enorme pastel decorado de una pastelería, de esos, que el betún está seco y el fondo está aguado.